ARIZONA

PEPA LUNA

2012-01-10T19:24:00.000-08:00

ARIZONA / teatro Margarita Xirgu / Casal de Catalunya Buenos Aires

2012-01-07T17:14:00.000-08:00

La Tarántula / Teatro Del Pueblo / Buenos Aires

2011-10-28T07:00:00.000-07:00

LA TARANTULA

2011-10-16T07:37:00.000-07:00

“…Altamente recomendable… El trabajo de José María López es impresionante, digno de verse… Melody Llarens y Martín Urbaneja hacen un trabajo increíble…”
Julia Bowland – Radio Nacional

LA TARANTULA
TEATRO DEL PUEBLO
Av Roque Sáenz Peña 943
reservas 4326-3606
Entrada: $ 50,00 y $ 25,00
Sábado - 20:00 hs
Ultima función Sabado 29 octubre

ARIZONA.

2011-09-24T03:20:00.000-07:00

El viernes 7 de octubre, a las 20hs, se llevará acabo la presentación del unipersonal, en formato de teatro semimontado, “Arizona” con dramaturgia de Claudio Lentz, dirección de Marc Fleta y la actuación de la actriz española Pepa Luna. La presentación se realizará en el auditorio de la porteña Casa de la Lectura, cita en Lavalleja 924, con entrada libre y gratuita.

Síntesis del encuentro: La presentación se realizará por única vez y tiene por finalidad dar a conocer una primera aproximación del unipersonal en el trabajo escénico y difundir el texto en el ámbito teatral. De esta manera, proyectar la continuidad del unipersonal durante el año 2012.

Sobre Arizona: Julia, a través de una entrevista, cuenta la historia de un viaje que realizó en la década del 50 con motivo de un encuentro con un amigo/amante. El viaje transcurre en auto, desde San Isidro hasta Arizona, junto a una amiga y la criada. La travesía será la clave de las decisiones y las verdaderas identidades de los protagonistas, en una década en que las mujeres comienzan a tener voz y voto y con una mirada de la vida social focalizada más en el exterior que en el interior.

“Arizona está a 320 metros sobre el nivel del mar… y en auto a unos 1000 Km. así se llega a Arizona, al sur de la provincia de San Luis, Argentina.”

Sobre la puesta y acopios de Arizona: El teatro semimontado o leído es el espacio que anticipa y acerca al público a ser partícipe del interior de una creación. Es una búsqueda de prueba y de error, donde el teatro aproxima al público a un proceso creativo en la que su productor proyecta la construcción de un material. Dicho material en bruto será, luego, la materia prima para la construcción final de un montaje teatral.

Esta modalidad teatral permite acercase y ser partícipe del interior de la producción de un espectáculo y, al mismo tiempo, le brinda la posibilidad, al equipo creativo, de mostrar la articulación al momento de crear. Los acopios en escena, una vieja valija, una extensa tela de lienzo, fotos, música y libros fueron los disparadores de imágenes de la escritura de “Arizona”.

Sobre el autor: Claudio Lentz, realizó talleres y seminarios de Dramaturgia con Hernando Tejedor, Enrique Papatino, Alejandro Tantanian, Joaquín Bonet, Ariel Farace y Mauricio Kartun. Estrenó, a nivel nacional, como productor general “Acuerdo para Cambiar de casa” y “Atando Cabos”, ambas de Griselda Gambaro. Su primer texto teatral "Recuerdos verdaderos" fue seleccionado y representado para Teatro x la identidad en el ciclo 2006. Actualmente, se desempeña como productor ejecutivo de “La tarántula”, obra que se presenta en el teatro Del Pueblo.

Sobre la actriz: Pepa Luna es cantante y actriz. Realizó trabajos con Jaime Chavarri, María Beltrán, Bob Mc Andreuw, Carlos Ianni y Susan Ferrer. En teatro fue coprotagonista en las obras "Squash" y "Parle moi d´amour", dirigida por Oliver Luccioni y Óscar Puentes. En televisión formó parte de las series "Los 80" de Fernando Colomo y "7 días al desnudo", de Jesús Font, emitidos por la televisión española. En cine participó en la película “Camarón” de Jaime Chavarri.

Sobre el director: Marc Fleta Huguet es actor y director. Realizó estudios de teatro con Berty Tovias Lecop-Paris, en Barcelona. Participó en “Roberto Zucco” dirigida por Jordi Forcadas, entre otras. Actualmente estudia en Buenos Aires con Eliseo Subiela, y realiza cortometrajes y documentales. Integra AEBA (Asociación de actores españoles). Además, dicta clases de teatro en la Casa de Cataluña en Buenos Aires, estudia guión y producción en S.I.C.A y dirige “Como canta una ciudad de noviembre a noviembre” de Federico García Lorca, a estrenarse en octubre en Café Tortoni.

“Arizona”
Viernes 7 de octubre | 20hs

Casa de la Lectura | Lavalleja 924 |CABA

Entrada libre y gratuita sujeta a capacidad de espacio

Para más Información:
Marisol Cambre
Prensa y Difusión
15.5850.6261
prensa@marisolcambre.com.ar

Don Quijote cree en los títeres.

2011-09-24T03:01:00.000-07:00

En esta columna, hemos venido ocupándonos de novelistas que en sus obras aluden al teatro, o evocan representaciones e intérpretes de otros tiempos. El más ilustre de ellos es Miguel de Cervantes Saavedra, quien en la segunda parte de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, capítulos 25 y 26, nos cuenta lo que le pasa a su protagonista cuando asiste, en el patio de una posada, a un espectáculo de títeres alusivo a leyendas medievales, justamente aquellas andanzas imaginarias de caballería que le habían "sorbido el seso" al bueno de don Alonso Quijano.

El "titerero" - así lo llama Cervantes - es maese Pedro, de quien el dueño de la posada le informa a don Quijote "que ha muchos días que anda por esta Mancha de Aragón enseñando un retablo de la libertad de Melisendra, dada por el famoso don Gaiferos, que es una de las mejores y más bien representadas historias que de muchos años a esta parte en este reino se han visto". El "titerero" arma su pequeño teatro: "? y vinieron donde ya estaba el retablo puesto y descubierto, lleno por todas partes de candelillas de cera encendidas, que le hacían vistoso y resplandeciente. En llegando, se metió maese Pedro dentro de él, que era el que había de manejar las figuras del artificio, y fuera se puso un muchacho, criado del maese Pedro, para servir de intérprete y declarador de los misterios del tal retablo: tenía una varilla en la mano, con que señalaba las figuras que salían".

La representación pone en escena la liberación de la princesa Melisendra, hija adoptiva de Carlomagno, prisionera de los moros en la ciudad de Sansueña, "que así se llamaba entonces la que hoy se llama Zaragoza", por su marido, don Gaiferos. La cautiva es, en efecto, liberada, y la pareja huye a caballo, perseguida por la horda moruna. Don Quijote, incapaz de distinguir entre ficción y realidad, "levantándose en pie, en voz alta dijo: ´´No consentiré yo que en mis días y en mi presencia se le haga superchería a tan famoso caballero y a tan atrevido enamorado como don Gaiferos. ¡Deteneos, mal nacida canalla, no le sigáis ni persigáis; si no, conmigo sois en la batalla!``. Y diciendo y haciendo, desenvainó la espada y de un brinco se puso junto al retablo, y con acelerada y nunca vista furia comenzó a llover cuchilladas sobre la titerera morisma, derribando a unos, descabezando a otros, estropeando a éste, destrozando a aquél, y, entre otros muchos, tiró un altibajo tal que si maese Pedro no se abaja, se encoge y agazapa, le cercenara la cabeza con más facilidad que si fuera hecha de masa de mazapán".

Manuel de Falla compuso, con esta aventura de don Quijote, una deliciosa joya del teatro musical..

Por Ernesto Schoo | LA NACION
24 sep 2011

Maquinistas y actores de antaño.

2011-08-27T03:56:00.000-07:00

Por muchos años no tuvimos otro teatro, o Casa de Comedias, como generalmente se llamaba, que el Argentino, situado frente a la iglesia de la Merced (?), hasta que se edificó el Teatro de la Victoria, por el año 1833 (?). El Argentino fue, pues, por muchos años, nuestro único teatro, que no fue por cierto un modelo arquitectónico. El frente, completamente destituido de todo ornato, ostentaba por entrada un portón de pino, más aparente, sin duda, para una cochera que para un teatro; y como no hay nada que ver aquí, visitemos el interior".

Así comienza la evocación que hace el doctor José Antonio Wilde (1813-1887) -médico y educador, ilustre vecino de Quilmes- de los comienzos de la actividad teatral en Buenos Aires, ciudad a la que dedicó un libro cuya lectura recomendamos a todos los que la aman: Buenos Aires desde setenta años atrás , publicado en 1881. Entremos, pues, con él al modesto Teatro Argentino: "El proscenio tenía suficiente extensión para las representaciones de la época y para el personal de que se disponía. Las decoraciones, bastante pobres, fueron pintadas en su mayor parte por don Mariano Pizarro, argentino, maquinista del teatro. El telón de boca y cierto número de bastidores eran obra de algún artista o aficionado extranjero que caía a la mano. El alumbrado se hizo por velas de sebo y más tarde con aceite (?) La maquinaria no estaba muy adelantada en esa época, y en prueba de ello veamos cómo se manejaban para subir y bajar el telón. Para subirlo, colocábanse uno o dos hombres de cada lado en la parte más alta de la boca del proscenio, entre las bambalinas; allí permanecían sentados. Cuando se hacía la señal para subir el telón, abandonaban su asiento y, bien asidos de las cuerdas, descendían al piso por su propio peso haciendo, hasta cierto punto, el oficio de poleas; el telón subía en proporción que ellos bajaban. Aseguraban bien las gruesas cuerdas en unos postes destinados al efecto y cuando querían que el telón bajase, soltaban las cuerdas, como quien suelta hilo a una pandorga, o como se va soltando con precipitación el balde al aljibe" (pandorga es una antigua denominación de la cometa, o barrilete).

No es nada piadoso el doctor Wilde cuando, unas páginas más adelante, enjuicia a los intérpretes que pudo ver en el Argentino y luego en la Victoria. Algunos ejemplos: "Matilde Diez, hija del barba (característico) señor Diez, actor español mediocre; era esta lo que puede llamarse una hermosa mujer, alta, algo corpulenta, pero bien formada, era todo menos actriz. Convencida, como parecía estarlo, de su hermosura, no se empeñaba en estudiar, jamás sabía su papel, ni entraba en él, los pasajes más patéticos no la conmovían ni la afectaban en lo mínimo; era un adorno en escena. Ana Campomanes, de más de cuarenta años, fea en grado heroico; desempeñaba papeles secundarios con bastante soltura, particularmente los de criada de confianza, que son las que manejan la intriga. Cantaba, pero tenía una voz cascada y chillona. Velarde (Primer galán). Alto, de buena figura, pero sin elasticidad en sus movimientos y acción, al extremo que al verlo desempeñando el rol del conde de Almaviva en El barbero de Sevilla , un crítico de aquellos tiempos decía que más bien debiera llamarse conde de Almamuerta. Sus modales eran finos pero, como sus compañeros, carecía de escuela. Felipe David (Primer gracejo). Porteño. Este hombre, sin estudio, sin modelos que imitar, poseía dotes especiales: sobresalía en la mímica. Era el amigo predilecto del público (?) Bastaba ver solamente a Felipe en la escena, para que se pronunciara la hilaridad; antes de que dijera una sola palabra, la risa se hacía general"..
Opinión

Maquinistas y actores de antaño
Por Ernesto Schoo | LA NACION
27 ago 2011

Sobre relatos, modelos y otras ficciones

2011-08-22T09:41:00.000-07:00

La íntima relación entre política y teatro es innegable, acentuada aquí y ahora por ser un año de múltiples elecciones y sus consecuentes campañas proselitistas, pródigas en gestos efectistas, discursos ídem y sorpresas varias, no muy lejanas del clásico suspenso del género policial y el de terror. Los entendidos en política usan y abusan hoy de una palabra que parecer ser clave: relato. Para aclarar el concepto, recurrí al Diccionario del teatro , de Patrice Pavis (Paidós, 1983), y he aquí lo que encontré: "Relato. Discurso de un personaje que narra un acontecimiento que se produce en la extra-escena (ésta comprende la realidad que se desarrolla y existe fuera del campo de visión del espectador)". Más adelante aclara: "Hablamos de relato en sentido estricto cuando el personaje monopoliza la palabra para relatar acontecimientos de los cuales sólo él ha sido testigo y que refiere a otros personajes atentos (ejemplos: el relato de Teramenes en Fedra , o el de la batalla con los moros en El Cid )".

Prosigue Pavis: "El relato filtra el acontecimiento por medio de la conciencia del recitante, quien interpreta libremente los hechos y los entrega con la claridad adecuada. De este modo, al enunciado se le suma la modelización que el enunciador imprime a los hechos relatados: por ejemplo, para Rodrigo, en El Cid , el relato de la batalla le sirve también de argumento político en su situación personal: las cosas se presentan de tal manera que de ahí en adelante los servicios de él serán indispensables".

"De todas maneras, el relato no puede, sin correr el peligro de destruir totalmente el carácter teatral de la obra, tener una gran importancia en el cuerpo de ésta. Se limita por lo general a los monólogos de la exposición (según el canon clásico de exposición, nudo y desenlace) y a los discursos funerarios o matrimoniales del epílogo. Además, el relato está integrado a la acción y siempre deberá ser proferido en los momentos intensos, para retardar la información ( suspense , como dicen los españoles), o en las grandes articulaciones de la acción".

Completa la acepción, según Pavis, de la voz "relato", esta cita de un texto de Monod: "Todo relato es relativo y amenaza anularse recurriendo a relatos superpuestos, hasta el punto de que el teatro resulta sólo un juego de espejos donde la construcción se vacía de toda sustancia para remitir únicamente a mecanismos de relato, como si la realidad misma no fuera sino una ficción igualmente relativa"..
Opinión teatro

Sobre relatos, modelos y otras ficciones
Por Ernesto Schoo | LA NACION
30 jul 2011

Ventajas y riesgos de la ilusión

2011-08-22T09:39:00.000-07:00

Abro al azar el Diccionario del Teatro, de Patrice Pavis, y aparece una voz estrechamente ligada al juego escénico: "Ilusión". Dice Pavis: "La ilusión teatral actúa cuando consideramos como real y verdadero lo que sólo es una imitación de la realidad. La ilusión está vinculada al efecto de realidad producido por la escena y al reconocimiento psicológico e ideológico de fenómenos ya familiares para el espectador". "La ilusión -prosigue- presupone la conciencia de que lo que vemos en el teatro es solamente representación (.). Las estéticas hipernaturalistas, que cuentan con la ilusión perfecta, a veces han desconocido esta necesidad del confuso placer de la ilusión/desilusión. En cambio, el teatro clásico y, en general, todo teatro que no intente negarse a sí mismo, toma una posición mucho más equilibrada y práctica, más sutil que los efectos de realidad e irrealidad".

Casi toda la estética teatral vigente desde fines del siglo XIX hasta hoy, a través de sucesivas vanguardias y experimentaciones, se empeña en abolir la noción ingenua de imitación de una supuesta realidad, reemplazándola por la conciencia de que en el teatro asistimos a una forma poética autónoma, con sus propias leyes, un conjunto de convenciones, un código, al que debemos atenernos si queremos conservar nuestra salud mental.

Las actuales técnicas de comunicación globalizada imponen, sin embargo, nuevas formas de ilusión que contradicen las anteriores consideraciones. Imaginar que los miles de adherentes a Facebook, o a Twitter, forman una red solidaria de amigos, en el sentido más riguroso de esta hermosa palabra, es más que una ilusión: es una carencia de sentido común. Ya la radio, hoy casi centenaria, imponía, desde sus "teatros" del aire, una identificación alarmante entre ficción y realidad: los villanos de los radioteatros eran insultados y atacados físicamente cuando los elencos en gira representaban sus libretos en escena. Ni qué hablar de la televisión, cuya "presencia real" es omnipotente: ¿cuántos televidentes creen que están asistiendo a escenas verdaderas de la vida cotidiana, y que la pareja protagónica se está casando realmente en una iglesia? Si más adelante se separan en la ficción, esos espectadores ingenuos (que los hay, y más de los que imaginamos), al tropezar casualmente con el actor, denostarán al infiel y hasta lo agredirán. Bradbury imaginó un futuro en el que los intérpretes de un teleteatro se sentarán en el living de nuestras casas y departirán sus cuitas con nosotros, que seríamos capaces de modificar sus destinos. Al paso que vamos, con el cuento de la participación del público, ese futuro no tardará en llegar.

Ventajas y riesgos de la ilusión
Por Ernesto Schoo | LA NACION
13 ago 2011

Atando Cabos

2011-08-22T08:55:00.000-07:00

El desencuentro de las imagenes amorosas.

2011-08-22T08:46:00.000-07:00

La Tarántula

2011-08-02T15:20:00.000-07:00

Molière, un autor para siempre.

2011-07-23T04:14:00.000-07:00

Entre los tres o cuatro autores llamados clásicos que frecuenta la gente de teatro de Buenos Aires, Molière figura en lugar destacado. Se lo representa a menudo, en variedad de versiones; y por más experimentos o innovaciones a que se vean sometidos sus textos, queda siempre en pie lo esencial de su genio. Que consiste en ser, por encima de todo, un excepcional hombre de teatro.

Tal vez ningún crítico lo caracterizó mejor que Émile Faguet, en su antigua pero siempre vigente Historia de la literatura francesa. Establece tres momentos en la carrera de Molière, empezando por "la comedia tal como se la conocía en su tiempo, sin privarse en absoluto de pedir prestado a los italianos y a sus predecesores franceses". (respecto de los italianos, es evidente la huella de la comedia del arte en sus obras primeras, "suerte de guiones que los actores terminaban de escribir con sus improvisaciones sobre el tema"). Después vienen "las comedias de intriga, en verso y de dimensiones más considerables, como La escuela de los maridos", y más tarde "las comedias de costumbres, ya intentadas por Corneille o Cyrano, pero que Molière llevó más lejos y con una impresión tal de realidad que sigue vigente después de tres siglos y medio: Las preciosas ridículas, La escuela de las mujeres y hasta el Don Juan, que es más una pintura de París y la corte de Francia en 1665, que de España". Por último, las comedias de carácter, "que no dejan de ser de costumbres, en cuyo centro hay un personaje propuesto a la atención del público, una imagen representativa en todo tiempo: El misántropo, El avaro, Tartufo, Las mujeres sabias".

Mucho más cerca de nosotros, V.L. Saulnier, en su Literatura francesa del siglo clásico (hay edición de Eudeba), dice: "Molière no es un filósofo (.) Es un autor de comedias sólidas, de las que varias pueden hacer reflexionar seriamente pero que, ante todo, quieren ser teatro". Señala después: "Se aleja progresivamente de la farsa, hacia la comedia natural y psicológica., evolución coronada por La escuela de las mujeres".

"La comedia quiere siempre corregir las costumbres -se explaya Saulnier-, pero Molière se apoya sobre la nota propiamente cómica, siendo perfectamente dueño de su técnica". Más de trescientos años después de haber sido estrenadas, sus comedias persisten porque, al decir de Fellini, "la condición humana ha sido siempre la misma, en cualquier tiempo y lugar". Y Molière supo pintar esa condición como pocos.

Ernesto Schoo
Sábado 23 de julio de 2011
LA NACION

ESTRENO 23 JULIO TEATRO DEL PUEBLO "LA TARANTULA"

2011-07-08T09:28:00.000-07:00

La Tarántula

de Patricia Suárez

Dirección y Puesta en escena: Héctor Oliboni
actúan
José María López - El Padre
Melody Llarens - Felice
Martín Urbaneja - Fiore
Escenografía: Raúl Marego
Vestuario: Nora Cervantes
Luces: Osvaldo Ponce
Fotografía y diseño gráfico: Daniela Torta
Realización escenográfica: Oscar Marego - María Basilotta
Prensa y difusión: Laura Brangeri
Producción ejecutiva: Claudio Lentz
Directora asistente: Mónica Benavidez

De Estocolmo a Nueva York.

2011-06-12T08:44:00.000-07:00

Por Luis Salinas. Suecia y Estados Unidos.

Nací en un barrio obrero de Monte Grande, y desde los tres a los diez años viví en Villa Diamante. Ni soñaba con conocer los 22 países por los que hasta ahora he andado y la sensación de mis primeros viajes sigue siendo totalmente inolvidable.

Tenía 33 años cuando tocaba con Egle Martin; después de la función, hacíamos prolongadas trasnoches con músicos de todas partes. Una noche, Anders Persons, un músico sueco, me propuso hacer una gira por su país. Le dije que sí, por supuesto, pero no creí que se concretara. Poco después, tomaba el primer avión de mi vida rumbo a Suecia. Mi vieja lloraba, yo también lloraba. Era muy fuerte y tenía la sensación de ir a Marte.

Recuerdo que hice escala en Barajas, España, para el trasbordo de aviones y, entre tanta gente, divisé a Mercedes Sosa. Me aferré a mi guitarra pero no me animé a acercarme. Años después ella me diría: “¿Cómo no me saludaste, Luisito?”.

Mucho peor fue cuando aterricé en Estocolmo: todos a mi alrededor eran rubios y altos, hablando un idioma que no comprendía. Solo, con mi gamulán negro y la guitarra como armadura, tuve unos minutos de agonía. Hasta que la voz de la novia brasileña de uno de los músicos con su tudo bem me devolvió el alma al cuerpo.

Suecia es un país sorprendente, todo está impecable y prolijo, como recién estrenado. Pese a la gentileza de mis anfitriones, el frío y que a las cuatro de la tarde se hiciera de noche, me resultaron difíciles. La gente es extremadamente amable y educada; hasta los automovilistas. Los suecos adoran la música y tienen muchísimos festivales. Hice una gira de un mes junto a Anders Persons, Christian Spering y Magnus Gran. El grupo se llama “El Palermo Trío” en homenaje a nosotros, están enamorados de Buenos Aires. Tocamos en el Festival Internacional de Jazz de Umea, uno de los más importantes de Suecia, en una ciudad muy cercana al Círculo Polar Artico, repleta de hermosos abedules. Después, nos presentamos en Gotemburgo. Me sorprendió que tocáramos siempre a sala llena y que hubiera tantos uruguayos y chilenos viviendo allí, tan lejos. En Estocolmo hicimos varios conciertos y grabamos el disco “Aire de Tango” para el sello Dragon Records. La música es un idioma sin fronteras y me sentí genial.

Poco después de mi “bautismo” en Suecia, me tocó viajar a Nueva York. Para mí fue como ir a Disney para un chico: pura fascinación. Andar por los lugares del jazz: en la misma cuadra del Blue Note, conocí el Visiones, con la sensación de una intimidad única. Recorrí a pie la ciudad y sentí que el aire estaba impregnado de música. Grabé un disco de latin jazz para el sello GRP, con producción de Tommy Li Puma (productor de Al Jarreau, George Benson, Miles Davis, entre otros). Subí al piso 50 del estudio, con las paredes de las oficinas llenas de Grammys.

Acompañado por Ralph Irizarry conocí las jam session de grosísimos músicos negros. Tocar y escuchar música ahí fue maravilloso. Como una copla en Purmamarca, como un tablao gitano en Sevilla o el tango en Buenos Aires, descubrí la felicidad de estar en el lugar que produce “ese” sonido auténtico que amo. En Nueva York fue difícil dormir, todo era un sueño. Después siguieron otros viajes; de a poco me voy acostumbrando.

Clarin Viajes y Turismo/12 junio 2011

Blanche a la luz de la luna.

2011-06-07T04:50:00.000-07:00

En sus fascinantes y desordenadas Memorias, Tennessee Williams (1911-1983) anota: "Inmediatamente después de comenzados los ensayos de El zoo de cristal, empecé una obra cuyo primer título fue Blanche's Chair in the Moon. Una mujer frágil, muy blanca, tomando algo de fresco en una galería, en una calurosa noche de luna. Escribí esa sola escena, en el invierno de 1944-45, en Chicago. Hacia 1946 estaba escribiendo Verano y humo, pero, como se me resistía, volví al tema de Blanche". La obra empieza a tomar cuerpo, ahora se llama Una noche de póker.

Fue Elia Kazan, su primer director en el teatro (1947) y también en el cine (1948), quien la bautizó con el título actual y propuso a Marlon Brando como Stanley Kowalski. "Te envío a un actor joven que me parece ideal para el papel", le avisa a Williams, que está en la playa, en una cabaña en Cape Cod, dando los últimos retoques a la obra. "Era el hombre más hermoso que vi en mi vida -recuerda Tennessee-, pero jamás me enredo con los intérpretes de mis obras." Durante los días en que convivieron, Marlon durmió en el suelo, envuelto en una manta, y no habló nunca con su anfitrión. Eso sí, arregló la instalación eléctrica y las cañerías de la cabaña. En cuanto a Blanche, la primera candidata fue Margaret Sullavan, conocida actriz de cine, pero el autor la rechazó -"a Sullavan la imagino siempre jugando al tenis, cosa que Blanche no haría jamás"- y optó por Jessica Tandy. Una gran actriz, sin duda, pero ¿quién podría igualar o superar a Vivien Leigh en la versión cinematográfica?

Ernesto Schoo
Miércoles 20 de abril de 2011 - La Nación.

Conversando con Edward Albee.

2011-06-07T04:44:00.000-07:00

En reciente edición el Guardian, de Manchester, reproduce una entrevista hecha por ese diario en 2010 a Edward Albee (Washington DC, 1928), considerado hoy -fallecidos Tennessee Williams y Arthur Miller- el mayor dramaturgo norteamericano viviente, cuya obra más reciente, de ese mismo año, se titula Me Myself and I (o sea, algo así como Yo, yo y yo ). Su obra más famosa es, sin duda, ¿Quién le teme a Virginia Wolf? (1962, premio Tony), representada en Buenos Aires -curiosamente, siempre en el Regina- tres veces en diversas temporadas, la última en espléndida versión de Arturo Puig y Selva Alemán, dirigidos por Luciano Suardi. En su trayectoria cosechó tres premios Pulitzer, por Delicado equilibrio (1967), Seascape (1975) y Tres mujeres altas (1996). Casi todos sus títulos más importantes se han estrenado en Buenos Aires, desde La historia del Zoo (en el Instituto de Arte Moderno, con Jorge Rivera López y Hugo Caprera, dirigidos por Marcelo Lavalle) hasta El juego del bebe , en el Maipo, con Norma Aleandro. He aquí una síntesis de aquella entrevista.

-¿Cómo se inició en el teatro?

-Fracasé en todas las otras ramas de la literatura, como cuentista, novelista, poeta, ensayista. Pero estaba resuelto a ser escritor, de modo que me dediqué al teatro.

-¿Cuál fue su primer éxito?

-La historia del Zoo, estrenada en Berlín en 1958.

-¿Qué ha sacrificado por su arte?

-A veces me ha ido bien económicamente, a veces ha sido duro. A veces los críticos han sido inteligentes, a veces estúpidos. A veces el público acude, a veces no.

-¿Sufre usted por su arte?

-No, claro que no. Sufro por la manera en que se trata a los artistas. Creo que las artes no reciben el respeto que se merecen. A la gente le importa más lo frívolo que lo serio.

-¿Qué consejo le daría a un dramaturgo novel?

-Asegúrate de que eres bueno y sé duro. No transes.

-¿De cuáles de sus obras está más orgulloso?

-He escrito algunas que al parecer son valiosas, y eso me agrada. Siempre espero mejorar. La favorita es aquella en la que trabajo en el momento, porque todavía no ha fracasado.

-¿A cuáles artistas admira?

-A los mejores.

-¿Me daría nombres?

-No. Ellos saben quiénes son.

-¿Qué otra forma de arte le gusta más?

-La música clásica.

-¿Qué busca cuando va al teatro a ver la obra de un colega?

-Ser educado, conmovido, sorprendido, divertido y sentirme muy hondamente involucrado. Ocurre una vez en cien.

-¿Cuál ha sido su culminación?

-Espero que no haya llegado todavía.

-¿Y su declinación?

-Espero que ya haya pasado

Ernesto Schoo
Sábado 23 de abril de 2011 - La Nación.

Treinta y cinco horas de loco amor.

2011-06-07T04:40:00.000-07:00

Buenos Aires ha conocido por lo menos tres versiones de Querido mentiroso , la pieza de Jerome Kilty sobre la correspondencia entre George Bernard Shaw y su gran amiga, la actriz Mrs. Patrick Campbell. Inda Ledesma y Ernesto Bianco la interpretaron en los años 60, justo cuando llegaban en gira María Casares y Pierre Brasseur, que la hicieron en francés (resultado: los argentinos superaron a sus colegas franceses). No hace mucho, Norma Aleandro y Sergio Renán la protagonizaron en el Maipo, con resonante éxito, y la llevaron en triunfo a España.

En el delicioso libro de Patricio Gannon Esqueletos divinos (ver columna de dos semanas atrás, sobre Gordon Craig), se dedica un capítulo a la señora Campbell y su relación con el sarcástico escritor irlandés. Ella se llamaba Beatrice Stella Tanner, nació en Londres en 1865 y su primer marido, Patrick Campbell, murió en la guerra de los boers, en 1900. Stella se volvió a casar pero conservó el apellido Campbell.

El talento y la exótica belleza de Stella pronto la destacaron: su primer triunfo resonante fue en The Second Mrs. Tanqueray , de Arthur Pinero. Shaw era por entonces un temido crítico musical, bajo el seudónimo de Corno di Bassetto, y quedó encandilado por Mrs. Campbell, "sobre todo por su manera de tocar el piano" en la pieza de Pinero. Quince años antes de escribirla, Bernard ya había concebido Pygmalion para Stella; pero resultaba difícil proponerle el papel de una vulgar florista callejera; y, además, la actriz tenía ya 49 años. Invitada a tomar el té por una amiga común, la señora Campbell se encontró allí con Shaw, quien casualmente les leería su última comedia. Al vuelo, Stella comprendió que ese papel era para ella y lo aceptó sin más.

De pronto, el empecinado misógino cayó en las redes de la sirena: "Me sentí enamoradísimo, comencé a soñar y a soñar y a caminar por el aire toda una tarde y el día siguiente, tal como si mi próximo cumpleaños fuese tan sólo mi vigésimo aniversario. Nunca ha habido nada tan sublime y tan ridículo en toda la historia del mundo. Estuve enamoradísimo durante casi treinta y cinco horas". Dice Gannon: "De esta época data la increíble correspondencia de Shaw y Mrs. Campbell, que acaba de publicarse (1971) en Londres. Las cartas son conmovedoras, siempre ingeniosas, a veces ligeramente ridículas. La primera, del 6 de febrero de 1913, comienza por repetir el nombre de Stella 29 veces?".

En los años 30, la señora Campbell, tras un módico intento de hacer pie en Hollywood, se retiró a vivir en París. Huyendo de la ocupación nazi, murió en Pau, pobre y olvidada, en 1940.

Ernesto Schoo
Sábado 16 de abril de 2011 - La Nación.

Reflexiones de un veterano.

2011-06-07T04:37:00.000-07:00

La columna del pasado sábado reprodujo algunas reflexiones del crítico británico Michael Billington -titular de la página de teatro del Guardian, de Manchester-, sobre el ejercicio y las responsabilidades de esta profesión. Algunos lectores me piden que, a mi vez, formule mis consideraciones personales sobre el tema, dado el más de medio siglo transcurrido desde la que considero mi primera crítica publicada, la de Facundo en la Ciudadela, de Vicente Barbieri, para La Gaceta, de Tucumán, en 1956.

En el Fausto de Goethe, Mefistófeles declara: "Gris es toda teoría, y verde y oro el árbol de la vida". Ilustres colegas pueden citar bibliografías exhaustivas; hasta podrían haberlas leído. Yo sostengo que un requisito indispensable para ejercer la crítica de teatro, más que todas las postulaciones teóricas, es el haber sido espectador asiduo. Tan sólo en los últimos tiempos, los muchos años me han obligado a disminuir esa frecuentación. Me queda el recuerdo de los mejores momentos, sin duda, que la vida me ha deparado.

Billington sostenía en la nota parcialmente transcripta el sábado pasado, que aunque sepamos que al final Nora se irá de su casa, Hamlet morirá y Godot no vendrá nunca, seguimos viendo esas obras con la misma expectativa de la primera vez. No sólo porque cada representación es distinta, sino también porque la interrogación que la obra plantea se renueva cada vez, a través del tiempo y de las generaciones.

Los dramaturgos noveles suelen pedirme que lea las obras que acaban de escribir. Les contesto que no tiene sentido; tan sólo opinaré cuando las vea en escena: entre el texto que ellos me alcanzan y su probable puesta, media un lapso durante el cual el director y los actores pueden modificar su obra hasta volverla irreconocible. Una pregunta frecuente: ¿existen normas éticas para el ejercicio de la crítica de espectáculos, aparte de las propias del periodismo? Creo que sí, y las resumo: saber que una reseña periodística no es una crítica institucional, o académica, tiene un destinatario, que es el lector, cuya preocupación primera es saber de qué se trata; no desalentar nunca los esfuerzos de quienes se inician; no incurrir nunca en la pedantería de declarar que Fulano o Zutana no deberían volver a pisar un escenario; ser siempre honesto con el lector, confesándole, incluso, las perplejidades que un espectáculo puede provocar. Porque nos equivocamos, como cualquiera, tenemos códigos subjetivos y no somos jueces, sino tan sólo espectadores, menos privilegiados de lo que suele creerse. Para mí, cada vez que se apagan las luces y se abre el telón, una aventura maravillosa me espera: tan sólo aspiro a no ser defraudado.

Ernesto Schoo
Sábado 14 de mayo de 2011 - La Nación.

El asesino es el mayordomo.

2011-06-07T04:34:00.000-07:00

En 1950, Milton Shulman, el crítico teatral del diario Evening Standard , terminó su reseña sobre una comedia policial de Agatha Christie con estas palabras fatales: "George es el asesino". La obra bajó de cartel a la semana.

Michael Billington, tal vez el crítico inglés más influyente del momento, narra esa anécdota en una nota publicada en el Guardian , de Manchester, el pasado 2 de abril, donde plantea cuánto puede revelar una reseña sobre la trama de una obra. "Soy acusado con frecuencia -dice- de estropear el placer del espectador. Uno de ellos protestó, una vez, porque conté el final de una versión de Frankenstein , la novela de Mary Shelley, que circula desde 1818? La acusación provoca fascinantes preguntas sobre la técnica de la reseña periodística y la acaso indebida importancia otorgada al suspenso narrativo".

Quien firma esta columna es fiel a un elemental principio ético de la profesión: por respeto a espectadores en potencia, nunca revelar el desenlace. A su vez, suele recibir protestas por narrar, dentro de esos límites pero con cierta extensión, el argumento. La experiencia de muchos años enseña que lo primero que pregunta el espectador en cierne es, justamente: "¿De qué se trata?" La respuesta se vuelve ardua cuando se trata de obras de vanguardia o experimentales, en cuyo caso lo aconsejable es confesarle al lector esa dificultad y relativizar al máximo el punto de vista personal. Prosigue Billington: "Cualquier obra de calidad trasciende el previo conocimiento de su trama (?) No negaré que el suspenso es parte del drama y que hay una palpable excitación al ver una obra por primera vez. Pero el suspenso opera de muchas maneras. En lugar de "¿Qué pasará ahora?", es mucho más estimulante preguntarse: "¿Cómo va a ocurrir?". Hitchcock lo sabía muy bien (véase Vértigo ) y hasta Brecht, en la famosa escena de Madre c oraje en que se anuncia de antemano que "la heroína perderá a su hija".

"Aunque sabemos que Hamlet morirá al final, que Nora abandonará su casa de muñecas y que Godot no vendrá, volvemos a ver estas obras, una y otra vez, para experimentar la visión de la vida que tiene el autor. Personajes y lenguaje son tan importantes como la trama. Vamos al teatro para encontrarnos con personas ambivalentes que parecen encarnar nuestras propias contradicciones. Y cualquier dramaturgo de primera línea, desde Shakespeare hasta Ibsen o Pinter, es, su corazón, un poeta, forjador de textos que no sólo son enriquecedores por sí mismos, sino que también son el medio perfecto para expresar sus objetivos. Tan sólo observaré que es imposible señalar virtudes y flaquezas de una obra sin apoyarse en su texto."

Ernesto Schoo
Sábado 07 de mayo de 2011 - La Nación.

Un paseo por la biblioteca.

2011-06-07T04:32:00.000-07:00

Estos señores que nos miran con severidad desde sus retratos -caudalosas pelucas hasta los hombros, mantos, condecoraciones-, encuadrados por enfáticas alegorías y leyendas en latín, son los miembros de varias academias que, en el siglo XVII -el Gran Siglo, el de Luis XIV, el Rey Sol- legislaron acerca de lo que era, sobre todo en el teatro y en la pintura, el gran arte y el arte menor. Ellos decretaron que en pintura y escultura, únicamente los temas bíblicos, mitológicos e históricos merecían aspirar a la grandeza. En teatro, sólo la tragedia era digna del interés de un público selecto.

Esta legislación absurda no impidió el florecimiento de un genio de la comedia como Molière y estimuló la producción de dos trágicos, no menos geniales, Corneille y Racine. En esos tiempos, el público adoraba las tragedias inspiradas en los grandes textos sobrevivientes de la antigüedad griega y romana; abundaban los Edipos, las Antígonas, las Hécubas y los Orestes, todos dotados de una retórica pomposa y de grandes tiradas heroicas.

Días atrás, al azar de un paseo por la biblioteca, repasé el segundo tomo de una Historia de la literatura francesa , de Émile Faguet (Plon, 1900). Me puse a hojearlo y, no sin asombro, me sumergí en un relato entretenidísimo: Faguet da sus opiniones personales, muchas veces reñidas con la tradición, acerca de autores a los que se acostumbra elogiar por simple inercia. En el capítulo VII, "El teatro de 1630 a 1660", asegura que a partir de esa primera fecha "el teatro adquiere una singular actividad. Vimos rivalizar simultáneamente a Cyrano de Bergerac, Tristan l´Hermite, La Calprenède, Scudéry, du Ryer, Rotrou y, en fin, el más grande de todos, Pierre Corneille" (Cyrano es aún hoy famoso, gracias a la pieza de Edmond Rostand, del siglo XIX). Faguet dice que el célebre narigón, espadachín y poeta, "dio al teatro La muerte de Agripina , tragedia bastante mal hecha, descuidada como construcción y conducta dramática (?). Fue una singular novedad que la tragedia filosófica, tal como la entendería Voltaire más tarde, apareciera en 1640. Cyrano tuvo al menos la gloria de la originalidad". En cuanto a Scudéry, "es el autor de una multitud de tragedias ( La muerte de César, Arminio ) que tuvieron éxito. Tenía imaginación y recursos dramáticos, y el peor gusto posible; ninguna psicología, como la mayoría de los hombres de su tiempo, y un continuo énfasis muy al gusto de la época. La Calprenède pertenecía al mismo género, aunque con algo más de sensatez. Sus tragedias y tragicomedias son novelas dialogadas".

Ernesto Schoo
Sábado 30 de abril de 2011 - La Nación.

El otro autor de La flauta mágica.

2011-06-07T04:27:00.000-07:00

Uno se asombra y se entusiasma frente a la espléndida nueva versión de La flauta mágica en el Colón. Como la mayoría de los espectadores, lee en el programa de mano, un poco distraído, que el libretista se llamaba Emanuel Schikaneder. Y punto: la música de Mozart es la triunfadora absoluta. Sin embargo, Schikaneder fue admirado por Goethe y, entre muchos otros, por el crítico Brascombe, quien lo valoraba como "uno de los más talentosos hombres de teatro de su tiempo".

Actor, autor, cantante, empresario, Schikaneder nació en un humildísimo hogar bávaro en 1751. Desde muy chico mostró pasión por el teatro: en 1773 figura ya en un elenco itinerante, del que luego sería director; en 1777 tuvo gran éxito en Munich con su interpretación de Hamlet. En una de esas giras, al pasar por Salzburgo, en 1780, traba amistad con la familia Mozart.

El emperador José II lo ve actuar en Bratislava y lo invita a trabajar en el Kärtnertortheater, en Viena.La temporada 1784-85 se inicia con El rapto en el serrallo , puesta en escena por Schikaneder, quien obtiene permiso de José II para edificar una nueva sala en los suburbios de Viena, proyecto que dormirá varios años. Reconciliado con su ex esposa (que lo había abandonado por sus infidelidades), pero tan sólo como asociados, ambos se hacen cargo del Theater auf der Wieden, famoso por sus representaciones de comedias de magia, con asombrosos efectos especiales: máquinas volantes, tormentas, llamas, cataratas? Allí se estrenará La flauta... el 30 de septiembre de 1791, con Schikaneder como el primer Papageno.

Es fama que a él se debe el encantador dúo de mutuo reconocimiento de Papageno y Papagena; habría sido él quien propuso el famoso tartamudeo, "Pa, pa, pa?", y también la marcha de los sacerdotes al comienzo del segundo acto. El éxito fue inmediato: más de cien representaciones en los primeros meses. Mozart murió poco después, el 5 de diciembre de 1791. La carrera de Schikaneder siguió acumulando triunfos y deudas, ya que sus puestas eran muy costosas. Perdió el apoyo de su mecenas, el príncipe Starhenberg, y lo reemplazó por el de un rico comerciante, Bartholomäus Zitterbath, quien le financió, en 1800, la construcción de la nueva sala garantizada por José II, el Theater an der Wien, "el más suntuoso y uno de los mayores de su época en Europa". Pero el gusto del público cambiaba, el arte de Schikaneder parecía anticuado y su fortuna se perdió en el tumulto de las guerras napoleónicas; en 1812 enloqueció y murió, olvidado, en Viena. Quien nunca lo olvidó fue Beethoven: a los 21 años, el primer empresario que le ofreció dar un concierto en su sala fue Emanuel Schikaneder.

Ernesto Schoo
Sábado 21 de mayo de 2011 - La Nación.

Recuerdos de un actor frustrado.

2011-06-07T04:23:00.000-07:00

En la Escuela Argentina Modelo, donde cursé primaria y secundaria, las fechas patrias se celebraban con representaciones de algunos hechos históricos prominentes, como la creación de la bandera, o el cabildo abierto. Yo envidiaba a los chicos elegidos para desempeñar los papeles de próceres, porque podían vestir los hermosos uniformes con charreteras, alamares y entorchados, calzar botas y lucir bicornio. Había un problema: los uniformes y, en general, las ropas de época, eran de talles muy pequeños, así que los codiciados protagónicos recaían siempre en menudos Belgranos y esmirriados San Martines, en tanto los de dimensiones más o menos normales para la edad figurábamos como pueblo, o como indios, nomás. Tal vez de entonces (y de la pasión teatral de mis padres, asiduos espectadores) me viene este gusto del teatro.

Varios lectores me piden que insista en las Reflexiones de un veterano , que anoté en la columna de dos sábados atrás. Parte de la experiencia adquirida en muchos años de profesión está vinculada a mis escasas, mínimas apariciones en un escenario. Hacia 1952 ó 54, no recuerdo bien, Héctor Bianciotti, el escritor cordobés hoy académico de Francia y en aquel entonces aspirante a actor, reclutó a un grupo de amigos para hacer teatro leído, en diversas instituciones y en casas particulares. El repertorio consistía básicamente en obras del italiano Ugo Betti, dramaturgo de moda en ese tiempo: Delito en la Isla de las cabras fue su pieza más famosa, junto con Corrupción en el Palacio de justicia .

Bianciotti resolvió actuar y dirigir Lucha hasta el alba , de Betti, en traducción propia y de Alma Bressan. Me tocó el pequeño papel de un anciano notario, para el cual debía caracterizarme con una apariencia asombrosamente parecida a la que hoy ostento, sólo que la de hoy es real. No nos iba mal de público, en un teatrito de la calle Tucumán, hasta que una querella privada entre los dueños de la sala nos obligó a bajar el telón. Un dato curioso: Bianciotti estuvo a punto de estrenar Esperando a Godot y no lo hizo por diferencias de criterio con el productor sobre la puesta en escena.

Si esa incursión me permitió asomarme a los resortes del teatro por dentro, la que me procuró mayor felicidad fue, en la antigua Cultural Inglesa, interpretar al padre de El pedido de mano , de Chejov, en inglés. Me divertí como loco: nos dirigía una señora inglesa, cuyo nombre no recuerdo, que decía haber sido dama joven de la compañía de John Gielgud. Y debía ser verdad: cuando estaba sobria, era excelente; cuando sobrepasaba la cuota de gin, llegaba a lo sublime, porque enloquecía y nosotros con ella.

Ernesto Schoo
Sábado 28 de mayo de 2011 - La Nación.

Rattigan, coreógrafo de las emociones.

2011-06-07T04:20:00.000-07:00

El día 10 de este mes se conmemorará el centenario del nacimiento de Terence Rattigan (1911-1977), uno de los más representados y celebrados dramaturgos británicos del siglo XX, quien llegó a ser, en los años cincuenta, el escritor mejor pagado del mundo, a través de su múltiple actividad como autor, adaptador y guionista, tanto de cine como de televisión, de obras propias y ajenas.

Rattigan entró en el teatro con el pie derecho, ya que su segunda obra, Francés sin lágrimas (1936), tuvo éxito desde el estreno y Hollywood la filmó en 1937. Después de la Segunda Guerra alcanzó la consagración: The Winslow Boy (1946; filmada dos veces, en 1948 y 1999); The Browning Version (1948; conocida aquí, en sus dos versiones fílmicas, 1951 y 1994, como Odio que fue amor ); El mar profundo y azul (1952) y Mesas separadas (1954). El advenimiento, en 1956, de los denominados "jóvenes iracundos" (John Osborne, Arnold Wesker) y el auge del "kitchen sink drama" (teatro del fregadero), relegaron a Rattigan -observador de la burguesía media, con su reticencia emotiva y sus convenciones- al arcón de lo obsoleto. En vez de tomarlo con calma, Terence optó por querellarse públicamente con los rebeldes y se exilió en las Bermudas.

Exilio dorado, por cierto, ya que siguió siendo un guionista y adaptador de considerable prestigio y muy solicitado. En 1960 escribió Ross , un guión sobre Lawrence de Arabia, personaje al que rendía culto y para cuya reencarnación se había contratado a Dirk Bogarde: el proyecto se canceló al saberse que David Lean comenzaba a filmar el suyo. A esa altura, a Rattigan se le diagnosticó leucemia. Durante varios años su fama estuvo ligada al cine, más que a las tablas: los films sobre sus obras de teatro, cuyos guiones escribía él mismo, en especial Mesas separadas , tuvieron considerable éxito y hasta lograron algún Oscar. En 1971, Isabel II lo consagró Sir, el cuarto dramaturgo en recibir ese honor, precedido por William Gilbert (1907), Arthur Pinero (1909) y Noel Coward (1970). Rattigan murió en Hamilton, Bermuda, de cáncer en los huesos, a la edad de 66 años.

Poco se lo ha visto entre nosotros: Francisco Petrone dirigió una versión de Mesas separadas , y actuó en ella, a comienzos de los 60, y Mecha Ortiz fue protagonista, hacia la misma época, de El mar profundo y azul . Hoy, en toda Gran Bretaña se representan sus obras más importantes y la crítica lo reconoce como "uno de los mejores dramaturgos del siglo XX, un experto coreógrafo de las emociones y un anatomista del dolor humano".

Ernesto Schoo
Sábado 04 de junio de 2011 - La Nación.

La felicidad viaja en tren.

2011-06-07T04:13:00.000-07:00

Por Angélica Gorodischer Escritora

¿Usted sabe cuál es el medio de transporte más usado en el mundo? No, no es el avión. Es el ascensor. ¿Y sabe cuál es el medio más seguro? No, no es el ascensor. Es el tren. Además es maravilloso, magnífico, amigable, protector, cómodo y sedante.

No hay como el tren para conocer el mundo. A mí me gustaría, de veras, poder ir de Rosario a París en tren. En un camarote en el que dormir plácidamente todas las noches acunada por el runrún de las ruedas contra las olas del proceloso océano; con un vagón comedor en el que tomar los desayunos mientras veo ballenas y peces espada y hasta mojarritas danzando en la espuma que levantan las ruedas. Aaaah, qué bueno. Ya sé que no se puede, qué mala suerte.

Todo esto me viene de aquellos tiempos en los que llegábamos a Sunchales y buscábamos nuestro lugar en el tren. Un camarero de saco blanco ponía una escalerita, tres sencillos escalones de hierro fundido pintado de negro para que pudiéramos subir por el estribo, entrar al recinto alfombrado y sentarnos, expectantes, a oír los ruidos y las voces, a oler el aroma a humo y metal que se colaba por las ventanillas. ¡Y allá vamos! Felices, las caras contra el vidrio mirando el verde del campo, el azul de algún riachuelo y lejos muy lejos la sombra de la montaña. El paraíso tucutún tun tún las ruedas contra los rieles. El café con leche en grandes tazas blancas. La sopa servida desde una sopera de plata en platos también blancos. El postre a elección. Y así un día entero, dos, aunque no fuera sobre las olas.

Clarin, 5 junio 2011. Viajes y Turismo

Música y libertades en el Báltico.

2011-06-07T04:08:00.000-07:00

Por Daniel “pipi” Piazzolla - Músico

Conocí la ciudad de Tallin, capital de Estonia, en febrero del 2003. Viajé invitado a tocar con el Nordic Souds, un ensamble liderado por el saxofonista Villu Veski y el acordeonista Tiit Kalluste, ambos de Estonia.

Como no tenía visa –pequeño detalle olvidado– tuve que ir primero a Helsinki. La capital finlandesa queda enfrente a Tallin, ambas al borde del mar Báltico y separadas por escasos 80 kilómetros que se atraviesan en barco. En esta ocasión, otro pequeño detalle –esta vez inolvidable– distinguió la travesía: hacía 30 grados bajo cero y el mar estaba congelado. El barco, un ineludible rompehielos, demoró ocho horas para hacer el breve y gélido trayecto.

Fue fantástico llegar a Tallin; es una ciudad medieval preciosa. El casco histórico y los alrededores de la plaza del Ayuntamiento están intactos. Hay castillos y murallas con torres terminadas en pico, callecitas angostas y empedradas, arcadas ojivales; iglesias góticas de afiladas puntas y otras con vistosas las cúpulas acebolladas de estilo ruso. Más allá del centro medieval, están el moderno distrito financiero, el puerto y el barrio ruso, de adustos monobloques de la era soviética.

Estonia ostenta la tradición de una gran cultura musical y coral, hay excelentes escuelas y realizan festivales importantes. En este viaje –que sería el primero de otros siete– di una clínica de batería en el Conservatorio de la ciudad e hicimos dos conciertos a sala llena que fueron transmitidos por radio y TV. Yo imaginé que el público iba a ser distante, tan frío como el clima, pero no; después del primer tema aplaudían y zapateaban los pisos de madera, no lo podía creer. ¡Estaban encendidos! En otro viaje, hicimos una gira por varias ciudades pequeñas, con mucho público joven y, una noche, tocamos al aire libre en un auditorio delante de las ruinas de un castillo y, desde una montaña al fondo, enormes bolas de fuego rodaban hacia abajo. Grabamos en vivo el disco “Nordic Sound Meets” en el Concert Hall, una suerte de Teatro Colón de Estonia. Fue maravilloso.

El brevísimo día de luz en invierno me resultó tremendo, pero descubrí –en otro viaje– que no tanto como la permanente luminosidad del verano, sin noche y casi sin penumbra, en una ciudad que no tiene persianas ni cortinas porque, para ellos, el sol y los 25º de temperatura máxima, son una bendición. Como una paradoja, la mayoría de los bares y restaurantes de Tallin, donde todos beben miles de litros de vodka y cerveza como si fuera agua, son completamente oscuros aún en pleno día y están iluminados por tenues velas.

Un músico me invitó a su casa, en la playa nevada. El sauna –muy frecuente allí– lo comparten en común hombres y mujeres, completamente desnudos, con absoluta naturalidad nórdica. Cuando alguien me sugirió que me quitara –porque me iba a quemar– la cadenita con un diente de tiburón que colgaba de mi cuello y se había convertido en mi talismán y único atuendo, se neutralizaron mis últimos pudores argentinos.

Al rato de estar charlando en medio de un vapor ardiente que poco aliviaban las cervezas heladas que bebíamos, todos salieron corriendo a revolcarse en la nieve. Los seguí y casi me muero; recién con varias repeticiones de esta secuencia, pude disfrutar de una sensación divina, inolvidable

Clarin, 5 junio 2011. Viajes y Turismo.

Un festín en Toulouse gracias a Martín Palermo.

2011-06-07T04:04:00.000-07:00

Por Patricia Zangaro - Dramaturga, autora de “Africa… un continente”

El año pasado, durante un viaje por el sur de Francia, nos detuvimos en Toulouse, donde nos esperaba Bertrand, un abogado con un paladar particularmente sensible a los frutos de mar. Después de un paseo a orillas de la Garonne, del recorrido por sus callejuelas y tesoros medievales y de la ineludible visita a la casa natal de Gardel, anclamos en el restaurante de pescado más pintoresco de la Ciudad Rosa. Bertrand le pidió al mozo que nos brindara la mejor atención, ya que veníamos especialmente de la Argentina para degustar sus delicias. Cuando el hombre apareció con el primer plato de ostras, se atrevió a preguntarnos si era posible que un ayudante de cocina se acercara a saludarnos. “Es que siente devoción por los argentinos”, explicó. Pronto asomó un muchachote con el pelo teñido de un dorado que resultaba conocido. Nos tendió una mano temblorosa, y quiso saber de qué rincón de la Argentina proveníamos. Bastó que yo dijera: “De La Boca” para que sus ojos ardieran de fanatismo. “Vous connaissez La Bombonera?”, tronó en medio del salón. Sin medir el efecto de mi respuesta, le conté que vivo a pasos de la cancha, y que cuando hay partido adivino los goles por el rugido de la hinchada. Se arrojó a mis pies, me besó las manos y balbuceó: “Palermo.” Ante la mirada atónita de la clientela, se incorporó proclamando: “Palermo est Dieu”. Y para que no quedaran dudas de la divinidad del goleador, relató sus hazañas con la precisión de un erudito. Antes de volver a la cocina, anunció que prepararía para mí el mejor pescado de Toulouse. Y así fue. ¡Merci beaucoup Palermo!

Clarin, 5 junio 2011. Viajes y Turismo

JULIA agenda

2011-05-22T06:52:00.000-07:00

Cuando digo la palabra Arizona, la mayor parte de la gente piensa en Arizona, Estados Unidos.
Y sin embargo Arizona, al menos mí Arizona, esta mas cerca.

ARIZONA

2011-05-20T09:53:00.000-07:00

Julia. Amalia. Laurent. Lourdes. Kurt. El uruguayo. Pedro. Y el hombre solitario de enfrente, es el niño con disfraz de payaso que hoy contempla una pintura del Taj Mahal. Tal vez se llame André, como el muchacho que lo visita cada tanto. No lo sé. Quizás sus padres no tenían pensado un nombre para él antes de nacer y simplemente lo llamaron Federico.

La trama de las miradas.

2011-04-09T02:53:00.000-07:00

El actor dice su parlamento mientras mira fijamente a su antagonista; éste le responde sin desviar los ojos. Un tercero, que asiste a la discusión, tan sólo puede expresar su sentimiento mirando alternativamente a uno y otro. Más que las palabras -aunque éstas sean de un autor ilustre-, al espectador lo impresiona el intercambio expresivo de las miradas. Así como Romeo se pregunta "¿Qué hay en un nombre?", bien podríamos preguntarnos "¿Qué hay en una mirada?". La respuesta es ya una verdad de Perogrullo: "Los ojos son el espejo del alma".

Y si en la vida cotidiana ese axioma es una realidad de la que a menudo dependen decisiones trascendentales (los ojos de quien nos ama o nos detesta, nos engaña o nos favorece), para un actor resulta más que veraz: es el hilo conductor del que depende en gran medida la eficacia de su prestación. Tanto, o más, que el famoso "pie" -el final de frase- que un actor transmite al otro para encadenar los parlamentos sucesivos, es el encuentro de las miradas el que determina ese pase conceptual. Son numerosas las anécdotas en que la hostilidad entre colegas se manifiesta en un perverso esquivar de la mirada indispensable no sólo para la continuidad del texto sino, sobre todo, para asegurarle al otro la confianza en su propio juego.

Hasta que los renovadores del teatro, desde fines del siglo XIX, comenzaron a exigir de sus intérpretes menor énfasis en la mímica y mayor hondura expresiva, era común que actores mediocres, afanosos de seducir al público, exagerasen hasta la caricatura el juego de las miradas. En especial, en los forzados "apartes", esas desviaciones de la trama central (insólitas, dado el pretendido realismo de las puestas de entonces) en las que el actor enfrentando directamente a los espectadores, conjeturaba lo que iba a pasar, o revelaba sus intenciones. En la extrema decadencia del sainete porteño, a fines de los años 20, esos apartes multiplicaban guiños cómplices a la audiencia, con ojos dilatados hasta sugerir, más que la risa, el espanto.

Ni qué decir lo que ocurría en aquellos dramones sobre temas tabú en la época, como la locura, o la sífilis. No era necesario asistir al grand-guignol, donde se daba por sentado que uno iba para asustarse. Basta ver las fotografías de los intérpretes trágicos de entonces, y entender lo que se consideraba necesario a fin de conmover. El recurso no ha muerto: todavía se lo ejerce, sobre todo en el terreno cómico, con excelente resultado en boletería.

Ernesto Schoo
Sábado 09 de abril de 2011 -La Nación.

Promesas cumplidas en la cima de la montaña

2011-04-03T05:14:00.000-07:00

Por Carolina Guareschi Directora y actriz de “Despedida”.

Era un día de sol divino, estaba sola en Barcelona y decidí pasar la tarde en Montserrat. Se trata de un pueblo cercano, cuyos mayores distintivos son una montaña y una iglesia de la Virgen que llaman la Morenata. Llegué hasta la cima en un funicular –es imposible subir de otra forma–, escuchando historias acerca de la montaña y cómo había cobijado anarquistas en tiempos de la Guerra Civil Española. Como la montaña escondía muchos recovecos, no era difícil imaginar que guardaba muchos secretos. Me acuerdo que los caminos eran de piedra y la iglesia era bastante grande: la gente cantaba y formaba una fila larguísima, camino al altar, mientras esperaban ver a la Virgen. La verdad es que yo no pensaba quedarme tanto tiempo, por lo que empecé a deambular por la iglesia. Entonces, encontré una habitación llena de regalos para la Virgen: vestidos de novia, bebés de plástico, trajes, toda clase de objetos que llamaron mi atención. Alguien me explicó que cuando se le hace una promesa a la Morenata, hay que llevarle algo como prueba de que cumplió. Además, “ella te llama y te hace volver para que la veas”, me comentaron, y me hizo mucha gracia. Todavía no sé por qué motivo, pero en mi última vuelta por la iglesia, decidí prenderle una vela a la Morenata. En ese momento vi un montón de velas sobre unas escaleritas y subí. Extrañamente, todos iban en la dirección contraria. ¡Sin querer me había colado! Y ella estaba ahí: chiquita, morena, en un altar rodeado de velas. Sonreí: la Virgen no me había dejado ir sin pasar a verla primero.

Viajes y turismo - Clarin - 03/4/11

Una visita a Gordon Craig nonagenario.

2011-04-02T04:34:00.000-07:00

Un amigo generoso me regala un ejemplar de Esqueletos divinos , un libro de Patricio Gannon, editado por Losada en 1971, en la colección Cristal del Tiempo. Gannon (1901-1977) fue un erudito conocedor de la poesía inglesa, excelente traductor de ella al español, asiduo colaborador del antiguo suplemento dominical de este diario. Esqueletos divinos (raro título, derivado de unas líneas de T. S. Eliot) recopila entrevistas del autor, durante sus viajes a Europa, con ilustres personalidades de la cultura en el siglo XX; cuando éstas han muerto, concurre a las muestras evocativas, visita sus casas, interroga a quienes las conocieron.

Especial interés tiene para los amantes del teatro la visita que Gannon le hace a Gordon Craig en Niza, donde el insigne renovador de la escena pasa unos días, a los 91 años de edad, con una de sus hijas. Craig (1872-1966) era hijo natural del arquitecto inglés Edward Godwin y de la gran actriz Ellen Terry (tía, además, de John Gielgud). Tras recorrer la imponente muestra en su homenaje, montada en Venecia, Gannon decide visitar al anciano en su retiro de Saint-Paul de Vence, en el sur de Francia. No tiene la precaución de concertar previamente la entrevista y, al no encontrarlo en su casa, lo rastrea por la Costa Azul hasta localizarlo en Niza.

"Allí estaba Craig, sentado a una mesa de un café. Con su melena blanca, su buen mentón, su nariz aguileña; un tipo muy racé , que resultaba inconfundible entre la clientela anodina que poblaba el recinto." Casi por completo sordo, Craig confunde a Gannon con un irlandés (no entiende que sea un argentino de origen inglés), y recuerda sus comienzos en el Abbey Theatre de Dublín, donde debutó como escenógrafo y director de escena con la ópera Acis y Galatea , de Haendel, y Los vikingos , de Ibsen. En pleno apogeo de montajes realistas, Craig prefirió la austeridad simbólica, con el uso de la luz y de lo que él llama "un laboratorio arquitectónico": un repertorio de formas corpóreas, prismas, cubos, escaleras, y sus famosos screens , grandes pantallas móviles, traslúcidas, que al superponerse creaban diferentes atmósferas. Acaso la propuesta más polémica de Craig haya sido su teoría del actor como "supermarioneta": "Sólo hay un actor, una criatura que posee el alma del poeta dramático y quien siempre ha servido como el leal y auténtico intérprete del poeta: la marioneta". Meyerhold y Oskar Schlemmer harían también suya esta noción singular.

Ernesto Schoo
Sábado 02 de abril de 2011 - La Nación.

Sin nafta en medio de la selva cubana.

2011-03-29T03:41:00.000-07:00

En unas vacaciones fui a recorrer Cuba. Y cuando estaba parando en Trinidad, decidí viajar desde allí hasta Santa Clara, ciudad clave en el triunfo de la Revolución y resguardo del mausoleo y museo del Che Guevara. El problema era que no encontraba la forma de trasladarme en ese momento. Entonces alquilé una pequeña moto, tipo scooter con la idea de ir y volver en el mismo día. El trayecto por la autopista era de unos 200 kilómetros, pero por la montaña el recorrido se reducía a poco menos de 100 kilómetros (claro que esta última travesía era un poco más osada). No lo dudé y me incliné por la opción más segura: llené el tanque y, con el único objetivo de seguir siempre el asfalto, emprendí mi aventura. No había previsto, sin embargo, que la ruta sería tan sinuosa, empinada y que estaría tan deteriorada en algunos tramos... De todas formas, llegué sano y salvo y disfruté muchísimo de mi visita a Santa Clara.

Contento y más confiado, volví a llenar el tanque para el regreso y, como empezaba a caer el sol, me hice amigo del acelerador. Me faltaban pocos kilómetros para llegar y la última gran pendiente para trepar, cuando la moto se quedó sin nafta. Estaba solo en una noche cerrada, en una ruta desierta y... ¡en el medio de la selva cubana! No sabía qué hacer. Entonces, de la nada, apareció un guajiro (campesino cubano) a caballo, enlazó mi moto y me arrastró hasta la punta más alta del camino. “Desde aquí te lanzas y con el envión llegás a una cafetería para pedir ayuda”, me indicó. Y eso hice. Volví a ciegas, ya que al no tener nafta ¡tampoco tenía luces ni frenos!

Por Lalo Lanusse, Director y dramaturgo
Clarin 27 marzo 2011

Malabares con huevos de mariposa.

2011-03-29T03:34:00.000-07:00

"Sospecho que, dado nuestro temperamento, los ingleses estamos más cerca del drama ruso, o alemán, que del francés." Así comienza Michael Billington, el titular de la crítica teatral del Guardian, de Manchester, su columna en la edición del lunes 21 de este mes. Analiza allí las razones de ese distanciamiento, empezando por las traducciones, si bien reconoce que, en los últimos años, han mejorado. Consigna también que, para el espectador promedio británico, el teatro francés se reduce, o bien al vodevil, o a largos parlamentos filosóficos, además de las tragedias clásicas, Corneille o Racine, que a menudo son interpretadas en forma retórica y aparatosa.

Recomienda Billington tomar en cuenta a por lo menos cinco autores franceses de distintas épocas, empezando por Molière (1622-1673), de quien dice: "Hay algo en su mezcla de comedia y tragedia que a los ingleses se nos escapa todavía. Hacemos Tartufo y El misántropo , pero olvidamos La escuela de los maridos , o La escuela de las mujeres . Nunca hemos visto una puesta británica de Georges Dandin. Buscamos sólo diversión en Molière, cuando la mayoría de sus obras son, a la par de divertidas, socialmente subversivas".

* * *
Sigue en la lista Pierre Marivaux (1688-1763), de cuyo teatro dijo Voltaire: "Es como hacer malabares con huevos de mariposa sobre una red de telas de araña". Para Billington, sus obras "exploran la metafísica del corazón y la relación entre la clase social y la pasión, como en La doble inconstancia , o El juego del amor y del azar . La máscara de las apariencias cae, y amos y criados intercambian papeles con sorprendente naturalidad. Es un maestro de la comicidad".

* * *
Eugène Labiche (1815-1888) es el tercer recomendado: "Feydeau le hace sombra, pero algunas de sus 175 obras valen la pena de revisarlas, entre ellas, Un sombrero de paja de Italia" (escrita en colaboración con Marc Michel). De Jean-Paul Sartre aconseja reponer Huis-Clos, Las manos sucias (de rigurosa actualidad) y Las moscas .

El último es Jean Anouilh (1910-1987), quien "parece eclipsado, tras su apogeo en la posguerra, pero sus obras más oscuras merecen ser recordadas". Por nuestra parte, anotemos que un gran éxito del teatro inglés en los años 60 fue La invitación al castillo , de Anouilh, en la versión de Terence Rattigan, titulada Ring Round the Moon .

Si bien faltan Giraudoux y Montherlant, entre otros autores importantes, el recordatorio es oportuno. Anotemos, de paso, que todos esos dramaturgos -quizá con excepción de Marivaux, poco conocido aquí- han sido y son representados con frecuencia en la Argentina, algunos de ellos con éxitos legendarios, como Orquesta de señoritas , de Anouilh, en varias versiones y en distintas temporadas.

Por Ernesto Schoo
Sábado 26 de marzo de 2011 - La Nación.

La primera piel del personaje.

2011-03-20T04:54:00.000-07:00

El pasado 5 de febrero esta columna evocó a Harold Pinter a raíz de un programa dedicado por Film & Arts al dramaturgo inglés, al cabo del cual se vio una magnífica versión de su última obra, Celebration. El martes de esta semana, por el mismo canal, asistí a otra visión de la misma pieza, esta vez en catalán, en una producción del Teatre Lliure, de Barcelona. Este programa -uno de los siempre excelentes documentales de Televisión Española- no trataba específicamente de Celebration, sino de cómo vestirla; el tema era la importancia del vestuario en una puesta en escena.

La mayoría del público suele no reparar en la ropa que llevan los actores, salvo en el caso de una diva famosa que ostente una colección de modelos espectaculares. Se da por sentado que el vestuario corresponde a lo requerido por el personaje: su época, su condición social, su manera de ser, su edad, su carácter. Hasta es posible destacar la bondad o la maldad de cada cual por su vestimenta: la vampiresa será identificada por su perverso ropaje, así como la madre abnegada por el suyo.

Se ignora, en general, cuánta cultura, cuánta destreza artesanal y cuánta sensibilidad artística se necesita para vestir adecuadamente un espectáculo. Y no es más fácil diseñar ropa para una pieza contemporánea que para una de época. Porque, además de concordar con la índole de su papel, el actor debe sentirse cómodo con su ropa, que ésta le permita moverse sin trabas y que no parezca que acaba de estrenarla.

Capítulo aparte merece el vestuario para ballet, quizás el más engorroso de todos. Ha de ser liviano, reducido a lo esencial, resistente al maltrato y, sobre todo, al inevitable sudor que empapa a los bailarines. Por eso, de cada traje de ballet, hasta el de los partiquinos, se hacen dos o tres réplicas: el que acaba de usarse es mandado al lavadero y reemplazado por otro igual, a veces con sólo pasar de un acto a otro. Lo mismo vale para la ópera, que exige a menudo un vestuario suntuoso y recargado. La experiencia enseña que telas modestas, teñidas y bajo las luces, adquieren el aspecto lujoso de terciopelos y rasos auténticos. Uno de los conductores del programa de TVE lo cerró así: "El vestuario es la segunda piel del actor". Yo agregaría "Y es la primera piel del personaje": los actores aseguran que no terminan de incorporar definitivamente el papel que les toca representar hasta que no se ven en el espejo, maquillados y vestidos, minutos antes de entrar a escena.

Opinión teatro
La primera piel del personaje
Ernesto Schoo
Sábado 19 de marzo de 2011 /La Nación

Un inglés concurre al teatro chino

2011-03-06T07:08:00.000-08:00

El inglés Harold Acton (nacido y muerto en Florencia, 1904-1994) se definía a sí mismo como esteta, además de millonario, y en sus Memorias de un esteta (Pre-Textos, Valencia, 2010) refiere su experiencia como espectador del teatro chino. Acton vivió muchos años en la China y se asimiló de tal modo a la cultura de ese país que llegó a ser considerado casi nativo: escribía y pintaba a la manera tradicional china, y tradujo muchos textos valiosos al inglés.

"Los aficionados pekineses -escribe Acton- se interesan sobre todo en los aspectos vocales de la obra: se acercan a los escenarios para disfrutar de las prolongadas y difíciles fugas en falsete (?) La trama, que siempre resalta alguna recta enseñanza moral, es un aliciente secundario, y años tras año se escenifican las mismas producciones en unas salas repletas de una audiencia tan crítica como la que asiste a la ópera en Italia. En cuanto a mí, lo primero que me llamó la atención fueron los elementos que la emparentaban con la Commedia dell´arte y las tablas isabelinas."

Más adelante presenta al Kunqu, "el drama erudito y literario que encuentra su origen en Kunshan, provincia de Jiangsu, a principios del siglo XVI, y que se caracteriza por el acompañamiento de flauta y las reposadas melodías en tono menor, la presencia de un buen número de pasajes amorosos idílicos, intensamente sensuales, y una refinada coreografía. Cada pose de los actores venía a ilustrar un verso". El elenco que representaba este género de teatro, que ya no gozaba del favor del público, asumía con dignidad, dice Acton, su decadencia. Conmovido, los invitaba a hacer representaciones en su casa: "Terminamos por conocer personalmente a los comediantes e invitamos a toda la compañía de Han Shih-chang a nuestra casa, fotografiándoles en muchos papeles distintos, aunque para cada uno de ellos tenían que cambiarse de indumentaria y afeites, proceso laborioso ya que los rostros de algunos personajes debían exhibir unas combinaciones simbólicas estandarizadas: el blanco indicaba perfidia, el negro una brusca honestidad, el rojo lealtad y coraje, el azul fiereza, el verde desgobierno, el amarillo fuerza y secreta astucia (?). Las pinturas faciales de estos ejecutantes constituían un arte en sí mismas y transformaban por completo a los artistas. Una vez en el escenario, Han Shih-chang, un hombrecillo rechoncho de unos cuarenta años, quedaba metamorfoseado en la más grácil de las ninfas: conseguía el más extraordinario triunfo del arte sobre la naturaleza".

Ernesto Schoo
Sábado 05 de marzo de 2011
La Nacion

Escenografía y arquitectura son hermanas.

2011-02-27T03:16:00.000-08:00

En el verano de 1964, en vísperas del estreno de El reñidero , de Sergio de Cecco, la revista Primera Plana me confió una nota previa. La obra se estrenaría, dirigida por Santangelo y protagonizada por Sergio Renán, en el teatro al aire libre del Jardín Botánico, dependiente de la entonces Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. A cargo de los teatros de verano estaba la Dirección de Festejos y Ornamentaciones, cuyo titular era el arquitecto Guillermo Linares, junto con quien trabajaba su colega, el escenógrafo Luis Diego Pedreira. Cuando entrevisté a Pedreira en su estudio, lo encontré trazando innumerables líneas sobre una planta de la escenografía de El reñidero . Me explicó: "Trato de asegurarme de que cada espectador, no importa qué localidad ocupe, tenga una visión total del escenario". Tal vez porque ese decorado representaba el patio de una casa porteña en 1890, pude por primera vez entender hasta qué punto la labor del escenógrafo y la del arquitecto están emparentadas; más aún, hermanadas.

Hace poco, leyendo un libro de Sacheverel Sitwell sobre arquitectos y artesanos británicos entre los siglos XVI y XVIII, esa noción se me amplió notablemente. No sólo Iñigo Jones diseñó el famoso Salón de Banquetes, única parte concluida del palacio de Whitehall, en Londres (techo pintado por Rubens; en su terraza fue decapitado el rey Carlos I), y la Casa de la Reina, en Greenwich, sino que fue el diseñador de decorados y vestuarios para las "mascaradas" con que se entretenían Jacobo I y su mujer, Ana de Dinamarca, cuyos libretos escribía habitualmente Ben Jonson. Hasta el austero sir Christopher Wren, autor de la catedral londinense de San Pablo, no desdeñaba realizar escenografías para el teatro y la ópera, lo mismo que, a fines del siglo XVIII, su colega Robert Adams, a quien se debe uno de los más elegantes y refinados estilos ingleses de decoración. Y Richard Sheridan, autor de la inmortal Escuela del escándalo (verdadero antecedente de Oscar Wilde), fue originalmente arquitecto y pintor de telones. Del otro lado de La Mancha, el italiano Servandoni llevó por primera vez de su patria a París las escenografías corpóreas, en tiempos de Luis XV; es también el autor de la monumental iglesia de Saint-Sulpice. Y no olvidemos que en el siglo XIX, Luis II de Baviera confió el diseño de sus palacios de fantasía a los escenógrafos del teatro real de Munich.

En nuestro medio, después de Pedreira y otro gran maestro, Gastón Breyer, ambos fallecidos, trabajan como escenógrafos varios arquitectos de calificada actividad: Tito Egurza, Alberto Negrín, Emilio Basaldúa, entre otros continuadores de una significativa tradición.

Por Ernesto Schoo
Sábado 26 de febrero de 2011
Diario La Nación

Texto teatral: ARIZONA

2011-02-13T05:25:00.000-08:00

MONOLOGO ARIZONA – CLAUDIO LENTZ

JULIA

“Volverán las oscuras golondrinas en tu balcón sus nidos a colgar, y otra vez con el ala a sus cristales, jugando llamarán; pero aquellas que el vuelo refrenaban tu hermosura y mi dicha al contemplar; aquellas que aprendieron nuestros nombres, esas... ¡no volverán!”

“A 320 metros sobre el nivel del mar...” Esto va ser una travesía puntana... en auto ¡imposible!

Podríamos ir por la ruta 55, si mí primo viniera o tomar el tren.
Ferrocarril Sarmiento, ramal Celeufú, Ingeniero Foster, Arizona...

Lo prometió y ahora se hecha para atrás. No me dejaran ir sola, era con él.

Ya sé que mi primo tiene menos palabras que un telegrama.

¡Amalia!... ¡Amalia!... no me llames niña Julia, tengo 23 años… y detesto las diferencias sociales, somos Amalia y Julia.

¿Cuánto hace que no vas a San Luis?

Yo tampoco nunca fui a San Luis.
Bueno desde ahora, tenes una parienta en Arizona, San Luis, una tía muy viejita que está sola y muy enferma... A veces pasa… aparecen parientes.
Te envió una carta pidiendo que vayas. Esta muy pero muy enferma y vas a viajar, entonces yo te acompaño.

Yo hablo con mis padres...

Vos solamente pone cara de muy triste... será por unos días nada más... dale... no lo harías por tu niña Julia...
En tren Amalia, en tren.
¿En auto? son más de 1.000 kilómetros, dos mujeres solas en auto no es buena idea.
Tantos libros y poco de Arizona…

“El niño solo, disfrazado de payaso, espera en el baño del club de barrio, cuando la puerta se abre, la luz del club y el baile de carnaval se esconden. El niño corre y se oculta. Dentro de su cuerpo miles de abejas que danzan al ritmo, cada vez más intenso, del tambor interior de sus sentimientos. De un ojo le cae una lágrima, del otro una sonrisa. En la oscuridad, alguien seca la lagrima que recorre uno de sus zapatos, con polvo de tierra, formando una acequia la cual borra con el dedo, luego besa la mejilla de la sonrisa del pequeño payaso. Alguien se va. Las abejas desaparecieron junto a los tambores, el baile de carnaval comenzó y el niño sigue solo”

¡Por Dios! Laurent.
Avisa cuando entras... toca... me tamborea el alma.
Ya termino con estos libros, este acá... acá... Y acá... conozco esa mirada... lo tengo decidido. Amalia... dos té... mejor tres... para vos Amalia... para vos y nosotras.
Listo y este acá.
Conmigo en Buenos Aires Federico estaría seguro. No entiendo. ¿Por qué acepto?
Un tipo tan lindo para conocer y compartir.
Un día me dijo: Vos y yo somos un error de la naturaleza. La naturaleza es sabia y nunca se equivoca.
Yo le respondí: Federico. No la desafíes. La invisibilidad es la cruz con la que algunas personas deben cargar
¿Por qué me dejó a un costado de su vida?
No puede avanzar más y sé que no es culpa mía.
Nunca lo sentí así.
Pero ver como su inteligencia le juega en contra.
Teniendo todo para ser un tipo feliz.
¿Vos crees que logre entenderme?

No creo que vos, querida amiga, me entiendas muy bien.
Ni siquiera un llamado, lo tenía todo bien guardado.
El triangulo perfecto una luna y dos soles.
¿Hoy pensará en mí? ¿Y que le pasará cuando soy una imagen en su mente?
Dentro de él sentirá mil abejas que danzan al ritmo, cada vez más intenso, del tamboreo interior de sus sentimientos.
Amiga... nunca estuviste enamorada.
El corazón necesita una explicación del ¿por qué? Del desamor.
A Federico lo invadieron sus dioses y monstruos, está inmovilizado.
No tuvimos tiempo de hablar sobre el aquí y ahora de nuestras vidas.
Tal vez soy muy frontal y eso le moleste o tal vez ya no me quiere ni como amiga y ni como amante. Soy una luna que no lo comparte con su otro sol.
Él quiere guardar el hombre que está lejos de ser él mismo.
No es un tipo más del montón
... un tipo del montón... que en la intimidad le gusta ser sol y luna... una sensibilidad única que yo conocí con Federico... una dualidad más allá de la piel y los esquemas pautados…
Por está sociedad.
Yo siempre seré una luna en busca de un sol...

Nunca creí la excusa del traslado. Nunca quiso ser un medico rural.
Me digo que sabe lo que es estar golpeado y que no quería golpear a nadie.
No puedo curar sus golpes... pero si aprender de ellos.
Tampoco seré quien reciba los golpes de su vida.
Nadie tiene ese derecho sobre mí.
El quiere un hijo.
Yo lo quiero a él…“Federico nunca te daría un hijo” No nací para ser madre.

Dios es muy bueno con las mujeres que no han tenido hijos... Parirlos, después criarlos, después educarlos... ¡Por más de veinte años están perdidas!
Dios es muy bueno conmigo.
Las mujeres tenemos libre albedrío para elegir ser: madres o amantes.

¿Las esposas? Son mujeres indecisas.

Amalia una vez me dijo algo así como: En la virginidad somos una lágrima; en la juventud, una risita, luego nos casamos y somos un gesto y más tarde apenas un suspiro.
En eso se convirtieron nuestras madres esposas y vos estás en camino a ser un suspiro mi querida Laurent, no te avergüences alguien tiene que parir.

No lo odio.
Siento que odiar es regalarle parte de tu vida a alguien. Que tal vez no valga la pena.
¡No puedo perdonarle que se case con ella!

La vejez es el premio más acaudalado, divino, que el tiempo puede darnos.
El paso del tiempo es inevitable y solo queda atrapado en una fotografía y te enseña que todo se puede perdonar en la vida.
Fuimos tres mujeres con pañuelos en la cabeza.
El viento... anteojos para el sol... un descapotable... en aquellos años... eso si era una travesía.
Tan largo viaje.
No tan veloz como Oscar Gálvez... ¡su viaje desde Lima a Buenos Aires a 100 kilómetros por hora!
Un record inalcanzable en aquello años.
¡60 años!
Gálvez estaba en todos los diarios.
Hasta el casamiento de Federico estaba anunciado en los diarios.
Su familia no perdió el tiempo. No se perderían esa oportunidad, se gastaron sus buenos pesos. Salir en los sociales de La Prensa no era barato.

¿Nuestra foto?
Hubieran cerrado cualquier diario de haberse publicado.
Fue una fotografía golondrina, premiada años después en el centro Pompidou de Paris.
Antes de la foto motivo de su visita y de esta entrevista usted me pregunto por Amalia.
Ella llegó desde muy joven a mi casa cuando yo nací, fue mi niñera, mí gran amiga, obediente, cumplidora y una fuente hermética que guardo todos los secretos y deseos de está familia y de las familias amigas.
Jamás supe si antes de la travesía tuvo un amor, jamás me hablo de su corazón, aquel viaje fue para ella la revelación de su vida, se jugo entera.
Me entrego su corazón.
Cuando una mujer entrega el corazón a otra, imagínese quien se atreve a interrumpir un vuelo de golondrinas en pleno verano.
Tres golondrinas.
Teníamos el mapa perfectamente marcado. Y no hicimos otra cosa que recorrer nuestro propio mapa de vida.
Federico era el objetivo.
Pero la meta no termino siendo él.
Sino, tal vez, esa foto que desnudo nuestra decisión.
Una meta que nos sorprendió y cambio algo en nuestras vidas.

Lo que más amo son mis plantas en el balcón, hay tres que están necesitando agua o tal vez una caricia y el susurro de una melodía.
Venga. ¿Le gustan las flores?

¿Ve el piso del frente?
Ese… con amplios balcones terrazas… y pocas flores.
Vive un hombre solo.
Una señora viene de día para los quehaceres domésticos.
También de vez en cuando viene un muchacho quizás sea su hijo, sobrino, vaya una a saber.
Nunca cierran las ventanas y cuando corren las cortinas se lo puede ver a él contemplado una pintura del Taj Mahal.
Al final se quedo solo como el emperador Shah Jahan o como yo.
Me imagino yendo a tocar a su puerta y saber que fue de su vida.
Algún día voy a tomar esa decisión.
Cuando la hoja de una planta tiene unas machitas blancas eso quiere decir que ya tiene suficiente agua.

¿Le sirvo el té?
La buena de Amalia me enseño el secreto del buen té.
Hoy me lo preparo sola.
Tengo la mínima comodidad a mano, la cocina, el baño y esta habitación.
Mi casa de San Isidro era enorme, el jardín, la barranca, el río.
Hasta tenía un cuarto para llorar, ubicado en el descanso de la escalera que conducía al altillo. Desde niños nos acostumbraban a ese cuarto.

¿Dulce o amargo?
Cuando supe que se casaba con Lourdes me sentí morir.
Pensar que todos creían que Federico y yo nos íbamos a casar.
¿Alguna vez sintió morirse?
Es llorar en silencio, interiormente, en soledad sin que nadie se entere de lo que sucede.
Ocultar la angustia que nadie vea que está muriéndose.
Para eso estaba el cuarto de llorar.
En mi familia no se lloraba delante de nadie.
Solo a los muertos... a solas y en silencio.
Uno no debería nacer para tener esos sentimientos, uno debería nacer y ser feliz para siempre.

No tengo edulcorante.
Saboree el verdadero té de Amalia.

Amalia, sigues preparando el mejor té.
Me queda saber bien el horario del tren.
Laurent, mí querida. Ya te dije iré con Amalia.

¡De verdad! No puedo creerte ¿segura?
Amalia escucha esto: Laurent quiere venir con nosotras.
Le decimos a mi primo que nos preste el auto. Yo algo de manejar entiendo.
Tranquila nada nos va a pasar. No será un error, además nunca repito errores.
Habiendo tantos errores nuevos por cometer...

Y Federico se casó con Lourdes.
Ella esperaba un hijo al que llamaron André, hermoso nombre, a Federico siempre le gusto, por el pintor André Maire.
¿Por qué será que siempre se espera que el primer hijo sea varón?
Mi padre esperaba un varón, Julio. Pero nací yo y me pusieron Julia, ni siquiera tenía pensado un nombre de mujer.

Lourdes estaba embarazada de un descamisado.
Necesitaba un marido y un padre para el hijo. Escapar de Buenos Aires.
Ni siquiera tenia que acostarse con ella, la familia noble que hace patria en el medio de la nada.
Eran la admiración de toda Buenos Aires.
Le entregaron una vida y un destino. Yo no tuve la misma suerte.
No encontré un hombre embarazado.
Una noche fui con mi primo al Luna Park a ver una pelea de Gatica.
Solo pude hacerlo con la ayuda de Amalia.
La pobre tenía tanto miedo de que mis padres nos descubrieran le prometí que no volvería hacerla mentir hasta que llego Arizona.
Mi querida Amalia.

Allí conocí a Pedro, primo de Lourdes, era un hombre de mundo. No era un tipo del montón, fue él quien actuó de celestino entre Lourdes y Federico.
Federico y Pedro, los soles y Lourdes la luna.
El triangulo perfecto.

Federico pensó que Pedro también iría a vivir a Arizona.
La única que lo esperaba era la santa que no tenía opción.
El engaño perfecto, la falsa vida y el desencanto de amor de Federico.
Una vez formada la familia al poco tiempo Pedro se fue a Europa, lo engaño.
Las promesas de un amor prohibido se disolvieron con la brisa puntana.
Por eso yo hice ese viaje para llevarlo lejos de la mentira.
Desde que lo vi aquel día en el Jockey Club, me dije ese es el hombre que quiero y comencé a quererlo.

Yo lo quiero Laurent.
Como mí amigo fiel.
No; ninguna mujer inteligente busca novio.
El matrimonio no es el único fin.
¿Y quien lo acompañará en su vejez?
¿Lourdes?
Seguro que sí... es una santa. Lourdes no es la persona que tiene que amanecer a su lado... la que vea en cada despertar.
¿Con quién hablará de su soledad? ¿Y yo de la mía?
No fue sincero conmigo.
Teníamos un acuerdo.
¿Por qué ella? ¿Y no yo?

Me dejo sola.
Al final él nunca estará solo.
Tendrá una esposa, tendrán hijos, se casarán, tendrán nietos, un mundo perfecto, rodeado de gente pulcra.
No puedo llorar.

Recordas aquel verano en Positos. Cuando estabas loca de amor por aquel uruguayo rey del candombe.
Entre gallos y medianoche te dejo y no me vengas con que era una historia de piel de verano.
Estabas enamorada.
Un día Amalia y yo caminando por Florida lo vimos.
Te dije que estaba en Buenos Aires y con Amalia lo seguimos hasta una pensión en San Telmo.
Y nunca fuiste a verlo ni sola ni acompañada.
Ahora que lo pienso. No estabas tan enamorada.
Yo sé que es estar enamorada y desamorada.
También sé de abandono.
Federico al final de su vida no estará solo.
Yo al final de mis días estaré sola.

Pensé que quedarme sola sería un infierno.
Y no es así, se disfrutan otras cosas como por ejemplo voy una vez por semana a visitar a mi vieja y querida amiga Laurent que vive en Barracas al sur, gracias a la triste historia de amor entre Lourdes y su descamisado. Logro marcar el mapa correcto de su vida.
Si en aquellos años hubiera apostado mi vida... la hubiera perdido.
Que Laurent deje su querido Palermo, la casona y el bienestar familiar por Barracas.
Le aseguro que usted, ahora, estaría entrevistando a un fantasma.
Su piel de verano uruguaya y candombe aún seguía en la pensión de San Telmo.
Cuando regresamos del viaje Laurent fue a la pensión, lo espero, hasta que él llego y la piel de Laurent tomó el caudaloso río De La Plata a la luz de un sol de noche con los cuerpos reflejando sombras chinescas sobre las paredes descascaradas de la habitación.
Nunca más se separaron.

¿Escándalo?
Solo para los que no conocen el placer que irradia la piel al rozar, al percibir, que el otro tiene el mismo deseo de fundirse ya sea en el cielo o en infierno para no separase jamás.

Solo una vez publique un cuento en la revista Sur, un concurso de aficionados. Y gane.
La historia de un niño con ropa de payaso. Todo hombre lleva adentro un niño asustado lleno de miedos y de monstruos... que lo invaden en un baile de carnaval... el carnaval de la vida.
Creo que no se pueden controlar esos u otros sentimientos.

¿Una tasita más de té?
Uno no puede saber cuánto quiere, cómo quiere y a quién quiere.
No hay control... quién tenga el control no es humano.
Aquella tarde, por primera vez, llore frente alguien. Frente a mis amigas Amalia y Laurent.
Nuestro abrazo fue interrumpido por mi primo y los bocinazos de su descapotable.
Le contamos que queríamos viajar las tres.
El motivo para todos, menos para él, la pariente enferma de Amalia.
Las tres viajaríamos con él hasta salir de Buenos Aires.
A él lo dejaríamos en la estancia de un amigo.
La travesía estaba en marcha.

¡Que no se te vuele el pañuelo! atalo fuerte Amalia.
Quedate tranquila Laurent, manejo muy bien, disfruta del paisaje. Mira dentro de mi cartera que tengo otro par de anteojos.
Para vos Amalia, para vos. ¡Por el sol!

Nunca me escuchas.
Si me escucharas hoy tal vez estarías con el uruguayo.
Pero no. Sos dura Laurent.
Te pregunte izquierda o derecha. Me dijiste derecha.
¿Quién tiene el mapa? vos
Tanto miedo te da decir la palabra izquierda. Acá no nos escucha nadie... estamos en el medio de la nada ¡Izquierda! ¡Izquierda!

Yo seguía con ¡Izquierda! ¡Izquierda!
Laurent ¡Uruguayo! ¡Uruguayo!.
Dejamos de gritar al oír las palabras de Amalia ¡Feliz! ¡Feliz! un eco sin montañas abriéndose paso en la tierra caliente.
Para esa altura del viaje hasta nuestra piel era tierra caliente, cubierta por vestidos desdibujados, por el cansancio y el deseo de abandonar nuestros cuerpos para que fuéramos verdaderas golondrinas desnudas.
Aún en una heladera térmica que Laurent trajo de un viaje a Europa teníamos agua, un champagne, frutas y una botella de té.

¿Agua o té? Laurent.
El champagne es para...
Como dice Amalia. Para el momento justo.
No sabemos cuando es el momento justo.
Pero siempre hay un momento justo. Hay que percibirlo con la piel, con el corazón.
Se siente en el alma.
¿No es así Amalia?
Bueno volviendo a lo nuestro.
Hicimos más de...
Bien Amalia... si más de 30 Km.
Fueron 30 Km. de más. Ahora volvemos para atrás y doblamos a la derecha.
¿Cómo estoy?
Gracias.
Ustedes también están lindas.
Laurent sacudite la solapita. No es tierrita. Parece de palomita o pajarito. Trae suerte.
Bueno… señoras arriba.
Que sigue el viaje.

Me sentía un poco responsable de ellas.
Las mujeres podíamos votar y ellas pusieron un voto de confianza en mí.
Laurent después de gritar, uruguayo, uruguayo a las llanuras puntanas comenzó a emitir candombe, desde sus manos, hombros, boca.
Seguimos en silencio entre la brisa del verano y el candombe de Laurent.
Por el visor mire a Amalia que estaba con los brazos extendidos mirando el sol y el pañuelo blanco cubriendo su cabeza queriendo volar...
Me hizo un gesto de silencio.
Yo sonreí.
Por si algo me sucediera durante el viaje, era año bisiesto dicen que no son buenos, le escribí una carta a Federico.

Buenos Aires, Enero 1952
Querido Federico
Fuiste mi puerta al Edén que hoy se cierra para siempre. Porque me lo contaron sé como es ella, fiel a lo que vos precisas, esto es lo que gané por saltar los esquemas, de ahora en más ya no seré para vos una contrariedad. No estés tenso, no voy a desnudar cosas obscenas. Pero te va ir bien, el amor que nos prometimos frente al Taj Mahal, hoy me deja sola. ¿Podríamos seguir siendo amigos? De corazón te deseo lo mejor.
Adiós, tu amiga Julia

En Bellas Artes hubo una exposición del pintor francés André Maire cuya obra maestra realizada en óleo y lienzo es el Taj Mahal frente a ella nos tomamos de las manos y nos prometimos ser amigos, amantes fieles.
También íbamos al cine. Aún recuerdo la cara de enojado cuando lo invite a la conferencia de André Maurois. Creo que solo acepto por el nombre André.

Te digo que es un parador.
El cartel decía a 25 Km. parador de servicio Casimiro Gómez
No es un espejismo.
Ves allí está el parador.

Sentemos acá.
Laurent no podes entrar saludando como una parroquiana ¡Buena tarde! ¡Buenas tarde!
Que van a pensar de nosotras.
¿Tomamos una limonada?

No lo mires tanto Laurent.
Debe ser extranjero.
Por la ropa. Seguro es gringo. Mira como toma cerveza.
Cargamos nafta y pasamos la noche en el siguiente pueblo, Nueva Galia, mi primo me dijo que hay una fonda familiar de confianza.

Tenes razón no nos mira a nosotros.
Te mira a vos Amalia.
Será un poco mayor que nosotras y algo menor que vos Amalia.

Amigas, cuando la vida nos da limones hay que hacerse una limonada.
Chin Chin por nosotras y la travesía.

Llegamos a la fonda, gente muy buena.
Nos dieron un cuarto. El baño estaba afuera y compartido.
Toda una experiencia para alguien como nosotras que teníamos hasta un cuarto para llorar.
Cenamos. Estábamos cansadas.
Amalia fue la primera es irse a dormir para ese momento ya habíamos bebido dos botellas de vino, la tercera la terminamos con Laurent, sentadas en la noche, con el silencio en el medio de la nada.
“No sé que estoy haciendo acá. Pero sé que tengo que estar.” Me dijo Laurent.
Lo mismo pensaba yo.
Llego una camioneta.
Se bajo el extranjero del parador. Nos miro y entro a la posada.

¿Nos estará siguiendo Laurent?
Vos estás segura que no nos miraba a nosotras.
Para mí miraba a Amalia.
¡Contestame, che!
No es momento para pensar en el uruguayo, olvidate de Lourdes y del descamisado.
No tomo más vino.

A veces pienso en los hombres que bese.
No en los que me besaron.
Los primeros fueron con el corazón, los otros fueron piel de verano.
Amalia nunca fue besada.
Estoy segura.
Como mí madre, que no tuvo el derecho sobre su persona, era un bien que pasaba de las manos de su padre al marido.
Un solo beso.
¿Qué suma de virginidades debe contribuir una mujer al matrimonio?
No decís nada.
No podes quedarte dormida acá.
Dale, che.
Mira que el extranjero está en la fonda.
¡Roncas!
No me lo imaginaba.

Miré por la ventana. Laurent seguía durmiendo, el sol comenzaba asomarse y la buena de Amalia a su lado.
Salí de la habitación y camine hasta donde estaban ellas.
Laurent y yo queríamos bañarnos.
La dulce Amalia nos tomo de las manos como a dos pequeñas y caminamos hasta un tanque australiano oculto entre unos árboles. Nos bañamos.
Luego fuimos a desayunar a la fonda.
¡Buon giorno! ¡Bou jour! ¡Good moornig!
Todos me miraron.
Pero nadie me respondió solo después de que dije: Buenos días.
Hasta el extranjero respondió, sonriendo y tomando mate.

¡A nadie! Pero a nadie.
No se rían.
Jamás contaremos donde nos bañamos.
Después de todo no estuvo mal, agua limpia aunque con algunas hojas y ese tacho reemplazado la ducha.
Para de reírte Laurent y mira bien el mapa.
Debemos llegar al anochecer a Arizona.
Que linda estás Amalia con el paraguas para el sol, tus ojos celestes, tu piel blanca y soleada.
Seducen a ese forastero.
Es lo que pensamos con Laurent.
El fotógrafo te miraba a vos.
¿No vieron la maquina de foto?
Si una maquina importante, costosa.
Porque es extranjero y en el extranjero todo es más costoso.
Que discutidora estas Laurent.
Y seguís con el vestido de solapita cagada.
Te dije que te va a traer suerte.
Pero ponete otro.
No podes seguir toda la vida con ese vestido.
Que hermosa sonrisa, Amalia.
Bueno está bien... paro acá.
Bajas y te cambias el vestido.
Estamos en el medio de la nada. ¿Quién puede mirarte?
Amalia no te alejes mucho.
Lo podes lavar. La suerte no se te va ir con el agua. Cambiate ahí atrás.
¡Que te pasa! ¿Por qué gritas?

Seguro que alguien viene por la polvareda.
Amalia vení.
Laurent cambiate rápido.
Subí Amalia que nos vamos.
No te voy a dejar Laurent.
¿Por qué no arranca?
No estoy nerviosa.
Termina de cambiarte. Subí.
Que sea quien sea te va encontrar desnuda y con el vestido cagado, guardalo en el bolso.

Disimulemos. Estamos descansando...
Tranquilas chicas y contemplemos el paisaje.

Era él, el fotógrafo austriaco Kurt Kaindl, un viajero que exploraba la relación entre el medio ambiente, la nación y el individuo o tal vez conocer, este país, el granero del mundo.
Se nos fue el miedo a las tres.
Hablaba bien el español. Nos presentamos.
Estaba sacando fotos de diferentes lugares de la Argentina.
Nos ofreció cerveza. Aceptamos.
En verdad queríamos beber una buena cerveza fría.
Kurt por un momento se quedo pensando en silencio, contemplando el paisaje.
Las tres estábamos en silencio contemplándolo a él.
Y nos pregunto: ¿Cómo se llama el mapa de una vida?
Seguíamos en silencio.
Nos miro y nos dijo: Decisión.

¿Podría tomar una fotografía de usted? Le pregunto a Amalia.
Ella respondió: Claro que sí.
Laurent estaba fascinada con la idea, también quería ser fotografía.
“Una golondrina no hace verano” dijo Amalia, sonriendo.
Él comprendió.
Fuimos tres mujeres con pañuelos sobre nuestros cuerpos. Solo eso y nada más.
Caminando lentamente entre la brisa puntana hacia Arizona.
Decisión.

¡Este es el momento justo! Para el champagne.
Kurt destápelo usted.
¡No trajimos copas! Se toma igual.
¡Por nosotras! Y por usted Kurt.
¡Feliz! ¡Feliz! Amalia.
Muy feliz.
Ahora.
¡La foto Kurt!

Federico había tomado una decisión en su vida. Y yo no era nadie para discutir eso.
Tenía junto a mí la carta que había escrito.
Kurt siguió hasta más allá de Arizona.
Le entrego la carta a Federico, fácil de encontrar el único medico del pueblo.
Nunca tuve respuesta.
Muchos años después, con la vejez a cuesta, me entere, que Lourdes se fue de Arizona con su amado y viejo descamisado. Tarde tomo la decisión pero la tomo, ese era su justo momento.

Como que en aquel momento tome la justa decisión de... volvernos a Buenos Aires.

Gracias Kurt, no le será difícil encontrar Federico, al único medico de pueblo para entregarle está carta, no puedo seguir insistiendo sobre el mapa de su vida, aprendo que los silencios fueron las respuestas mas ruidosas que pudo darme él.

¡Kurt espere!
Amalia llevale nuestro número de teléfono
Anda.
Vos Laurent te quedas acá conmigo.

Adiós Kurt

Amigas es tiempo de regresar.
Nuestro five o´clok nos espera en Buenos Aires.
Adiós a la tía moribunda de Amalia.
El tanque australiano.
La borrachera.
Las palabras que gritamos.
Kurt y nuestra foto.
Hacemos bien amigas... es tiempo de regresar y decirle au revoir Arizona.

Ezeiza recién se inauguraba y la despedida de Amalia que se iba con Kurt.
El la amo desde el primer momento hasta el último de sus días.
No se casaron ni tuvieron hijos.
Vivieron muchos años felices.
Ella murió primero, días después él.
A veces cuando conversábamos por teléfono me decía: Niña Julia, las mujeres tenemos libre albedrío. Pero quédese tranquila que no soy una mujer indecisa.

Ve la foto .Caminamos de la mano. Amalia al medio, yo a la derecha y Laurent a la izquierda.
La foto no tiene nombre, cuando gano el premio simplemente Kurt la llamo: foto.
Yo, decisión.
Jamás volví a escuchar la voz de Federico, jamás él volvió a verme.
Hay personas que no quieren ser elegidas y está bien, de eso se trata la vida, barajar las cartas y dar de nuevo.

Le gustaron las plantas de mi balcón.

O ¿Mira al hombre solitario?

El hombre solitario de enfrente es el niño con disfraz de payaso que hoy contempla una pintura del Taj Mahal.
Tal vez se llame André, como el muchacho que lo visita cada tanto.
No lo sé.
Quizás sus padres no tenían pensado un nombre para él antes de nacer y simplemente lo llamaron Federico.

Aquellas que aprendieron nuestros nombres, esas... ¡no volverán!

Fin.

Para celebrar a Harold Pinter.

2011-02-13T05:05:00.000-08:00

El pasado miércoles 26 de enero, Film & Arts nos regaló (ningún verbo más adecuado) una velada con Harold Pinter: un espléndido documental sobre su vida y obra, y la filmación de su última pieza, Celebration (2000). El documental, Working with Pinter, es una producción del canal Almeida, grabada el 26 de febrero de 2007, dirigida por Harry Burton y que dura 57 minutos. Traza una sucinta biografía del dramaturgo -por cierto que también poeta, guionista de cine, novelista y ensayista, Premio Nobel en 2005-, nacido en un suburbio londinense el 10 de octubre de 1930 y muerto en esa misma ciudad el 24 de diciembre de 2008; el eje principal del relato es la asistencia de Pinter, en aquella fecha de 2007, a un ensayo de una de sus obras capitales, Betrayal, conducida por su viejo amigo de infancia, Henry Woolf.

Suele decirse que a los directores no les hace ninguna gracia que el autor presencie los ensayos ("el mejor autor es el que está muerto"): es inevitable que el dramaturgo tenga en mente una determinada puesta mientras va escribiendo su obra, a menudo en fuerte contraste con la visión de quien la pone en escena. Quizás el caso más notorio y bien documentado sea el de Chéjov insistiendo en que él escribía comedias, y Stanislavsky empeñándose en darles una atmósfera crepuscular. También Beckett tuvo memorables altercados, no sólo con Roger Blin, el primer director de Esperando a Godot, sino con casi todos los responsables de sus estrenos posteriores.

En Working with Pinter, el clima es muy distinto. Tal vez porque Pinter era discreto y confiaba en su amigo. Tan sólo en un momento y por invitación del director, propone un cambio en la posición de la pareja de actores: el diálogo, tenso de sobreentendidos, se desarrollaba sentados ambos en un sofá, uno en cada extremo. Pinter sugiere que el actor se ponga de pie detrás del sofá, abrace a la actriz con aparente ternura y le hable prácticamente al oído. El resultado es mágico: se crea una tensión dramática casi intolerable y aparece el clima de amenaza característicamente "pinteriano". Se ven asimismo fragmentos de varias obras admirables: Tierra de nadie, Viejos tiempos, La vuelta al hogar (con la actriz Vivien Merchant, la primera mujer del dramaturgo; la segunda fue lady Antonia Fraser, la historiadora, con quien estuvo casado 31 años, hasta su muerte).

La velada culminó con la proyección de Celebration, una pieza de una hora de duración.

Con un elenco de lujo, encabezado por Michael Gambon y Colin Firth. Humor negro, conversaciones aparentemente insensatas y la siempre latente posibilidad de una violencia sin límites: el más puro Pinter.

Opinión Ernesto Schoo
La Nación 5 feb 2011

Marikena Monti es también una gran actriz.

2011-02-13T04:52:00.000-08:00

El lector se preguntará qué papel desempeña una cantante en una columna dedicada al teatro. Respuesta: todo cantante que hace de su don vocal un arte, es simultáneamente alguien que interpreta, esto es, que expresa a su modo lo que la canción dice. Su visión personal, no sólo de una letra (también existe el vocalise, el tarareo puramente instrumental de una melodía: Rachmaninoff, Villa-Lobos) sino también de la manera en que ésta ha de ser vertida, cómo ha de sonar cada palabra, aliada a la música, y cómo se destacará cada concepto. No se diferencia del trabajo del actor, en cuanto a valorar la palabra y su intención, y hasta en el modo de respirar. Nada más grato para un afinado espectador de teatro que encontrar una armoniosa relación musical entre las distintas voces de un elenco. Algunos directores lo consiguen: recuerdo a Roberto Villanueva en un ensayo, marcando, con leves golpes de sus dedos índices en el borde de la mesa, el ritmo de los parlamentos que decían los actores.

Y bien, escribo estas líneas porque hace unos días asistí al debut de Marikena Monti en su nuevo espectáculo en La Biblioteca. No haré aquí, porque no es tarea de esta columna, una reseña crítica. Pero me ha parecido justo recordar dos cosas: que Marikena nos acompaña desde hace poco más de cuarenta años, y que es una actriz estupenda. Sabemos bien que los mejores cantantes populares hacen de cada pieza un drama o una comedia, o una tragedia, en formato breve. Desde Gardel hasta Aznavour, desde Greta Keller hasta Marlene Dietrich, Ute Lemper, Judy Garland, Susana Rinaldi o Tony Bennett -la culminación tal vez sea la sublime Edith Piaf-, la lista es infinita. Cada uno de nosotros guarda en su intimidad aquella letra, aquel acento, aquella melodía que tanto significó en un momento de la vida, que no ha sido olvidada, que vuelve insistente (insidiosa, a veces), que no ha de cesar sino con nosotros mismos. Y, sobre todo, aquella voz que supo decirla como nadie.

García Lorca sostenía que a Pastora Imperio, ya madura, le bastaba plantarse en escena y mover apenas un brazo, nada más, para que todo el duende y el señorío del flamenco fascinasen a los espectadores. Y Diderot dice que el gran actor crea un fantasma, que es lo que el espectador ve y aplaude. Marikena crea un fantasma entrañable: consigue, con nuestra canción popular, lo que la Imperio con el flamenco. No se trata sólo de la potencia vocal, o de la afinación. Es la expresividad lo que cuenta: y ese nivel de interpretación es tan sólo privilegio de una gran actriz.

Opinión Ernesto Schoo
La Nación 12 Feb 2011

Para celebrar a Harold Pinter.

2011-02-06T03:48:00.000-08:00

CLAUDIO LENTZ

2011-01-30T05:24:00.000-08:00

2011

ENSAYO DE UN HEREJE. Dirección y autoría: Hernán Costa
Producción ejecutiva Claudio Lentz
Estreno Julio 2011 - Querida Elena

LA TARANTULA de Patricia Suarez. Dirección Hector Oliboni
Producción ejecutiva Claudio Lentz
Estreno Julio 2011 - Teatro Del Pueblo

CHINITA CHICA, tá linda la chica.
Nominado a los premios Estrella de Mar 2011 – mejor unipersonal -
Unipersonal de y por Mariela Acosta - Dirección general Noralih Gago
Producción general Claudio Lentz
EL CLUB DEL TEATRO Rivadavia 3422 Mar Del Plata – enero/febrero 2011
Reestreno en Buenos Aires mes de agosto 2011

2010

Fundación Amigos Teatro Gral. San Martín
Producción teatral con Gustavo Schraier,
Dirección escénica con Luciano Suardi.
Escenotecnia e iluminación con Héctor Calmet.

Argentores
Dramaturgia de la indumentaria: el vestuario con Gabriela A. Fernandez.

Teatro del Pueblo
Seminario de Desmontaje práctico de un proceso creador con Mauricio Kartun.

Los Derechos de la Salud. Homenaje a Florencio Sanchez organizado por INT y Argentores, participa en la comisión de vestuario.

Participa el 12 de Octubre, para la Casa de la Lectura en el recital de poesías selk-nam, mapuches, aztecas y guaraníes. Con motivo del Día de los pueblos originarios.

Universidad de Palermo. Facultad de Diseño y Comunicación. Escena Creativa 12.

La dialéctica dramaturgia – dirección en el montaje de "Ala de criados”
Con Mauricio Kartun (Dramaturgo – Director)

2009

Taller de dramaturgia con Ariel Farece y como actor participa en la ópera El Secreto de Susana de Wolf-Ferrari, régie Raúl Marego.

2008

Taller de dramaturgia con Enrique Papatino en el Centro Cultural San Martín y el taller de dramaturgia sobre textos no teatrales con Alejandro Tantanian en el Teatro San Martín.

2007

Taller introducción a la dramaturgia con Hernando Tejedor en el Centro Cultural Rojas.

2006

Estrena la obra: Recuerdos Verdaderos con dirección de Nancy Diez, siendo la obra seleccionada para el encuentro de Teatro por la Identidad 06 organizado por la Universidad Nacional de Quilmes.

Estrenó a nivel nacional las siguientes obras de Griselda Gambaro: Acuerdo para cambiar de casa (productor) y Atando Cabos (productor y director); esta obra fue invitada a los Encuentros de Teatro provincial de Misiones y Córdoba.
Organizó junto a Raúl Marego la Primera Muestra de Video Independiente en Mar Del Plata con S.A.V.I (Sociedad Argentina de Videastas)
Realiza los siguientes videos: Sueños de amor y muerte (concurso de la Embajada de Francia George Miller), Pase libre al corazón, Viajando con las Almas, La Isla De Las Manzanas Azules.
Actuó en las siguientes obras: Nosotros, el rey (Nancy Diez), El Burgués Gentilhombre (versión de Nancy Diez y Sergio Paris)
Escuela Municipal de Arte Dramático en Mar del Plata.

MUNDO LOCO por Claudio Mattos.

2011-01-30T05:15:00.000-08:00

Actor y director. En abril estrena la obra “Naturaleza muerta”.

En 2007, con mi novia, recorrimos Europa en auto. Compramos un auto chico y viejo en Barcelona y salimos para Francia, Inglaterra, Holanda. Luego de unos días en Amsterdam, tomamos una ruta directa a Hamburgo, con la idea de recorrer esta ciudad y terminar en Berlín. Como parábamos mucho en campings, el auto iba súper cargado, con mochilas, carpa, bolsas de dormir, cosas que habíamos comprado, etc. De pronto en la autopista, como a las 12 de la noche, se nos puso adelante un auto con un cartel luminoso que decía “policía, bitte”, en alemán, haciéndonos señas de que saliéramos de la autopista. Desconfiamos pero finalmente lo seguimos. Efectivamente eran dos policías bien alemanes –altos, rubios- y nos dijeron que tenían que revisar nuestro auto, porque esa era una ruta de mucho contrabando. Sacaron absolutamente todo y lo revisa-ron al detalle, y hasta me chequearon los ojos, el aliento. En un momento uno de los policías encontró algo, llamó a su compañero y se pusieron a hablar. Y aunque no llevábamos nada “raro”, ¡realmente llegué a pensar que terminábamos presos! Entonces vinieron hacia nosotros con un paquete de yerba, diciendo “¿Qué es esto?” Intentamos explicarles, pero no alcanzaba. Entonces tuvimos que buscar el mate, armarlo y, como no teníamos agua, simular que cebábamos. ¡Y todo en un pueblo muy pequeño, a las 12 de la noche, con las calles desiertas, y sin hablar una palabra de alemán! Al fin, muy educados, los policías se disculparon y nos dejaron seguir. Esa noche, en Hamburgo, brindamos con una buena cerveza alemana

Viajes y turismo
Clarin 29 enero 2011

Las ballenas y un desierto de sal.

2011-01-30T05:10:00.000-08:00

Por juan villoro, mexico. Escritor y periodista. Acaba de publicar “8.8 El miedo en el espejo”, crónica sobre el terremoto en Chile.

Me gusta Guerrero Negro, en Baja California Sur, México. El sitio se llama así por un barco pirata inglés –el Black Warrior–, que encalló en la zona. El principal atractivo es que, muy cerca de ahí, en la laguna Ojo de Liebre, nacen todas las ballenas grises del mundo. El nombre de la laguna se debe a que quedaba cubierta de sangre en los tiempos en que se cazaban ballenas. Hoy, los cetáceos han perdonado a sus depredadores y les muestran sus crías. Las ballenas viajan de Canadá a México en invierno, es decir, que hay que buscarlas de diciembre a marzo. Yo fui en febrero de 2009 y, como todo padre de familia, tenía una expectativa respecto del lugar que resultó equivocada. Estaba dispuesto a acampar en el desierto con tal de que mi hijo adolescente confirmara que su vocación eran las ciencias del mar. No fue así: él descubrió que tenía alergia a los ácaros y yo descubrí que debí haber estudiado ciencias del mar.

Lo que más me gustó de aquel viaje fue el cielo estrellado del desierto. En esa región está el principal observatorio astronómico de México. La sequedad del aire permite una visibilidad extraordinaria. De noche, las estrellas parecían a punto de venirse abajo. Me gustó estar en un campamento a punto de ser sepultado por las estrellas.

Otro momento singular fue el acercamiento a las ballenas. Todos los viajeros dicen haber establecido un contacto privilegiado con estos animales, pero no siempre es cierto. Tras varias expediciones, una ballena se acercó, sacó una aleta y permitió que mi mujer se la acariciara. Fue un contacto del tercer tipo.

Guerrero Negro sólo tiene una calle importante, una calzada que parte en dos la ciudad, como un pueblo del Far West. El único sitio de interés es una salina. Hay montañas blancas que esperan ser embarcadas rumbo a Japón. Caminamos por ahí, con gusto de pisar la sal. No sé si es la salina más grande; probablemente es la segunda (el triunfo absoluto no está en el carácter mexicano). A la distancia, las montañas de sal conforman un glaciar accidental. El sol las golpea, sacando resplandores azulados. En cuanto te acercas, la materia porosa y endurecida de la sal parece proponer juegos infantiles. Te dan ganas de saltar sobre ella, rasparla, amontonarla en grumos. ¡Un kindergarten de la naturaleza! No hay nada que comprar, pero hay mucho que encontrar en la región, lo cual es más sugerente. Baja California está llena de fósiles. También las conchas marinas son extraordinarias. A la orilla de una carretera, encontré círculos blancos, hechos con una dura concha marina. Se trataba de fichas de Go, el juego japonés. Se hacen ahí para ser embarcadas a Tokio, y las defectuosas se tiran.

Los grandes sabores están en el Malarrimo, el mejor restaurante de comida marina de México. Del techo penden objetos rarísimos que las corrientes marinas arrojaron a la costa.

El personaje de aquí es, sin dudas, Ramón Castellanos, ecologista que ha salvado del exterminio al venado endémico de la región, el berrendo, y fue quien nos acompañó en las expediciones. Conoce las edades de los cactus y los atajos de los peces en la hora pico del océano.

Volvería, desde luego. La ruta de acceso es parte del atractivo. Hay que tomar una avioneta desde Hermosillo, sobrevolando el desierto y las aguas color lapislázuli del Mar de Cortés

Viajes y Turismo
Clarin 29 enero 2011

El sobre azul que envía Pablo.

2011-01-30T04:52:00.000-08:00

La columna del sábado pasado evocó el apogeo, en 1911, de la carrera del actor argentino más famoso de la época, Pablo Podestá (1875-1923): sus triunfos, sus interpretaciones más celebradas, su interés por seguir las huellas de los grandes trágicos italianos, su fugaz casamiento con una adolescente Olinda Bozán y su melancólico final, en un establecimiento psiquiátrico, habiendo perdido la razón en 1919. Lo que se relata a continuación, tal como consigna la investigadora Beatriz Seibel en el primer volumen de su Historia del teatro argentino , no empaña el prestigio artístico del actor, pero lo muestra bajo una faceta inesperada.

Sus colegas reconocieron siempre la generosidad de Pablo, la honestidad en el trato con el elenco, la ayuda que dispensaba a los necesitados, el apoyo a los jóvenes que se iniciaban. En aquel entonces, los actores estaban sometidos a un régimen laboral no lejos de la esclavitud: "[?] se trabaja de lunes a domingo, sin ningún día de descanso, con ensayos todos los días antes de las funciones y a veces hasta un suplicado, para ensayar el domingo después de la función", explica Seibel. Este régimen perduró en España hasta bien entrado el siglo XX, con un solo día anual de descanso. Aquí, en 1911, ni siquiera eso. El "suplicado" era una nota que se exhibía en la tablilla, en el patio de actores, donde -no sin hipocresía- se "suplicaba" al elenco que permaneciese en el teatro para seguir trabajando.

Estas razones y el éxito que habían tenido los autores, al hacer huelga y obtener de los empresarios el reconocimiento de la propiedad intelectual, movieron a la Sociedad de Artistas Dramáticos y Líricos a pedir a la Sociedad de Empresarios una mínima reivindicación: tener un día de descanso a la semana. De entrada, los dueños de salas desconocieron la personería jurídica de los peticionantes, quienes resolvieron, entonces, hablar con los teatros, uno por uno. Convencidos de que Pablo Podestá los apoyaría, fueron a verlo y recibieron la más rotunda negativa: no sólo no quiso firmar petitorio alguno, sino que de inmediato despidió de su elenco a Francisco Bastardi, por considerarlo el promotor del frustrado movimiento, enviándole el "sobre azul", que denotaba un mensaje de despido en aquel entonces. Para explicar la actitud de Podestá, se aduce que él era también un empresario, como sus hermanos mayores, José y Jerónimo, y temió, tal vez, que la indisciplina cundiera en su compañía y en las demás.

Ernesto Schoo
Sábado 29 de enero de 2011
La Nación

CHINITA CHICA, ta´ linda la chica.

2011-01-23T05:58:00.000-08:00

Una serie de desventurados sucesos obligan a una excéntrica pedagoga rural a desviar la ruta prevista y aterrizar en una popular y reconocida ciudad veraniega donde deberá llevar a cabo su labor a pesar de su descontento.
En un dialogo con el publico invitara a reflexionar a cerca de las diferencias y semejanzas entre el cerebro femenino y el cerebro masculino.
A partir de ese momento un grupo de mujeres perturbadas por su propia realidad femenina, afectadas hormonal y neurológicamente, realizaran una sucesión de monólogos de humor dejando en claro que se puede realizar lo que a uno se le de la gana, ya que al universo no le importa nada.
Mariela Acosta, quien da rienda-fusta suelta a sus propios textos, desde el humor nos acerca a estas mujeres, que recodaremos una vez finalizada la función con una sonrisa que perdurara hasta un nuevo encuentro. Algunos de estos personajes ya vienen con luz propia desde “Concha del Río Cabaret”, espectáculo de culto en la noche de Buenos Aires que obtuvo tres nominaciones a los premios ACE 2009. Bajo la dirección general de la talentosa actriz rosarina Noralih Gago quien se encuentra también a cargo de la dirección General de Chinita Chica.
Estas dos mujeres Gago-Acosta-directora-actriz, se conocen y mucho y saben que China Chica es una China Grande, en el universo de ellas o de todas las Chinas del mundo.
Ficha Técnica:
Escrito e interpretado por: Mariela Acosta
Dirección general: Noralih Gago
Directora asistente: Eliana Pereira Rejala
Escenografía: Norma Kichy Gatti
Diseño de luces: Gustavo Lista
Producción general: Claudio Lentz
Fotografía para grafica: Leandro Allochis

“Chinita chica, ta´ linda la chica”
Funciones todos los sábados de Enero y Febrero a las 22hs
El Club del Teatro.
Rivadavia 3422- Mar Del Plata
El valor de la entrada: pesos 30

Andanzas de Pablo Podestá en 1911.

2011-01-23T04:28:00.000-08:00

Los eruditos coinciden en que en 1910, acompañando la celebración eufórica del primer Centenario, culminó la llamada edad de oro del teatro argentino. De ahí en adelante comenzaría una lenta declinación, causada en gran parte por el avance de un rival imparable: el cine. En 1911, el número de porteños asistentes al teatro se mantiene en la cifra del año anterior, unos 6 millones y medio; si en 1907 asistieron al cine, en la capital, 600.000 espectadores, en 1910 ya eran tres millones y medio.

Es también la edad de oro de Pablo Podestá (1875-1923), seguramente el actor argentino más celebrado y requerido por el público en su tiempo. ¿Cómo veríamos hoy su actuación, al parecer inspirada en la de los grandes trágicos italianos de entonces -asiduos visitantes del Plata-, aunque marcada por un sello bien personal? Enrique García Velloso, que lo evoca en sus Memorias de un hombre de teatro (Kraft, Buenos Aires, 1942), dice que un factor importante en sus interpretaciones era "una cabellera leonina, agitada al viento de las pasiones desatadas". También, los saltos (era un consumado atleta, proveniente, como sus hermanos mayores, del circo familiar) y los rugidos. Todo un estilo, para un público ávido de emociones fuertes.

Asombran, en ese 1911, la cantidad y la variedad de papeles asumidos por Pablo, y su constante ambular de una sala a otra de la ciudad. Empezando por la reposición de su mayor triunfo, Barranca abajo , de Florencio Sánchez, por él estrenada en 1905, donde, a los 30 años, componía a un viejo criollo. En sucesivas temporadas se había animado a los papeles de aquellos trágicos italianos, como el protagonista de Muerte civil , de Giacometti, caballito de batalla del gran Zacconi. También en 1905 estrenaba Los muertos , de Sánchez, donde, según el crítico Miguel Bosch, hacía "una interpretación tan magistral que nunca actor alguno, por bueno que fuera, pudo darle esa intensidad terrible". Su sobrina, la actriz María Esther Podestá, lo recordaba así en la escena final de Tierra baja , de Ángel Guimerá: "El salto felino que ejecutaba para caer sobre su rival, ubicado en la otra esquina del proscenio, hacía que se pusieran de pie los espectadores de las primeras filas, alarmados por el gesto y la actitud del actor".

Fugazmente casado en 1908 con Olinda Bozán, de 16 años de edad (el matrimonio duró un mes), Pablo Podestá -asimismo pintor, escultor y músico- perdió la razón en julio de 1919 y pasó sus últimos años en un hospicio. "Es Pablo ya un capítulo de la historia artística rioplatense", sentenció García Velloso al despedir sus restos.

Ernesto Schoo
Sábado 22 de enero de 2011
La Nación.

María Elena: la maga de Ramos Mejía.

2011-01-23T04:26:00.000-08:00

Hacia 1948, un grupo de amigos jóvenes nos reuníamos casi todos los domingos en Ramos Mejía (entonces apacible y casi campestre), en la casa de Pepe y Nela Fernández. Recuerdo algunos nombres, aunque se me mezclan las épocas, porque las reuniones se prolongaron en el tiempo: Juan Rodolfo Wilcock, Sergio Lubavsky (hijo de Demetrio, notable paisajista), Rodolfo Arizaga, Aldo Trovato, Silvia Coppola (hija de Horacio, el fotógrafo, y de Grete Stern), la propia Grete -en cuya hermosísima casa, también en Ramos, obra del arquitecto Vladimiro Acosta, solíamos encontrarnos-, y siempre alguien relacionado con el teatro, el cine, la música, los libros. De vez en cuando aparecía una muchachita que se había hecho famosa en 1947, a los 17 años, con un espléndido primer libro de poemas, Otoño imperdonable . Antes del cual ya se la conocía por sus colaboraciones en el suplemento dominical de este diario y en la revista El Hogar .

Era María Elena Walsh, siempre acompañada por su hermana. Todos estábamos vagamente enamorados de esa jovencita que parecía tímida, que hablaba poco, se reía menos y en cuyos ojos solía encenderse una luz burlona, al hacer una aguda autopsia de un colega, o proferir una ocurrencia ingeniosa. Ya se sabe: "Cuando sonríen ojos irlandeses?". Después de las tardes en Ramos Mejía y cuando Pepe Fernández ya se había ido a vivir a París, volvimos a vernos allí, en 1956, en mi primer viaje a Europa, cuando Pepe me invitó a oír a Leda (Valladares) y María Elena en un diminuto local, La Guitarre, donde él atendía el guardarropa y ellas cantaban folklore argentino y antiguas trovas españolas. Pepe será, años después, el destinatario de una de las más hermosas canciones de Walsh, la "Zamba para Pepe".

Cuando María Elena hizo su inolvidable unipersonal Juguemos en el mundo , a mediados de los 60, en el Regina, la entrevisté para Primera Plana . Una larga entrevista, la única vez en que hablamos largo y tendido. Nunca fuimos exactamente amigos, sino más bien buenos conocidos, hasta que un incidente, acaso trivial, durante mi gestión en el San Martín, pero donde ella se dejó arrastrar por su ardor combativo, nos apartó para siempre. Lo que no fue obstáculo para que siguiera admirándola como una de las más auténticas creadoras, y más hondamente argentinas, que haya conocido. No sólo la prodigiosa colección de canciones infantiles que, a la par de renovar el género, evoca el encanto de las antiquísimas trovas españolas, sino la profundidad de pensamiento, el coraje cívico, la calidad poética impar: su asombroso poema sobre Eva Perón, las "Temerosas palabras para un ser puro" -publicadas en este diario hace muchísimos años-, las definiciones memorables: "Porque me duele si me quedo, pero me muero si me voy"; "Un amigo nuevo no es lo mismo, Pepe: se quiere por la mitad".

Ernesto Schoo
Sábado 15 de enero de 2011
La Nación.

De todo un poco, un siglo atrás.

2011-01-23T04:25:00.000-08:00

El 30 de julio de 1911, la flamante Sociedad Argentina de Autores Dramáticos y Líricos (la antecesora de Argentores), fundada el año anterior, lanza un ultimátum a los empresarios: la entidad ha resuelto que, en adelante, los autores cobrarán el diez por ciento del ingreso de boletería y la respuesta debe ser dada en 24 horas. La Sociedad de Empresarios invita entonces a Enrique García Velloso, presidente de la de Autores, a conversar en privado, pero don Enrique se niega y dice que toda negociación debe hacerse con la institución que él preside.

"Salvo en el Moderno, donde Pablo Podestá acepta todas sus condiciones -relata nuestra apreciada colaboradora involuntaria de esta columna, Beatriz Seibel, en el primer volumen de su imprescindible Historia del Teatro Argentino, editada por Corregidor-, los autores rompen relaciones con todos los teatros y prohíben representar las obras del Archivo Social. Pero como en algunas salas tienen en cartel obras vendidas, resuelven hacer protestas públicas. Carlos M. Pacheco habla desde un palco en el Apolo -compañía José Podestá-, pidiendo al público que no aplauda su obra La vida inútil , porque se intenta sofocar el movimiento de autores, y la gente abandona la sala en solidaridad. Martínez Cuitiño habla desde el escenario del Moderno y los autores y el público salen en manifestación, recorriendo los diarios. El retiro de repertorio es un hecho y los teatros tendrían que cerrar, de modo que los empresarios aceptan negociar. Finalmente, el 12 de agosto se llega a un acuerdo histórico: los autores percibirán el 15 por ciento el día del estreno, el 10 por ciento en las funciones siguientes y una bonificación de 5 pesos por función en las obras con música. El convenio rige exclusivamente para compañías y obras nacionales, pero en 1912 los autores europeos obligan a que se les extienda la norma."

En 1911, Berta Singerman, de 10 años de edad, trabaja en la compañía del ilustre actor judío, en gira por la Argentina, Maurice Moscovich; y Eva Franco (1906-1999, hija del actor José Franco), debuta a los cinco años en el elenco de Jerónimo Podestá, en el papel de un varón, algo que se reproducirá a menudo en su infancia. El 16 de mayo de ese año se abre el Teatro Nuevo, en Corrientes 1528, antecesor del San Martín. Se había planeado inaugurarlo con Pablo Podestá, pero cuando estuvo terminado la primera representación fue de Aída , de Verdi, por una compañía italiana de ópera. Tenía capacidad para 1100 espectadores y sucesivamente se llamó Corrientes, del Pueblo (entre 1937 y 1943) y Municipal, hasta ser demolido para erigir el coloso actual.

Ernesto Schoo
Sábado 8 de enero de 2011
La Nación.

El mejor intérprete que haya existido.

2011-01-23T04:23:00.000-08:00

Los pagers y los twitters repiquetean, furiosos, desde hace unos días, en todos los ambientes teatrales del mundo entero, y las polémicas se encienden en las computadoras de los críticos. ¿Qué pasa? La publicación teatral británica Stage proclamó, a comienzos de este mes, a Judi Dench como "the greatest actor ever" (en inglés se usa hoy la palabra "actor" sin distinción de género; "actress" es una antigüedad). Es decir, el mayor intérprete teatral que haya existido hasta la fecha.

Sin restarle méritos a la admirable Dame Judi -nacida cerca de York el 9 de diciembre de 1942-, de sin igual versatilidad, capaz de lucirse en drama y en comedia, en tragedia y en farsa, en cine, en teatro y en televisión, cabe preguntarse por el criterio aplicado para elegirla. El crítico titular de The Guardian , de Manchester (uno de los mejores diarios del mundo), Michael Billington, en la edición del 16 de diciembre cuestiona la distinción, "a partir de dos objeciones evidentes: la primera, que ninguno de nosotros es capaz de comparar a los ilustres actores muertos desde hace mucho, con los que felizmente viven; el otro problema es que lo que llamamos gran actuación, cambia de una generación a otra".

En efecto. Tan sólo sabemos del talento de Garrick, de Kean, de Mrs. Siddons, de Talma o de Rachel, a través de testimonios escritos por sus contemporáneos. Algunos más cercanos perduran en el cine, pero cuando éste era mudo y su técnica primitiva, el testimonio puede ser patético, como en el caso de Sarah Bernhardt. También cambia el criterio sobre el estilo de interpretación: Billington apunta que cada nueva generación parece elogiar siempre al actor que se distancia de la teatralidad convencional y revela un nuevo naturalismo. "Ocurrió con David Garrick, Henry Irving, Eleonora Duse y Laurence Olivier."

Aparte de lo injusto de soslayar de la competencia a los grandes actores italianos, españoles, franceses, rusos o argentinos, ¿cómo comparar, dentro de la órbita de lengua inglesa, a Judi Dench con Vanesa Redgrave, o Maggie Smith, a Al Pacino con Ian McKellen, a Derek Jacobi con David Suchet? Cada uno es magistral a su modo, y crea su propio fantasma imaginario. ¿Quién fue mejor, Marlon Brando siempre igual a sí mismo, o Alec Guinness, siempre distinto? Nuestro colega Billington no se priva, sin embargo, de elegir por su cuenta, y proclama "el mejor actor que vi jamás" a Laurence Olivier, "por su electrizante presencia física, su audacia interpretativa y una voz con filo de navaja (?) Todo esto confluía en su Macbeth, que combinaba la reflexión interna, la ironía letal, la peligrosidad brutal y una tristeza devastadora".

Ernesto Schoo
Viernes 31 de diciembre de 2010
La Nación.

La irresistible ascensión de Oscar Wilde.

2011-01-23T04:22:00.000-08:00

Los ingleses se reían con las comedias de Oscar Wilde, pero no lo tomaban muy en serio: por empezar, Wilde era irlandés y le gustaba burlarse de los ingleses. Por quienes a su vez -y según una reciente recopilación, La recepción de Oscar Wilde en Europa , editada en Londres por Stefano Evangelista- "era generalmente visto como un payaso con calzones cortos de terciopelo, siempre divertido pero seguramente peligroso". Su obra maestra dramática, Salomé , fue prohibida en 1892 por la censura inglesa, pretextando que no se podían presentar personajes bíblicos en escenarios británicos. Wilde respondió anunciando que se radicaría en Francia y que se nacionalizaría francés. Y si bien ese propósito nunca se cumplió, era evidente que París lo acogería con los brazos abiertos. Oscar murió, en 1900, en un hotel parisiense.

En el libro citado se destaca que Oscar hablaba perfecto francés (algo que hasta André Gide se vio obligado a reconocer); en ese idioma escribió Salomé (dedicada a Sarah Bernhardt) y admiraba a escritores franceses, muchos de los cuales fueron sus amigos (Flaubert, Mallarmé, Huysmans) "y a quienes rindió el tributo de la imitación".

En los dieciocho artículos que componen el volumen se destaca que el escritor fue festejado principalmente en Alemania y en el imperio austrohúngaro, así como en España, Italia, Escandinavia y Rusia, "donde fue gradualmente canonizado como un clásico sin rival". En Alemania, Salomé ya era famosa cuando Richard Strauss la convirtió en ópera, "y fue gracias a los derechos de autor devengados por las numerosas representaciones experimentales del drama bíblico en ese país que en la década siguiente a su muerte pudieron pagarse sus cuantiosas deudas". De las comedias, The importance of being Earnest sigue siendo hasta hoy la más representada y festejada; en la imposibilidad de traducir adecuadamente el título en alemán, allá y en casi toda Europa central se denomina Bunbury , del personaje imaginario que sirve al protagonista de pretexto para sus escapadas al campo. La misma dificultad surge en la lengua castellana: en las más recientes versiones porteñas se ha recurrido, con ingenio, a La importancia de ser Severo , o Franco .

Una anécdota. Durante la Segunda Guerra, en una producción hecha en Copenhague ocupada por los nazis, el público disfrutaba hasta el paroxismo con un parlamento de la joven y pizpireta Cecilia: "Pero no me gusta el idioma alemán. No es nada sentador. Sé muy bien que me veo bastante fea después de mis lecciones de alemán".

Ernesto Schoo
Viernes 24 de diciembre de 2010
La Nación.

Antes que Lady Gaga, la Bernhardt.

2011-01-23T04:20:00.000-08:00

En su edición del pasado 19 de noviembre, el Times Literary Supplement dedica una página, firmada por el crítico John Stokes, a una nueva biografía de Sarah Bernhardt escrita por Robert Gottlieb, Sarah (Yale University Press, 256 páginas, 25 dólares). Tras anotar algunos de los rasgos característicos de la "Divina" que la han hecho notoria hasta en nuestros días -sus giras internacionales hábilmente organizadas, su fabulosa y exitosa autopromoción-, dice Stokes que el trabajo de Gottlieb no sale de las habituales biografías de Sarah, calificando a dos de ellas de excelentes: The Divine Sarah , de Arthur Gold y Robert Fitzdale, y Being Divine , de Ruth Brandon, ambas de 1991 (por nuestra cuenta, añadimos Madame Sarah , de Cornelia Otis Skinner).

"No obstante, hay un área en la que Gottlieb sí aporta algo nuevo, aunque no ahonda tanto como debiera. Este libro aparece en una colección denominada Vidas judías . La palabra vidas justifica el énfasis biográfico; más complicado es determinar el preciso sentido en que Sarah era judía". Que lo era, no le cupo duda a ninguno de sus contemporáneos, y ella misma lo afirmó siempre. Se supone que la Bernhardt nació en 1844 (la fecha exacta es incierta; murió donde había nacido, en París, en 1927), de madre judía holandesa, una demi-mondaine no demasiado exitosa; el padre pudo haber sido un tal Paul Morel, marino. Sea como fuere, Sarah se educó en un convento, durante seis años, y fue bautizada a los once de edad. Gottlieb sugiere que la madre aspiraba a que la hija tuviera mejor educación que ella y la preparó para ser "recibida por el mundo respetable: saber expresarse, moverse y comportarse como una dama".

Sarah misma se encargó de aclarar, en su autobiografía, que "la querida sangre de Israel" corría por sus venas, y fue apasionada defensora del capitán Dreyfus en el célebre proceso que conmovió a la sociedad francesa de la belle époque . En tanto que su propio hijo, Maurice (cuyo padre, que nunca lo reconoció, era un aristócrata belga, el príncipe de Ligne), estaba en el bando opuesto. Gottlieb opina: "Como en el caso de Disraeli, el judaísmo fue para Sarah más una cuestión genética que religiosa". Y concluye que la actriz pudo haber pasado de moda ya a comienzos del siglo XX, "pero Bernhardt se aseguró su triunfo póstumo como pionera de una forma de exceso seguida por infinidad de artistas mujeres y que, gracias a Madonna y Lady Gaga, no tiene miras de acabarse".

Por Ernesto Schoo
Sábado 18 de diciembre de 2010
La Nación.

Intérprete superior y distante.

2011-01-23T04:18:00.000-08:00

Más de una vez, Meyerhold y Gordon Craig, eminentes hombres de teatro, anhelaron trabajar con marionetas o con autómatas, antes que con actores de carne y hueso, tan proclives al divismo y a disentir de sus directores. Ese anhelo acaba de concretarse, en una etapa experimental, en un teatro de Tokio, donde ha debutado una actriz artificial, llamada Geminoid F.

La información viene en un mail de la agencia Moebius y especifica que Geminoid F. tiene "un aspecto vagamente japonés, aunque también podría ser rusa". De pelo castaño y ojos oscuros, "dialoga, parpadea y sonríe, gracias a doce motores que tiene en su interior". Gracias, también, a una actriz real, oculta entre bastidores, que le presta su voz: por el momento, la muñeca no habla. Pero, según su creador, Hiroshi Ishiguro, no tardará en hacerlo. "Físicamente -dice-, los androides pueden parecerse mucho a los actores humanos, pero lo más importante es que técnicamente somos capaces de crear un actor superior".

"¿Superior a qué?", cabe preguntarse. Porque, en realidad, ese actor superior ya existe, prácticamente. Los modestos títeres de guante y las marionetas, más complejas, poseen una capacidad expresiva que rivaliza con la de los actores humanos. Dependiendo, claro está, de la forma que sus creadores les otorguen y de la destreza de quienes los manejen. Justamente, hay todo un género teatral japonés destinado a muñecos de semejanza alucinante con seres vivos, al extremo de que el espectador (es mi caso) llega a sentirse algo incómodo. El director de la obra en que interviene Geminoid F., Oriza Hirata, habla de "incorporar al teatro un nuevo tipo de actor". Si bien no descartamos la posibilidad de ese nuevo tipo de actor, el cual -¿por qué no?- podría enriquecer una puesta en escena, advertimos que desde mediados del siglo XX han venido formándose en todo el mundo intérpretes que, además de las tradicionales asignaturas del manejo de la voz y del cuerpo, las amplían hasta permitirles cantar, bailar y hacer acrobacia, si es necesario. Precisamente, las cualidades que añoraban Meyerhold y Craig, también propuestas por Oskar Schlemmer en la Bauhaus.

La pieza representada en Tokio trata de una muchacha que padece una enfermedad terminal, cuyos padres contratan a un androide que le recita poemas. Papel a cargo de Geminoid F., a quien su compañera de elenco, la protagonista, Bryerly Long, encuentra algo distante. "Es como actuar sola", agrega. Para los que gustan de las cifras, la actriz robot costó 1.200.000 dólares.

Por Ernesto Schoo
Sábado 11 de diciembre de 2010
La Nación.

Hace sesenta años, nació el teatro del IAM.

2011-01-23T04:17:00.000-08:00

No quiero terminar 2010 sin que esta columna evoque a uno de los principales teatros independientes activos en Buenos Aires hacia 1950. El 17 de julio de ese año ("del Libertador general San Martín") inició su actividad, en la sede de la galería de arte de Frans van Riel, Florida 659, el teatro del Instituto de Arte Moderno, cuyos responsables fueron Hernán Lavalle Cobo, Antonieta Astete Millán de Moroni (fugaz cuñada de Borges y apodada en broma "la señora Goldoni") y el director Marcelo Lavalle. El IAM había sido fundado, a fines del decenio del 40, por el arquitecto y mecenas Marcelo De Ridder, perteneciente a una acaudalada familia de origen belga. La primera sede de esta institución privada estuvo en Paraguay entre Maipú y Florida, donde se hacían exposiciones de pintura y recitales de música y danza contemporánea: ahí escuché por primera vez, en grabación, el Pierrot Lunaire de Schönberg, y vi bailar a Cecilia Ingenieros y a Paulina Ossona.

La sala de Florida 659 fue el legendario salón de actos de la galería Van Riel, antes gestionado por Amigos del Arte, donde disertaron los mayores artistas e intelectuales argentinos y los más ilustres visitantes extranjeros. Ya desde 1947, albergó al Teatro de Arquitectura ( Farsa de maese Patelin , texto medieval interpretado por Cecilio Madanes y Leopoldo Torres Agüero; y libretos de Calderón, Labiche y Kafka, con Jorge Petraglia, Leal Rey y Roberto Villanueva) y el Teatro Universitario Franco-Argentino, dirigido por Simone Garma. La primera puesta en escena del flamante equipo fue Anfitrión 38 , de Jean Giraudoux, por Luis Tito, un actor brasileño, con escenografía y luces de Saulo Benavente, quien se convertiría en el escenógrafo residente, así como Marcelo Lavalle dirigió la mayoría de los espectáculos.

El mayor éxito fue, sin duda, Esquina peligrosa , del inglés J. B. Priestley, repuesto en sucesivas temporadas, con el elenco estable de la casa: Lydé Lisant, Ignacio Quirós, Jorge Rivera López, Eduardo Espinosa, María de la Paz, María Principito, María Elina Rúas. Allí se representaron también Las brujas de Salem , de Miller (con Norma Aleandro); Calígula , de Camus; Muertos sin sepultura , de Sartre; Lo que no fue , de Coward; Verano y humo , de Williams; Antígona , de Anouilh; Nuestro pueblo , de Wilder; Poof , de Salacrou; y actuaron, entre muchos otros, Violeta Antier, Mercedes Sombra, Duilio Marzio, Jorge Petraglia, Hugo Caprera, David Cureses? Casi un Who is Who del teatro argentino.

Por Ernesto Schoo
Sábado 27 de noviembre de 2010
La Nación.

Aquellas máquinas creadoras de ilusión.

2011-01-23T04:15:00.000-08:00

En la columna del pasado sábado, dedicada a Denis Diderot (1713-1784) y su polémica Paradoja del comediante , al pasar mencionamos su obra magna: la Encyclopédie , resumen del conocimiento humano a la fecha de su publicación (1751 a 1765), en 17 volúmenes de texto, 12 de láminas y dos de índice general. Coincidió mi relectura de la Paradoja con el regalo, por amigos generosos, de la reproducción facsimilar de una de esas colecciones de grabados de la Enciclopedia , justamente la referida a "teatros y máquinas de teatro".

Cada estampa es una obra de arte: las de este recueil están firmadas Bénard Fecit, quien era, sin duda, un dibujante y grabador de calidad. Cada lámina tiene su correspondiente explicación, detallada al máximo y singularmente clara, si se atiende a la complejidad de los mecanismos, pródigos en aparejos, cabrestantes, roldanas, tirantes, engranajes y juegos neumáticos de toda clase. Gastón Baty describe en su Historia del t eatro el arribo a la escena francesa de esta parafernalia técnica, a fines del siglo XVII, llevada por los comediantes italianos junto con la perspectiva ortogonal y el decorado corpóreo.

Confieso mi gusto por las vistas de ciudades antiguas, esos primitivos álbumes de promoción turística, donde diminutos personajes aparecen en su vida cotidiana. Los hay de todas las clases y ocupaciones: abundan los perros callejeros, los aldeanos rumbo al mercado y vehículos diversos. Solícitos ciudadanos, con evidente ufanía y gestos teatrales, enseñan a los forasteros los monumentos prestigiosos. Y bien, entre estas láminas de la Enciclopedia destaco la que representa un corte de la sala de "la nueva ópera de Stuttgart", poblada de atareados personajes. Los cuales, como corresponde a las costumbres de la época, apenas si prestan atención al escenario. Porque el verdadero escenario es la sala, e importa más la tragicomedia social que en ella se representa. En los palcos se come, se conversa, se ama y se traiciona. Varios caballeros han salido a ventilarse por los corredores y hasta por la terraza. La sala (el fragmento de sala que se ve, en perspectiva sesgada) ostenta un lujo barroco desbordante, y es apenas discernible del decorado del espectáculo. En el foso, el director alza su batuta. Tal vez dentro de un instante en escena veremos un mar tempestuoso, del cual surgirá el carro de Neptuno, arrastrado por caballos marinos. En la lámina XXII de la primera sección, nos muestran el complicado mecanismo que rige esa aparición. Algunas de las láminas incluyen -como hoy en la televisión- pequeños recuadros que muestran diversas escenografías y los extraordinarios efectos obtenidos al representar incendios, terremotos y naufragios.

Por Ernesto Schoo
Sábado 20 de noviembre de 2010
La Nación.

Interrogación al fantasma de Diderot.

2011-01-23T04:14:00.000-08:00

Denis Diderot (1713-1784) no sólo fue uno de los creadores de la formidable Encyclopédie francesa , esa verdadera biblia del Iluminismo (17 volúmenes de texto, 12 de láminas y dos de índice general), junto con el matemático Jean le Rond d´Alembert, sino que también escribió novelas, ensayos, obras de teatro y un texto que sigue siendo polémico, La paradoja del comediante , publicado en 1773.

Allí sostiene Diderot que el actor no debe sentir lo que su personaje expresa, sino ofrecérselo al espectador mediante una depurada técnica; de otra manera, argumenta, actuar sería un pasaporte seguro a la demencia. Aparte del alboroto que la teoría suscitó en su tiempo -y hasta hoy-, Diderot mismo reconoce, aquí y allá, que su propuesta es contradictoria y que tiene flancos débiles. El texto es un diálogo entre el Primer Interlocutor, que expone la paradoja, y el Segundo que, más que discutirla, se asombra, o se escandaliza, ante cada afirmación del Primero. Casi con seguridad, Oscar Wilde se inspiró en estos diálogos para sus admirables Intenciones .

La conversación empieza, en La paradoja, con una ácida crítica del Primero a una pieza escrita por un amigo del Segundo. Luego se comparan las maneras de actuar de ingleses y franceses: de cómo Garrick, el gran actor británico, magistral intérprete de Shakespeare, se siente incómodo con la declamación de Racine, de la que, según Diderot, "no conoce ni el primer acento". El Primero entra por fin en materia al exigir de un gran actor, como virtud principal, el carecer de sensibilidad (esto es, el "vivir" su personaje hasta fundirse con él) y poseer una profunda comprensión intelectual de su papel. "¿Ninguna sensibilidad?", pregunta el Segundo. "En absoluto -responde aquél-. Si el comediante fuera sensible y de buena fe, ¿podría acaso representar dos veces un mismo papel, manteniendo el mismo calor e igual éxito? Apasionado y fervoroso en la primera representación, llegaría agotado y frío como un mármol a la tercera." Y cita, como ejemplo, a la famosa mademoiselle Clairon, quien "a la sexta representación ya sabe de memoria cada uno de los detalles y de las palabras de su papel. Sin ninguna duda, la artista forjó un modelo y trató de ceñirse a él (?) Pero ese modelo, ya sea tomado de la historia o creado por su imaginación como un enorme fantasma, no es ella misma (?). Cuando, a fuerza de trabajo, se ha acercado a ese modelo tanto como ha podido, todo está hecho: sólo le queda sostenerse firme allí, en una simple cuestión de ejercicio y de memoria". Acabado de leer ese párrafo, cerramos La paradoja? y nos preguntamos: "¿Simple cuestión?".

Por Ernesto Schoo
Sábado 13 de noviembre de 2010
La Nación.

Dionisos andaba de fiesta en fiesta.

2011-01-23T04:12:00.000-08:00

Tiempo atrás, reprodujimos en esta columna algunas reflexiones de Roland Barthes (1915-1980) sobre el teatro. Hacia el final de sus Escritos sobre teatro (reunidos y presentados por Jean-Loup Rivière, Paidós, 2009), el pensador francés revisa las nociones elementales sobre las que se basa nuestro imperfecto conocimiento del teatro griego y emprende lo que prácticamente es un curso acerca de ese tema.

El capítulo dedicado a "Las instituciones" (esto es, las que promovían y reglaban los espectáculos) comienza con esta pregunta: "¿Teatro religioso, o teatro civil?" "Los dos a la vez, sin duda -responde Barthes-: no podía ser de otro modo en una sociedad que desconocía la idea de laicidad. Pero los dos elementos no tienen el mismo valor: la religión (sería mejor decir el culto) domina el origen del teatro griego y está todavía presente en las instituciones que lo regulan en su época adulta, pero es ya la ciudad la que le da su sentido: su ser depende de sus caracteres adquiridos, más que de los innatos. Y si dejamos a un lado la cuestión del coro (que, por otro lado, es un elemento religioso transpuesto), el culto dionisíaco está presente sólo en las coordenadas del espectáculo (espacio y tiempo), no en su sustancia".

"Es sabido que las representaciones teatrales sólo podían tener lugar tres veces al año, con ocasión de las fiestas en honor de Dionisos. Había una jerarquía: las Grandes Dionisíacas, las Lenaianas y las Dionisíacas Campestres. Las primeras, o Dionisíacas urbanas, eran una gran fiesta ateniense (aunque la hegemonía de Atenas les dio pronto un carácter panhelénico) que tenía lugar al comienzo de la primavera, hacia finales del mes de marzo; la fiesta duraba seis días e incluía normalmente tres concursos (de ditirambo, de tragedia y de comedia); en las Grandes Dionisíacas se hicieron la mayor parte de los estrenos de Esquilo, Sófocles y Eurípides. Las Lenaianas, o Lenaias, o más exactamente las Dionisíacas de Lenaion, se hacían en enero: era una fiesta exclusivamente ateniense, más sencilla que las Grandes Dionisíacas, no duraba más de tres o cuatro días y no incluía concursos de dramaturgia. Las Dionisíacas Campestres se hacían a finales del mes de diciembre, en los demos (pueblos) del Atica; los demos pobres honraban al dios con un simple cortejo, los demos ricos organizaban concursos de tragedias y comedias, pero sólo se ofrecían reposiciones, a excepción de los demos más ricos, como el Pireo (el puerto de Atenas), donde, según Sócrates, se estrenó una obra de Eurípides".

Por Ernesto Schoo
Sábado 6 de noviembre de 2010
La Nacion

Abba, musa de Pirandello

2011-01-23T04:09:00.000-08:00

El libro se titula Her Master´ s Echo (?El eco de su maestro´) y el subtítulo es larguísimo: Pirandello y la actriz que conquistó a Broadway en una noche. Lo escribió Pietro Frassica, en inglés, y acaba de publicarlo el sello Troubadour (160 páginas, 14 libras). La actriz es Marta Abba (Milán, 1900-1988), cuya relación con Luigi Pirandello dio mucho que hablar en los años 20 y 30 del siglo pasado, cuando ambos compartieron triunfos y giras tanto en Europa como en América. Hoy se tiene la certeza de que ese vínculo fue platónico, más intenso de parte de él, como se refleja en los ocho años de correspondencia conservada en la Universidad de Princeton: 280 cartas de Marta a Luigi -casi todas sobre temas triviales- y 552 de él a ella, atormentadas, apasionadas, a veces traviesas y, sobre todo, reveladoras de su proceso creador cuando escribía su obra póstuma, que dejó incompleta, Los gigantes de la montaña .

Marta Abba estudió en el conservatorio de Milán y se consagró muy joven, como Nina, en La gaviota , de Chejov. Pirandello la incorporó poco después a su compañía y la convirtió en su musa inspiradora. Frassica asegura que las cartas de él se leen "como una novela romántica". En 1931 le escribe desde París: "Tú haces mi trabajo? Toda mi vida está en ti; tú eres mi arte: sin tu aliento, mi arte muere". Para ella, escribió Diana y la Tuda (1926), L´ amica delle mogli (1927) y Trovarsi (1932). Ella fue también protagonista de Como tú me deseas , Seis personajes en busca de autor , Así es, si os parece , La vida que te di y, sobre todo, de Vestir al desnudo . Max Reinhardt la eligió para ser Porcia en El mercader de Venecia , para el Maggio Florentino de 1928.

La actriz acompañó a Pirandello en su primera visita a la Argentina, en 1927. Hicieron una gira triunfal por las localidades del interior donde primaba la colonia italiana y se fotografiaron juntos en Rosario y en San Nicolás. El subtítulo del libro dice la verdad: Marta -que era pelirroja y hablaba perfecto inglés- conquistó a Broadway en su debut con Tovarich , de Jacques Deval, en 1936 (año en que murió Pirandello). Se casó en 1937 con un riquísimo industrial de Cleveland, del que se divorció en 1952. Volvió a Milán e intentó refrescar sus laureles escénicos, pero no halló eco y, disfrutando de un divorcio muy lucrativo, se dedicó a escribir sus memorias ( La mia vita di attrice ) y a recopilar la correspondencia con Pirandello ( Caro maestro ), que donó a Princeton.

Por Ernesto Schoo
Sábado 30 de octubre de 2010
La Nacion

De Júpiter a la China

2010-12-12T07:22:00.000-08:00

Escritor. Su novela “Más liviano que el aire” ganó el Premio Clarín de Novela 2009.

Por Federico Jeanmaire

Un viaje tan largo, necesariamente comienza muchísimo antes. En marzo de 2008, volvíamos con Juan, de París. Habíamos estado un mes visitando los lugares europeos que más quiero, aquellos donde viví por algún tiempo a fines de la década del setenta y comienzos de los ochenta: España, Francia, Holanda. Contentos, mientras despegábamos, empezamos a charlar acerca de adónde nos gustaría ir si tuviéramos mucho dinero. La primera idea que se le ocurrió a mi hijo, que por ese entonces tenía catorce años, fue Júpiter. Por la enormidad, por la lejanía, por la posibilidad de ver desde allí a la Tierra como una estrella muy pequeña. Yo estuve de acuerdo. Pero, lamentablemente, bastante rápido llegamos a la conclusión de que no sería posible, que no había manera, todavía, por más que juntáramos una montaña de billetes, de viajar hasta allá. Fue entonces que surgió la idea de ir a China. Nos dio la impresión, en ese momento, de que era lo más parecido a Júpiter que teníamos a nuestro alcance. Quedaba en el otro extremo del mundo, se trataba de una cultura diametralmente opuesta a la nuestra, tenía una muralla de piedra inverosímil y miles de guerreros de terracota que un emperador había imaginado como un ejército invencible que lo acompañaría victorioso a la hora de dejar este mundo. Además de que nos caían muy bien las maneras suaves y las sonrisas de nuestros quiosqueros chinos y de los chinos del laverap de la otra cuadra. Nos faltaba el dinero, claro. Por eso, quizá, la cosa no pasó de ahí. No volvimos a hablar del tema, quiero decir.
Una tarde de fines de octubre de 2009, le conté a Juan que era finalista del Premio Clarín de Novela, que en un rato me iba a la ceremonia de entrega, que cualquier cosa le avisaba. Desde la sabiduría que da, seguramente, el haberme escuchado finalista de premios literarios tantas veces antes y casi nunca ganarlos, no le dio ninguna importancia. Se fue a la casa de su madre y se olvidó del asunto. Sin embargo, inexplicablemente, pasó que esa noche gané. Y cuando todavía no había podido avisarle, en medio de la gente que me saludaba, sonó el celular. Era Juan. Un compañero del colegio me había visto por TN y lo había llamado. La manera de mostrar su alegría fue decirme, a los gritos, nos vamos a la China, viejo. Y allá fuimos, por supuesto, en febrero.
Llegamos justo para el festejo del año nuevo. El año del tigre. Una fiesta que es en un punto excesiva pero, al mismo tiempo, íntima. Colosalmente íntima, si cabe la expresión. El cielo se llena de fuegos artificiales. A toda hora, una semana entera. Son los únicos días del año en que no trabajan. Y se juntan. Primero con la familia de los padres de él, luego con los padres de ella, luego con los hermanos, luego con los amigos y así sucesivamente. Repletos de deseos para el futuro y de agradecimientos hacia el pasado, los chinos creen fervientemente en que el humo los comunica con los padres celestiales. Por eso los sahumerios, también.
Fue increíble, de algún modo, que nos permitieran vivir ese año nuevo con ellos. Es cierto, también caminamos por la muralla y vimos los guerreros en Xian y una infinidad de pagodas por todos lados y le pedimos a Buda, con éxito, que Racing no se fuera al descenso. Sin embargo, lo más importante que aprendimos, seguro, es que los chinos no son Júpiter, no son tan distintos de nosotros, quiero decir, aunque sean muy distintos entre sí. Y la pasamos bien. Muy bien.

Viajes y turismo 12 dic 10

Al ritmo del 2x4 en una milonga de París

2010-12-12T07:18:00.000-08:00

Por Silvia Hilario.
Autora, directora y actriz de teatro

En 1998 pude cumplir uno de mis sueños y viajé por primera vez a Europa. Uno de los destinos más esperados era París, adonde llegué muy entusiasmada y ansiosa por conocer todos aquellos paisajes que tantas veces había visto en las películas. Debo confesar que iba dispuesta a sentirme, desde el primer instante, la protagonista de un rodaje a orillas del Sena. Así empecé a recorrer las glamorosas calles parisinas, con toda la actitud y la buena onda posibles. Hasta que llegó mi primera noche en París. Me encontré con una amiga que me invitó a su casa, pero para mi sorpresa, me calzó unos zapatos de taco altísimos que me quedaban enormes y me dijo: “¡Vamos a la milonga!”.
Nunca había bailado tango en mi vida. Y además, yo esperaba una salida mucho más francesa y menos porteña. Finalmente, llegamos a la “milonga”: en perfecto castellano, una muchacha me saludó con un “buenas noches” y nos señaló el camino a seguir. Nos esperaba una multitud de argentinos y unos pocos europeos, todos moviéndose al compás de D’Arienzo. Pero eso no era todo. En el lugar, había también ¡una pantalla gigante en la que se proyectaba “Sólo Tango”! Con una mano en el corazón, me aburrí muchísimo porque todos bailaban menos yo, y no tenía la menor intención de aprender a bailar tango estando en París. ¡Hubiera sido el colmo! De todas maneras, como mi amiga insistía con ir todas las noches a “la milonga”, hice unos cuantos intentos fallidos de armar otro programa nocturno durante mi estadía. Las salidas tangueras perduraron y, finalmente, salí bailando al ritmo del 2x4.

Viajes y turismo Clarin 12 dic 10

Pegaditos y juntitos, así se baila el tango.

2010-11-28T05:48:00.000-08:00

Por Jorge Huertas
Autor y director

Estábamos de gira por Grecia, con el Teatro Repertorio del Norte, llevando una adaptación para coro y bandoneón de la tragedia “Antígonas” de Sófocles. Ibamos con un poco de miedo porque era un festival con muchos académicos, y nosotros habíamos hecho una apuesta artística muy porteña. No sabíamos cómo responderían el público y la crítica. Nos presentamos en la ciudad de Pilos, en la plaza de armas de un castillo del siglo XIII. Y justo antes de salir a escena, la pantalla de traducción ¡dejó de funcionar! Sólo sonaba el bandoneón. Finalmente escuchamos una explosión de aplausos, tranquilizadora y gratificante. Cuando terminó la función, se nos acercó un señor muy emocionado y nos invitó a su bellísima mansión, con vista a la bahía. Nos sirvió manjares, tomamos vino –griego, por supuesto– y nos sorprendió el amanecer cantando tangos. El éxito de la noche fue una versión de Pasional, a dúo con nuestro director Roberto Aguirre. Y una de las actrices –que bailaba muy bien el tango– intentó enseñarle algunos pasos al dueño de casa. El quedó prendado de ella y de sus elegantes movimientos.

Pero de los pasos del 2x4 pasamos a una seguidilla de pasos de comedia, ya que la esposa del dueño de casa no sabía de la cadencia fogosa del tango danza y se enojó mucho al pensar que la chica estaba intentando seducir a su marido. Con el idioma que nos jugaba en contra, nos costó bastante convencerla de que el tango es así y que no se trataba de ninguna insinuación. Como los ánimos no se calmaban, decidimos dejar la mansión antes de que se desatara una verdadera tragedia griega.

Viajes y turismo Clarin 28 nov 10

Cuba por LUCIANO CACERES

2010-11-28T05:43:00.000-08:00

Terminábamos de hacer “La Felicidad”, de Javier Daulte en el Teatro del Pueblo, cuando vi un aviso de viajes a Cuba. Tres días después, Gloria Carrá –super-producida y a las corridas– salió de la entrega de premios de Clarín y, sin escalas, pasó a buscarme para tomarnos el avión a La Habana. Hacía sólo 15 días que estábamos de novios.

En las calles de La Habana suenan música y risas todo el tiempo y las puertas de las casas están abiertas. Como si fuera un pueblito de provincia donde todo el mundo se conoce y confía, por la tarde los vecinos se sientan en los umbrales a conversar mientras los chicos juegan. La ciudad de las columnas y recovas puede tener la pintura descascarada y parecer quedada en el tiempo, pero tiene vitalidad de sobra.

No seguimos los itinerarios recomendados por la guía de turismo y preferimos, en cambio, deambular por nuestra cuenta. Más que las hermosas iglesias coloniales, monumentos históricos o el Malecón que bordea ese mar fabuloso, lo que más me impactó fue la gente, tan amigable y tan culta. Se puede hablar con un cubano sobre cualquier tema y seguro que sabe más que uno. Se interesan por lo que uno cuenta; viven y hablan de sus dificultades con dignidad y dicen piropos sin prejuicios. Caminan como si bailaran, hablan como si cantaran, y son muy graciosos con el imperativo “Chico, usted tiene que conocer…”. ¡Son increíbles! Un mediodía, hacíamos fotos en la Catedral cuando se acercó Antonio, un habanero. Nos propuso almorzar en una casa de familia y lo seguimos por varias cuadras. Una señora nos recibió en su modesto living y nos comentó las opciones gastronómicas. Encargó por una ventanita las provisiones que no tenía, y a la media hora comimos un pescado delicioso con arroz y frijoles que nos costó centavos.

L a ciudad está llena de arte: música, cine, libros, pintura y baile forman parte de la vida cotidiana. Vimos íconos como el espectáculo Tropicana. Recorrimos ateliers y elegí obras con mucho color. Caminamos sin rumbo fijo y, guiados por la música, nos metimos cada noche en un bar cualquiera a disfrutar sones, boleros y salsa tocados por excelentes músicos desconocidos. Recuerdo un barcito por el Malecón, El Hurón Azul, donde un cubano me pidió permiso para bailar con Gloria un bolero. Hay muchos lugares así, y todos son muy buenos. La Habana nos fascinó.

También estuvimos en Varadero, pero huimos del “estilo shopping” típico de los complejos de lujo y, con el agua translúcida hasta la cintura –y algunos víveres a cuestas–, cruzábamos a una playita agreste a pasar el día. Estando allí conseguimos entradas para ver Buena Vista Social Club y fue genial escuchar a esos músicos enormes –tan vitales aunque el más joven tenga más de 70 años– que hacen un show inolvidable.

Días después, tomamos un avión con pinta de colectivo y al rato aterrizamos en el paraíso: Cayo Largo. Nos alojamos en una cabaña frente al mar en una playa tan blanca que parecía de harina. Lo reconozco, hicimos vida de bacanes ociosos. Disfrutamos del sol y de la belleza inusitada del paisaje, comimos langostas, tomamos incontables mojitos y por las noches nadamos en el tibio mar Caribe iluminado por la luna.

El viaje fue una perfecta luna de miel. Cuando regresamos decidimos casarnos.

Viajes y turismo Clarin 28 nov 10

Estados Unidos por HERNAN PIQUIN

2010-11-28T05:38:00.000-08:00

Viajé por primera vez a San Francisco en 1998. En ese tiempo era primer bailarín del ballet del Teatro Colón y le conté a Ricardo Bustamante –director del ballet que se despedía de su tarea aquí– las ganas que tenía de bailar en los Estados Unidos. El me alentó y viajé a dar una audición en el Smuin Ballet de San Francisco.

Cuando llegué me alojé en el Grand Hyatt, un hermoso hotel a pocos pasos de Union Square, en pleno centro de la ciudad. Es una zona llena de tiendas, centros comerciales, movimiento y perfectamente conectada para movilizarse hacia cualquier rincón de la ciudad. Además, cercana al Smuin, donde yo debía bailar.

La ciudad de San Francisco está asentada sobre colinas y eso hace que las calles sean famosas por sus empinadas cuestas, con subidas y bajadas muy pronunciadas. Yo bailaba todo el día y, la verdad, tenía pocas ganas de subir una empinadísima cuesta porque, vale la redundancia, ¡cuesta muchísimo! Entonces, para ir de un lado a otro tomaba un taxi o el Muni, una especie de subterráneo que también circula por superficie.

En mis primeros paseos recorrí Chinatown (Barrio Chino) con sus tiendas brillantes y coloridas. Estudié la ciudad desde lo alto de la torre Coit Tower. Anduve por la sinuosa y elegante calle Lombard, y visité el Barrio Japonés.

También viajé en Cable Car, el tranvía ícono de San Francisco, que hace un recorrido muy lindo y cuando trepa alguna cuesta, se ve la imagen panorámica de la bahía de aguas turquesas, el Golden Gate y el Fisherman’s Warf. Todo lo que me relaja siempre está cerca del mar y adoro ese lugar porque me produce una calma infinita.

Del otro lado del puente, Sausalito y Tiburón son fantásticos para ver el Pacífico con la ciudad que se recorta en el fondo.

Me cautivó conocer el Muir Woods, un bosque de secuoyas gigantes. Es increíble caminar entre los seres vivos más altos de la Tierra: los árboles miden más de 100 metros y son alucinantes.

Si bien San Francisco tiene fama gourmet y se encuentran todas las comidas étnicas que uno pueda imaginar, y yo disfruté de mi comida favorita: las ensaladas de Green Garden o de Alioto’s en el Fisherman’s Warf, y los deliciosos jugos de frutas de Jamba Juice.

Finalmente di mi audición y fui elegido primer bailarín del Smuin Ballet. Me quedé a vivir en esa ciudad por cinco años. Me mudé a Sausalito, un lugar soñado que parece salido de un cuento, cruzando el magnífico Golden Gate. Atravesarlo todos los días con el auto o tomar el ferry y navegar cerca de la ex prisión de Alcatraz y llegar al muelle, era un deleite para mis ojos. Los días de niebla, ese puente de color naranja y la bahía entre la bruma me resultaban un paisaje de una belleza conmovedora.

San Francisco tiene lugares preciosos y viví momentos inolvidables en aquellos años. Desde el principio quedé maravillado por el estilo de vida y la simpatía de la gente que iba conociendo, siempre con sonrisas amables, diciendo perdón y gracias. Personas muy agradables que conviven en un clima de respeto y tolerancia.

Hice buenos amigos como los Murphy y, en especial, mi adorada amiga Dalyn Chew, que es mi familia en San Francisco. Sí, volvería. Es que tengo muchas razones para regresar.

Viajes y Turismo Clarin 28 nov 10

Gran tormenta en una mansión de Golden Beach.

2010-11-21T05:50:00.000-08:00

Por Gerardo Chendo
Actor

En febrero de 1998, un amigo adinerado me ofreció pasar una temporada en su casa de Miami. Amparados en el “1 a 1” reinante, hacia allá nos dirigimos con mi novia. Cuando llegamos a la ciudad, lo primero que hicimos fue buscar el auto que habíamos alquilado desde Buenos Aires. Atardecía y enseguida notamos que había mucho viento. Tanto, que las palmeras ¡y hasta los semáforos! oscilaban como juncos en el río. “¡Qué raro!”, pensamos, y luego de perdernos y asustarnos con la lluvia cada vez más fuerte, arribamos a una mansión gigante con playa propia, pero que lucía desoladora en medio de la gran tormenta. Ingresamos bajo el diluvio y el mar rugía a centímetros de nuestros mil ventanales. El viento soplaba con más fuerza. Encendimos la tele y vimos, espantados, que ¡un tornado se dirigía hacia “Golden Beach”! Sí, era la zona residencial en donde nos encontrábamos. Y cuando estaban diciendo que “se recomienda a la población permanecer en sus hoga...”, ¡se cortó la luz! Mientras buscábamos velas, a tientas, en esa casa inmensa y ajena, escuchamos un ruido seco y luego una cascada en el living. Las cuatro velitas raquíticas de cumpleaños que encontramos nos ayudaron para ir hasta el teléfono y llamar a mi amigo de Buenos Aires: intentó tranquilizarnos explicando que la casa era anti-tornado, anti-sismo, anti-todo. Así fue como nos acurrucamos en el cuarto de huéspedes y nos desmayamos del estrés. A la mañana siguiente, bien soleada, nos enteramos de que el tornado se había desviado hacia un lugar –no muy lejano, por cierto–, donde volaron varios techos.

Clarin 23 nov 10

Doce horas seguidas de sorpresas y más sorpresas.

2010-11-21T05:45:00.000-08:00

Por Yusa
Compositora musical e intérprete.

Algunos viajes encierran anécdotas insólitas, que muchas veces reflejan los contrastes culturales de los lugares que visitamos. Un ejemplo de ello fue lo ocurrido en Japón. Yo estaba haciendo un ciclo de conciertos en el Blue Note Jazz Club de Tokio, y se organizaron entrevistas en la habitación del hotel donde yo me hospedaba. Me esperaba una jornada intensa, ya que se habían pautado notas desde las 9 hasta las 21, con una traductora.

Cuando llegó el primer periodista, me saludó respetuosamente y me entregó un presente. Me pareció un detalle delicado y le puse toda mi energía al primer encuentro. Entonces le hicieron una seña porque su tiempo había terminado, se puso de pie, dio las gracias y se retiró. En la puerta esperaba otro periodista que, al igual que el primero, había llegado muy puntual y también ¡me entregó un regalo! Eso me desconcertó... “¿Sería una costumbre nipona llevar regalos a las entrevistas?”. Yo pensaba en esto mientras conversaba, y empezaba a desear con ansiedad la llegada del tercer periodista... Efectivamente, al llegar, le miré las manos y ¡también traía un regalo! Tengo que admitir que no me importó para nada dar tantas notas seguidas, ya que nunca antes –ni después– viví la experiencia de recibir sorpresas durante doce horas seguidas. La jornada llegaba a su fin y apareció un último periodista fuera de agenda al que no dejaban pasar porque ya eran las 21. ¡Faltaba más! Les pedí a los organizadores que hicieran una excepción. Y grande fue mi sorpresa –y mi decepción– al comprobar que no era japonés y... ¡venía con las manos vacías!

Clarin 13 nov 10

Con atuendos inapropiados por las calles de Egipto.

2010-11-21T05:40:00.000-08:00

Por Diego Schissi
Pianista y compositor.

En octubre de 2002 fuimos invitados a participar de la inauguración de la Nueva Biblioteca de Alejandría. Llegamos a El Cairo, Egipto, y vimos las Pirámides de lejos, con la impotencia de no tener un minuto para acercarnos. Es que toda la concentración estaba puesta en la ceremonia inaugural de la Biblioteca. En el hotel nos recibieron con una deliciosa bebida frutal porque los musulmanes no beben alcohol, y comenzamos con los ensayos de nuestra canción de tres minutos. Pero cada vez que teníamos que entrar al predio adonde iba a realizarse la gran ceremonia, debíamos pasar por medidas de seguridad de película porque era reciente la sombra del atentado a las Torres Gemelas.

Finalizada una jornada agotadora de ensayos –con detectores de metales y comida escaneada y fría incluidos– salimos a dar un paseo. Hacía muchísimo calor y los bares se iban poblando de hombres. Las pocas mujeres que vimos en la calle iban con el rostro cubierto y en grupos. Yo iba tranquilo con mis dos compañeras, extasiados por los colores y aromas nuevos, hasta que empezamos a sentir que los observados y exóticos éramos nosotros.O mejor dicho, ellas. Los hombres decían cosas que no entendíamos y las miraban como si fueran extraterrestres. Las chicas llevaban musculosas de colores, con las piernas y brazos desnudos. ¡El atuendo era una obscena provocación para ellos! Ante su creciente malestar, empezamos a apurar el paso, para lanzarnos a una carrera desesperada hasta el hotel. No sólo llegamos en un estado lamentable, sino que perdimos el interés por el “color local”.

Clarin 20 nov 10

Aquellas máquinas creadoras de ilusión.

2010-11-21T05:16:00.000-08:00

Interrogación al fantasma de Diderot.

2010-11-21T05:14:00.000-08:00

Dionisos andaba de fiesta en fiesta.

2010-11-21T05:12:00.000-08:00

Abba, musa de Pirandello.

2010-11-21T05:10:00.000-08:00

Los veinte años de Andamio 90.

2010-11-21T05:09:00.000-08:00

Quien la vio en Medea , de Jean Anouilh, allá por 1952, o en La otra madre , de Gorki, o en Sopa de pollo con cebada , de Arnold Wesker, no la olvidará. Era una actriz formidable, y más que eso: directora y maestra de actores, también. Suele decirse (y es verdad) que Alejandra Boero (1918-2006) fue una de las figuras más talentosas y tenaces en la promoción del teatro independiente en nuestro país y en América toda. Pero así se la limita. Porque Alejandra vivió en función del teatro, más allá de un determinado radio de acción: el teatro, el gran teatro -el de mayor calidad, el más avanzado y profundo en la indagación de la ambigua naturaleza humana y su caprichosa conducta- era su pasión, y a ella se entregó sin reparar en obstáculos. De La Máscara a Nuevo Teatro, de Maipú 28 a Corrientes 2120, del Planeta al Lorange, ni los problemas económicos ni la censura ni la persecución política la desanimaron jamás. A los ochenta años, seguía actuando, enseñando y peleando por sus ideales como si tuviera veinte.

Aunque la fecha oficial de inauguración fue el 9 de diciembre de 2000, hoy comienzan las celebraciones por los veinte años de su creación postrera y perdurable: Andamio 90, que no es tan sólo un espacio con múltiples posibilidades para la representación teatral, sino también una escuela de formación de actores, de merecido prestigio, y un ámbito para la reflexión y la discusión de esa materia en constante movimiento: el teatro, acaso la forma de arte más apta para unir a una comunidad y transmitir sus valores. Ninguna forma teatral fue ajena a la inquietud de Alejandra: en Andamio se cultivó la vanguardia y lo clásico, se transitó de Aristófanes a Miller, de O´Neill a Ariane Mnouchkine ( 1789 ), de Bernard Shaw a Tony Kushner ( A ngeles en América), con especial hincapié en los autores nacionales.

Es impresionante la lista de intérpretes formados junto a Alejandra, que la acompañaron desde los comienzos de su dilatada y fecunda carrera: Héctor Alterio y Carlos Gandolfo (que se alternaban como Jasón, en la Medea de Anouilh), Onofre Lovero, Enrique Pinti, los hermanos Caldi, Juan Carlos Puppo, María Eugenia Daguerre, Walter Soubrié, Antón (que sería luego un destacado escenógrafo), Tacholas. También a ella y a Pedro Asquini, su compañero en la aventura de Nuevo Teatro, debemos el primer contacto de nuestros espectadores con la escena circular.

Tras largos años de trabajo y de mudanzas (no voluntarias, sino causadas, entre otras razones, por los vaivenes económicos del país), Alejandra por fin tuvo su sala propia, diseñada según sus deseos y a costa de un considerable esfuerzo, al que contribuyó en parte un legado del arquitecto Francisco García Vázquez, gran amigo de Boero y amante del teatro, más el aporte del Fondo Nacional de las Artes y otros.

Por Ernesto Schoo - La Nacion 23 oct 10

Recuerdos de un estreno.

2010-10-23T04:01:00.000-07:00

En la primavera neoyorquina de 1979 vi por primera vez Sweeney Todd , en su temporada inaugural, en el Uris Theatre. Fui atraído en primer lugar por Angela Lansbury, una actriz que me fascina; no esperaba tener una experiencia semejante, no sólo por la inmensa Angela, sino también por el espectáculo todo, uno de los más notables que he visto en mi larga carrera de cronista teatral. Dirigida por Harold Prince, descubrí que no se trataba de una comedia musical de calidad excepcional, sino de una verdadera ópera. Opera de humor negro en grado superlativo, hasta ingresar en la categoría de ese género de horror llamado Grand-Guignol.

Acostumbrado a los musicals gratos y más o menos convencionales, de los que ya había visto algunos ( My Fair Lady, Annie, South Pacific, Evita, Kiss Me Kate ), y amante de la zarzuela y la opereta (la primera vez que mis padres me llevaron al teatro de noche -otra experiencia memorable-, cuando yo tenía diez años, fue para ver El país de las sonrisas , de Lehár, en el Odeón, por la compañía de Susini), el encuentro con Sweeney Todd asumió rasgos de acontecimiento. Porque la música tenía ahí una presencia contundente. No era el simple comentario de la acción ni pretendía ser melódica y volverse pegadiza: pese a no tener nada que ver con trompetas y timbales, poseía una virtud dramática casi wagneriana, cercana a lo trágico, pero a lo trágico visto con la distancia irónica característica de Sondheim (recordemos, por ejemplo, esa maravilla que es "Send In the Clowns", de A Little Night Music ).

Y después, o ante todo, la prodigiosa Lansbury en un papel que parecía escrito para ella (tal vez lo fue), con esa cuota de locura solapada que pone en todos sus personajes, aun los más inocentes. La perversidad de la señora Lovett -que para ella no es tal, sino algo así como una consecuencia de la teoría de Darwin- le era tan afín como la graciosa impronta cockney que daba a sus parlamentos. Cuatro años después volví a ver Sweeney Todd en una reposición, siempre en Broadway, con Dorothy Loudon como la señora Lovett y George Hearn en el protagonista (que había estrenado Len Cariou). Con ese curioso mimetismo que se advierte en las reposiciones neoyorquinas, no había grandes diferencias en las interpretaciones.

Una curiosidad: Sondheim y su libretista, Hugh Wheeler, se basaron en una obra de teatro, justamente titulada Sweeney Todd, the Demon Barber of Fleet Street , de un tal Christopher Bond, dramaturgo inglés, que a su vez partió de una leyenda urbana londinense, nunca verificada pero de largo arraigo en el imaginario popular desde mediados del siglo XIX. Los únicos datos que figuran en Google sobre el señor Bond son que nació en 1945 y vive en el campo.

Por Ernesto Schoo La Nacion 6 oct 10

El teatro de los horrores.

2010-10-23T03:59:00.000-07:00

Lectores seguramente jóvenes me preguntan qué es el Grand-Guignol, género al que pertenecería, según lo escribí el miércoles pasado en una columna de esta sección, Sweeney Todd . Guignol, a secas, fue un títere creado por gente de teatro de la ciudad de Lyon, en el siglo XVII, como portavoz de la opinión pública: al modo de nuestros Pepino el 88, o Enrique Pinti, el muñeco hacía comentarios mordaces sobre funcionarios corruptos, vecinos molestos, los excesos impositivos, la burocracia ineficaz. Hacia 1894, a un tal Oscar Méténier se le ocurrió abrir en París, al fondo de un pasaje en el barrio de Pigalle -20, rue Chaptal-, en lo que había sido una capilla desafectada, una pequeña sala (293 localidades) a la que bautizó Grand-Guignol, dedicándola al cultivo del horror. Explotaba la curiosidad morbosa, común a casi toda la humanidad, por los excesos del crimen y la violencia cuando se los puede contemplar desde una cómoda butaca, sin real peligro pero experimentando el escalofrío de la proximidad.

Méténier se especializó en ofrecer espectáculos de un verismo alucinante, pródigo en torturas, mutilaciones y litros de sangre de utilería, con la ayuda de un prolífico autor llamado André de Lorde, responsable, entre 1901 y 1926, de un centenar de obras en colaboración con el psiquiatra Alfred Binet. El escenario predilecto era un manicomio, donde internados y profesionales se entregaban a toda clase de tropelías, como lo testimonian algunos títulos: El laboratorio de las alucinaciones, Un crimen en el manicomio, La horrible pasión demencial . Etcétera. Cada uno de los sucesores de Méténier se esmeró en perfeccionar técnicamente los horrores perpetrados en el escenario, cuya víctima predilecta fue una actriz, Paula Moxa, apodada "la mujer más asesinada del mundo", quien entre 1917 y 1930 fue (dice la estadística) 10.000 veces sacrificada de 60 maneras distintas de sadismo, y 3.001 veces violada.

La publicidad del Grand-Guignol aseguraba que no menos de dos espectadores (mujeres, sobre todo) se desmayaban por noche. Entre nosotros, el máximo cultor del género, en un infrecuente nivel de calidad, fue Narciso Ibáñez Menta -la inolvidable serie televisiva de Obras maestras del terror -, con la colaboración de su hijo, Narciso Ibáñez Serrador, quien prosiguió en España la vocación paterna. Los últimos estertores del Grand-Guignol original se dieron después de la Segunda Guerra Mundial, cuando el director que lo clausuró, Charles Nonon, declaró: "Los horrores de nuestro tiempo han superado, lejos, a cualquier ficción".

Por Ernesto Schoo - La Nación 9 oct 10

Aristóteles no sabía de teatro.

2010-10-23T03:56:00.000-07:00

El dramaturgo e investigador inglés Steve Waters publicó, el 4 de este mes, en The Guardian , de Manchester, una nota titulada "Aristóteles no sabía nada de teatro", que ha despertado polémica no sólo en el Reino Unido. La nota comienza así: "Tengo un problema con Aristóteles. No el Aristóteles que reflexiona sobre el ser, la política o la ética, sino el que, sobre las huellas de las tragedias griegas, intentó codificar lo que hacía la grandeza de esas obras. Su Poética es un fragmento de notas, parte de una más amplia refutación del ataque de Platón a los poetas". Recordemos que Platón proponía desterrar de la ciudad ideal a los poetas, porque "no se ocupan sino de amor".

"Aristóteles -prosigue Waters- empieza con un tono bastante neutro, pero a partir de su punto tres ("Cómo deben construirse las tramas si la obra ha de ser un éxito artístico") se vuelve dogmático. A medida que avanza, asume el papel de consejero, ofreciendo afirmaciones tan famosas como «la tragedia no puede existir sin una trama, pero sí sin personajes» (¿no me diga?). Sus consejos demostraron ser irresistibles para los dramaturgos de sucesivas generaciones. Alguien definió admirablemente su prédica como «aristotalitarismo», lo que dio como resultado el neoclasicismo de Jonson, Dryden o Corneille, con su rechazo de las ilegítimas licencias que se tomaba Shakespeare. Dondequiera el argumento predomina sobre todos los demás aspectos de la dramaturgia, el fantasma de Aristóteles está a la vuelta de la esquina".

"La flaqueza fatal de la Poética es que se trata de la visión de alguien ajeno a la dramaturgia. Demasiado a menudo el código aristotélico de las convenciones parece proponer que las obras no son más que la suma de sus partes y el autor, un frenólogo que detecta a un asesino por la forma de su cráneo. Encontrar una receta para acertar es muy tentador. Los términos técnicos griegos suenan llenos de autoridad: tome un poco de dianoia, agréguele algo de sofrosine, espolvoree con anagnórisis, someta todo a una peripecia y espere la inevitable catarsis (?) ¿Qué podría decir Aristóteles sobre las unidades de acción, tiempo y lugar, frente a Las bacantes de Eurípides, o la trilogía de la Orestíada, y más aún sobre cualquier obra de Aristófanes? (?) Me complazco en sacarme el sombrero ante los ilustres griegos, pero hago pito catalán a sus discípulos. Escribir teatro es algo demasiado rico y extraño para sus mentes ordenadas."

Por Ernesto Schoo - La Nacion 16 oct 10

Los veinte años de Andamio 90.

2010-10-23T03:54:00.000-07:00

Por Ernesto Schoo - La Nación 23 oct 10

El dramaturgo más politizado.

2010-09-25T04:32:00.000-07:00

Si a un aficionado al teatro le preguntan a boca de jarro cuál es el más politizado de los dramaturgos, es casi seguro que en el 90 por ciento de los casos contestará: "Bertolt Brecht". Otros candidatos: Ibsen ( Los pilares de la sociedad, Un enemigo del pueblo ), Michael Frayn ( Copenhague, Democracia ) y hasta Shakespeare mismo, con sus tragedias sobre los reyes. Ninguno de ellos, asegura George Steiner en La muerte de la tragedia (Monte Avila Editores, Caracas, 1991). El candidato por él postulado es el francés Pierre Corneille (Ruán, 1606-París, 1684), el autor de El Cid, Horacio, Cinna y muchos otros clásicos de la tragedia neoclásica francesa del siglo XVII, el antecesor y rival de Jean Racine (1639-1699).

Corneille ubicó sus tragedias en la antigua Roma, "para ejemplificar las condiciones políticas reinantes durante los últimos años de Luis XIII y el comienzo de la autocracia de Luis XIV. El motivo de Roma domina las piezas de Corneille, desde Horacio hasta Suréna. Dichas piezas constituyen el principal conjunto de tragedias políticas en la literatura occidental". Y explica Steiner: "Corneille poseía una comprensión cabal de la naturaleza trágica del poder político (?), una comprensión moderna de la naturaleza autónoma de la vida política. Y había dado con una verdad axial: la política es una traducción de la retórica en acción (?) Los personajes de su teatro literalmente llegan a odios irreconciliables a través de las palabras que pronuncian. Las palabras nos arrastran a confrontaciones ideológicas que no admiten retiradas. Tal es la tragedia raigal de la política. Consignas, clisés, abstracciones retóricas y falsas antinomias llegan a posesionarse del espíritu ("el Reich del milenio", "la rendición incondicional", "la lucha de clases"). El comportamiento político ya no es espontáneo y no responde a la realidad. Se congela alrededor de un núcleo de retórica inerte (?) El lenguaje aprisiona a los políticos en la ceguera de las certezas, o la ilusión de la justicia. En vez de convertirnos en amos del lenguaje, nos tornamos en sus siervos. Tal es la condenación de la política. Corneille sabía con exactitud cómo se lleva a cabo este proceso. Ningún otro dramaturgo lo iguala en comunicar la sensación, la complicación y la cancerosa vitalidad del conflicto político. Sólo Tácito puede rivalizar con Corneille en mostrar cómo los hombres quedan encerrados en la materia de las circunstancias políticas, esa materia que nubla y oprime a los espíritus".

Por Ernesto Schoo La Nacion 25 sep 10

Manucho, autor, actor y espectador.

2010-09-19T06:00:00.000-07:00

La feliz coincidencia de que esta columna aparezca en el mismo día en que se conmemora el centenario de Manuel Mujica Láinez (1910-1984), convida a evocar la relación del famoso escritor con el teatro.

Una relación iniciada en la infancia, cuando escribió una obrita en verso, y cimentada durante la estada en Francia de la familia Mujica (París era más barata que Buenos Aires), a comienzos de los años veinte. Manucho y su hermano menor, Buby, fueron internados en un liceo parisiense, del que salían los jueves a la tarde, cuando su madre, Lucía Lainez de Mujica Farías, los llevaba a los museos o a las célebres matinés de la Comédie, donde el futuro novelista conoció el teatro clásico francés. Racine, Corneille, Marivaux, Molière, le transmitieron a Manucho un notable dominio de esa lengua. Años después devolvería las atenciones con una espléndida traducción en verso de Fedra , de Racine, que María Rosa Gallo y Adrián Ghio estrenaron en el Cervantes, dirigidos por Rodolfo Graziano, a fines de los setenta. En la década anterior, Mujica había escrito, con Guillermo Whitelow, una pieza titulada El sueño alquilado , que ofrecieron a Lola Membrives. "Doña Lola nos recibió muy cordialmente -recuerda Whitelow-, y nos dijo que, si bien la obra le gustaba, era más de conjunto que para su lucimiento personal, sin un papel preponderante para ella".

Una gran amistad unió a Manucho con Blanca Podestá. En el Museo del Teatro, en el Cervantes, se expone un tintero español de mayólica del siglo XVI, que perteneció a la fundadora de esa sala, María Guerrero. Mujica lo atesoraba entre sus objetos más preciados y con motivo de un cumpleaños se lo regaló a Blanca, quien a su vez lo donó al museo. Una anécdota: cuando, a fines de los años cincuenta actuó en el Odeón la Compagnia dei Giovanni (Romolo Valli, Giorgio di Lullo, Rosella Falk y Anna Maria Guarnieri), a Manucho, como director de relaciones internacionales de la Cancillería, le tocó ofrecerles una recepción oficial. "Nos estaban sacando una foto -recordaba-, yo tenía a mi lado a Rosella Falk, una actriz notable, físicamente parecida a Greta Garbo. Ella llevaba un abrigo de visón; yo estaba fumando y, sin darme cuenta, había empezado a quemárselo. La Falk, por suerte, en el momento no lo advirtió".

Cabría también anotar aquí su labor como libretista de la ópera Bomarzo , sobre su novela homónima, con música de Alberto Ginastera. Sin olvidar la deliberada teatralidad con que Mujica vestía a su personaje mundano: el monóculo, los anillos, la capa y, en los últimos años, el sombrerito de tweed y la varita flexible, a modo de bastón.

Por Ernesto Schoo La Nacion 11 sep 10

De calores, lechones y estampillas

2010-09-19T05:50:00.000-07:00

Miguel Jorda, actor y director.

Estábamos de gira recorriendo el país en una confortable 4x4, viajando desde Santa Fe hacia Tucumán. Habíamos empezado el viaje por el Sur, corría el mes de diciembre y nos faltaba actuar en Tucumán, Salta y Jujuy. Eramos cinco los pasajeros en la camioneta y teníamos aire acondicionado, buena música y bebidas frescas. Es decir, todo prometía ser un viaje placentero. Sin embargo, pinchamos una cubierta en el medio de la ruta, rodeados por cientos de autos y micros que iban y venían a toda velocidad. Y además, hacía un calor sofocante.

El chofer bajó del auto, hizo malabares con la rueda de auxilio y dijo: “Vamos, que falta menos!”, con un increíble buen humor. Pero a los 20 km escuchamos un estruendo que obligó a detener la marcha nuevamente. El chofer bajó y con su mejor sonrisa nos advirtió: “Seguimos, pero ya no tenemos aire; tendrán que abrir las ventanillas”. La solución no fue del todo feliz, ya que entraban ráfagas de aire hirviendo y sólo nos aliviaba tomar mucho líquido. Por si todo esto fuera poco, en en cada destacamento caminero nos paraban por alguna cuestión. Pero aún no habíamos visto todo: en un paraje de Santiago del Estero, nos detuvo un policía: “Hermanito, se acercan las fiestas y te pedimos si nos podés comprar una rifa”. El chofer preguntó qué rifaban y la respuesta fue “un lechón”. Y para convencernos, agregó: “Si ganás, te lo mando por correo”.

Viajes y turismo Clarin 18 sep 10

Debut y despedida de un jinete

2010-08-29T06:36:00.000-07:00

Por Ariel Iannotti Actor y autor de “Noctámbulo”.

No recuerdo cuándo ni cómo surgió mi fanatismo por los caballos, pero en los años de mi infancia, a mí me encantaban esos animales tan altos y elegantes. Siempre me quedaba observando cómo corrían en las series y en las películas, admirando su gran porte. Sin embargo, nunca había tenido la oportunidad de montar a caballo, ni siquiera uno de los ponies que se encuentran en la puerta del Zoológico para que uno se tome fotografías...

Mi oportunidad iba a llegar en un viaje a Córdoba, cuando tenía doce años. Mis tíos me llevaron a un circuito donde se podía andar a caballo. ¡Finalmente iba a cumplir mi sueño! Y trotar, galopar al viento y a toda velocidad como lo hacían los héroes en la pantalla del cine. Con una alegría indescriptible, me subí a uno. Entonces, el instructor nos explicó cómo hacer para que el animal avanzara, trotara o se detuviera... Pero yo estaba tan emocionado que no le di importancia a sus explicaciones. Los problemas comenzaron cuando el grupo de gente comenzó a avanzar en sus caballos y yo intenté seguirlos: ¡mi corcel salió corriendo! Intenté frenarlo tirando de la cuerda pero el caballo iba cada vez más rápido. Desesperado, empecé a gritar “¡Pará, loco, pará!”. Y más corría. En un momento determinado, el animal –que afortunadamente, conocía el recorrido– se detuvo de golpe al llegar al final de la pista. Totalmente desilusionado, desde ese día no volví a subirme a un caballo.

Viajes y Turismo 29 ago 10 Clarin

Irlanda intenta rescatar a Samuel Beckett.

2010-08-29T06:23:00.000-07:00

En su edición del pasado 23 de julio, el Times Literary Supplement contabiliza cinco libros de edición reciente dedicados a Samuel Beckett (1906-1989) y su obra: cuatro ensayos y una biografía escrita por Andrew Gibson. El autor de las reseñas, Mark Nixon, parte de la intensa campaña desarrollada por Irlanda para subrayar la calidad de irlandés del célebre escritor, e incita a verlo como un icono representativo de su pueblo y su tradición. "La apertura del puente Samuel Beckett en Dublín, en diciembre de 2009, significó la apoteosis de un proceso tendiente a reubicar a Beckett en el paisaje cultural irlandés, proceso que ya mostró extravagantes celebraciones en el centenario de su nacimiento, en 2006, y la emisión de un euro-Beckett en ese mismo año."

La euforia tropieza con un hecho innegable: Beckett pasó la mayor parte de su vida fuera de Irlanda, sobre todo en Francia, y sus textos más importantes los escribió en francés. Rara vez volvió a Dublín; nunca de buena gana. Y, acaso lo más importante, su obra carece prácticamente del concepto de hogar, patria o nacionalidad. Es una obra más bien abstracta (aunque él fuera muy consciente y estuviera al tanto de todos los acontecimientos de su época) y donde no hay mención de historia ni temas políticos, económicos o sociales, aunque sus críticos y comentaristas los hallen implícitos. Pero, como subraya Nixon, "Irlanda nunca desapareció por completo de la obra de Beckett, como lo prueban las alusiones al miembro del IRA Noel LeMass, en Mercier y Camier ; al alcalde de Cork, Terence MacSwinney, fallecido durante una huelga de hambre contra la Home Rule, en Malone muere ; el escenario dublinés de All that Fall y algunos giros de frases con ecos gaélicos en Esperando a Godot ".

Por Ernesto Schoo
Sábado 28 de agosto de 2010 LA NACION

En Roma, una noche para el olvido.

2010-08-22T08:01:00.000-07:00

Elisabet Burgeño, curadora de muestras de arte

Después de recorrer la ciudad de Roma, la sensación es que allí todo puede ocurrir. Como aquella noche, cuando paseaba con mi marido y una amiga, y decidimos ir a un bar que recomendaba nuestra guía y que prometía reminiscencias de la factoría de Andy Warhol. Atravesamos caminando “Campo dei Fiori” y seguimos por “Piazza Navona”, hasta una zona de restaurantes. Sin embargo, aunque nos guiábamos con un mapa y le preguntamos a un par de personas dónde quedaba el famoso bar, nadie conocía el pasaje donde se suponía que se encontraba... Finalmente, llegamos y era un páramo: con excepción de los camareros, ¡no había nadie! Después de semejante decepción, decidimos ir a cenar a un restaurante, pero ya sin tener en cuenta ninguna guía: lo elegimos al pasar –y al azar– porque nos gustó cómo lucía desde afuera. Pedimos la cena y todo iba muy bien, hasta que el mozo derramó una copa de vino tinto sobre el saco de vestir de mi marido. Entonces comenzó una sucesión de enredos dignos de un vodevil. Como primera medida, el mozo trajo quitamancha en polvo para echarle al saco. Luego, como la mancha era rebelde, trajo un cepillo. Y como broche de oro, una mujer joven y atractiva se acercó para invitar a bailar a mi marido a un boliche ¡sin importarle que estuviera conmigo! “Así se olvida del saco”, dijo. Roma es hermosa, sí, pero aquélla fue una noche para el olvido.

Viajes y turismo, Clarin 22 ago 10

El tiempo de las voces magníficas

2010-08-22T07:02:00.000-07:00

En una escena memorable de El ocaso de una vida ( Sunset Boulevard , 1950), el film de Billy Wilder, la protagonista, que fue reina del cine mudo, reúne a sus ancianos colegas para asistir, en una ceremonia entre nostálgica y macabra, a la proyección de sus antiguos films. Frente a un primer plano de ella misma, Gloria Swanson exclama: "¡Nosotros teníamos caras!", subrayando la última palabra. Hoy, los actores argentinos de generaciones anteriores podrían, ante el asiduo déficit vocal de sus herederos, decir: "¡Nosotros teníamos voces!", con idéntico subrayado.

Desde ya, le pido disculpas a Alicia Petti por invadir su espacio dedicado a la radio en estas páginas. Los lectores saben ya de mi preocupación por la calidad de las voces, la elocución, la articulación y la proyección de ese prodigioso instrumento que son las cuerdas vocales. Gracias a la radio, mi infancia supo de voces hermosísimas y de dicciones precisas, pues los grandes actores de teatro de entonces no desdeñaban el radioteatro, importante fuente adicional de ingresos que, además, contribuía a su popularidad. El particular timbre y el modo de decir de Pedro López Lagar hicieron célebre su reiterada invocación en la versión radial de Cumbres borrascosas , de Emily Brontë: "¡Cathy, Cathy, Cathy!", por radio El Mundo. Lo que le acarreó también tomadas de pelo en los programas cómicos.

El radioteatro nocturno de El Mundo se caracterizaba por la excelencia: las cortinas musicales no bajaban de Schubert o Mendelssohn, y la ambientación sonora estaba a cargo de toda una dinastía de sonidistas, los Catalano. Luisa Vehil, nada menos, era pareja de López Lagar en Rebeca, una mujer inolvidable , adaptación del film de Alfred Hitchcock, de 1940. Cada vez que se evocaba a Rebeca , detrás resonaba el motivo del Caballero Des Grieux, de Manon , de Massenet. La voz de violonchelo de Iris Marga fue propicia para narrar Las mil y una noches de Maple (el nombre de la mueblería que auspiciaba el programa). Hasta la venerable Blanca Podestá asumía, con su característica nasalidad, el papel de una domadora de fieras en un melodrama que -lo confieso- me provocaba incontenible hilaridad.

Del teatro venían también Olga Casares Pearson y Angel Walk, entre las muchas parejas dedicadas exclusivamente a la radio (acaso la más famosa fue la de Mecha Caus con Antuco Telesca), pero que hacían lucrativas giras por escenarios del interior. La sugestión de aquellas voces magníficas -e incluyo a los locutores de la época- no ha sido superada.

Por Ernesto Schoo - La Nacion 21 ago 2010

Rodolfo Franco, maestro de maestros.

2010-08-07T04:45:00.000-07:00

Para un artista joven y talentoso, en 1908, ¿qué mejor sitio en el mundo para formarse en las distintas disciplinas de la plástica, que París? Mientras la mayoría de sus colegas y compatriotas se dirigían a Italia, Rodolfo Franco (Buenos Aires, 1889-1954) se instaló aquel año en la capital francesa, el faro cultural del mundo, por entonces. Además, y no es dato desdeñable, vivir en Francia era más barato que en la Argentina. "Rico como un argentino", era casi un axioma para los franceses. Franco no era rico, pero era argentino, tenía talento, diecinueve años y estaba deslumbrado: Picasso y Braque ya andaban trastornando las nociones tradicionales del arte, con la entusiasta colaboración, cada uno en lo suyo, de Eric Satie, Apollinaire, Matisse? Al año siguiente, el 20 de febrero de 1909, el italiano Filippo Tommaso Marinetti enfurecería a muchos con el primer Manifiesto f uturista, publicado en Le Figaro .

Pintor, acuarelista, dibujante, ilustrador, grabador, decorador, muralista. Ninguna variedad de la plástica le fue ajena a Rodolfo Franco: algunas estaciones del subte porteño -Tribunales, Agüero, Catedral- albergan murales cerámicos hechos según sus diseños. Pero la escenografía era su dominio predilecto, y a ella consagró su mayor tarea, que consistió no sólo en ser durante muchos años el escenógrafo titular del Colón, sino también, y sobre todo, el creador de la cátedra de escenografía en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, donde formó a los mejores profesionales de la generación siguiente. Entre ellos, Saulo Benavente, Mario Vanarelli, Germen Gelpi, quienes a su vez transmitieron la enseñanza del maestro a sus sucesores.

De Franco dijo su discípulo Saulo Benavente: "El artista que encaró por primera vez entre nosotros la escenografía como arte dramático, integradora de la creación en el indivisible complejo que forma la obra teatral". En ocasión de la gran muestra consagrada a Franco en la galería Witcomb, al año de su muerte, José León Pagano destacó su ingente producción (se han contabilizado más de doscientas escenografías para el Colón, amén de las diseñadas para otros teatros, entre ellos los elencos franceses que venían al Odeón, y todavía falta completar la tarea) y "la alta ejemplaridad de su docencia". Vanarelli, Gelpi y Benavente suscribieron por entonces una declaración afirmando: "Fuimos sus alumnos y guardamos por él la más grande admiración y la más profunda gratitud, pues, como muchos, todo lo aprendimos de él". Tal vez sea una buena oportunidad de hacer hoy, con auspicio nacional o municipal, otra gran exposición de homenaje a Rodolfo Franco, maestro de maestros.

Por Ernesto Schoo La Nacion 7 ago 10

Su ámbito: la revista

2010-08-01T05:39:00.000-07:00

La vedette palabra que alude a la figura que se destaca en un espectáculo? se define en función del teatro de revistas. Aquí, algunos hitos que explican la dinámica del género:

1875. Se estrena la primera revista en Buenos Aires: El sombrero de Don Adolfo, escrita por el español, Casimiro Prieto Valdés.

1908. Inauguración del teatro Scala; luego llamado Esmeralda, en 1915; y finalmente, Maipo, desde 1922, la Catedral de la revista porteña.

1922. Llega a la Argentina la compañía francesa "Ba-Ta-Clán" con sus plumas y strass para estrenar tres obras. Así, la revista deja su línea argumental y pasa a ser una sucesión de sketches, monólogos y números musicales con mucho brillo. Es el nacimiento de lo que conoce como revista porteña.

1955. Las vedettes dejan de usar la obligatoria ?impuesta por disposición municipal? malla color carne e influenciadas por la llegada del espectáculo, Folies Bergère, en 1954, se animan a los primeros desnudos.

Hasta mediados de los años 80, la revista vivió su apogeo (Susana Giménez, Moria Casán, Adriana Aguirre, Cecilia Narova, sólo algunas). Con la llegada de la democracia, hubo algunos intentos para revivirla. Hoy, hay dos revistas: Carnaval de estrellas (Broadway) y Fantástica (Liceo).

La Nacion 31 jul 10

Profesión exigente y fugaz.

2010-08-01T05:36:00.000-07:00

He contado varias veces esta historia, pero acaso valga la pena reiterarla. En 1966 o 67 (no conservé el ejemplar), Primera Plana publicó una vasta entrevista que le hice a Iris Marga, con abundantes fotos y anécdotas. Tiempo después, me invitó a comer en su departamento de la Avenida del Libertador, donde me tenía reservada una sorpresa. Salió un momento del living y volvió, formando el característico "trencito" de las vedettes de revista, con Gloria Guzmán y Paquita Garzón, entonando un refrán que cantaban en el Maipo allá por 1928. "Falta Carmen Lamas -me informó Iris-. No pudo venir porque hoy se recibía de médico uno de sus nietos. También faltó Tita Merello, por razones de salud."

Fue uno de los grandes momentos en mi vida de cronista de espectáculos. Porque empecé a ir al Maipo alrededor de los veinte años, cuando ya el "trencito" casi no se practicaba. Alcancé, sin embargo, a ver a Alicia Bignoli, Aída Ollivier, Marcos Caplán, Castrito y Dringue Farías, Juan Carlos Thorry y, por supuesto, la colosal Sofía Bozán, que ni cantaba ni bailaba bien, pero era una personalidad dotada de un encanto único, amalgama -tal vez irrepetible- de lo auténticamente popular, bien porteño, con la elegancia innata propia de lo que es popular de veras.

En el Maipo vino después la época de la bellísima Alicia Márquez y la colosal Nélida Roca, cuando el papel de las vedettes era casi exclusivamente estatuario: mujeres de anatomía privilegiada, cuyo papel se limitaba a lo ornamental, a la "pose". Hasta que llegó Nélida Lobato y rehabilitó a la bailarina acróbata, en tanto Alfredo Allaria (una suerte de vedette masculina) creaba cuadros de insolente belleza y coreografías audaces. Fue tal vez la última gran época del Maipo como teatro de revistas. No quiero desmerecer a nadie, y reconozco la existencia actual de figuras interesantes. Pero la nostalgia es un privilegio de la vejez, y yo soy viejo: lejos de las ridículas querellas inventadas hoy por la televisión, aquellas mujeres espléndidas, aunque veneradas como iconos sexuales, se reservaban el misterio de la sugestión.

Lentejuelas, plumas y escaleras doradas sirven de marco a una tarea extenuante, que exige sacrificios a menudo cruentos: hay que sonreír siempre, aunque no se tengan ganas y los músculos estén al borde del estallido. Género frívolo, lo llaman. Un género que reclama el mismo entrenamiento y la misma disciplina de bailarines y cantantes, y, en los mejores casos, también el talento actoral. En las canastas de flores que los admiradores enviaban al camarín de sus favoritas, se deslizaban a menudo un collar de perlas, una pulsera de brillantes. Sí, es verdad; y después venía la usura del tiempo.

Por Ernesto Schoo

La Nacion 31 jul 10

Malentendido en la isla de Bali.

2010-07-25T07:04:00.000-07:00

Geraldine Seff , actriz y coautora de MASCARAS EN FUGA.

Mi abuela, que sabía de mi amor por el arte oriental y de mis ganas de aprender teatro de máscaras, me hizo un regalo inolvidable: un viaje a Bali, en la lejana Indonesia. Ya instalada en la isla, una tarde de lluvia tropical fuimos con mi maestro Anom Putra a la casa del reconocido escultor de máscaras Renu. El hombre nos recibió con el pico y la maza en la mano, y recuerdo que entramos a su taller por una puerta pequeña que nos condujo a un espacio impregnado de olor a madera y curiosas ventanitas en los costados que recordaban a un vagón de tren. Entonces, llegó el momento decisivo en el que yo tenía que elegir una máscara para mí. “Cuando elijas la máscara y te la pongas, cerrá los ojos y sentí el personaje de esa máscara”, me dijeron. Eso hice. Tomé aire y me calcé la máscara del personaje del viejo. Aunque escuché el sonido de un portazo, seguí con los ojos cerrados imaginándome que estaba en un tren en movimiento e improvisando que yo era una prófuga a la que habían encerrado en el camarote de un tren.
Luego cambié de máscara. Una vez más, dos, diez. Perdí por completo la noción del tiempo, pero mantenía siempre los ojos cerrados. Hasta que escuché que se abría una puerta en forma violenta y volví de inmediato a la realidad. Era la hija del artesano, que me miraba azorada, y en rústico inglés me dijo que los hombres se habían cansado de mirarme y ¡se habían ido a comer hacía dos horas!

Viajes y Turismo Clarin 25 jul 10

El misterioso clavel verde del temible Oscar Wilde

2010-07-25T06:33:00.000-07:00

En la noche del 20 de febrero de 1892, en el escenario del St. James Theatre, de Londres, Oscar Wilde se adelantó hacia las candilejas, impecablemente vestido, con un clavel verde en el ojal de su jaquet y el cigarrillo humeante en la mano derecha. Esta era una flagrante transgresión, no sólo de la etiqueta mundana vigente entonces sino también de la más elemental precaución en un teatro, donde abunda el material inflamable. Pero pocos en el público se lo reprocharían: de pie, entusiasmados, los espectadores habían exigido la presencia del autor de El abanico de lady Windermere , que acaba de estrenarse esa noche. Y dijo Oscar (con aquella voz que hasta sus enemigos reconocían como musical y única): "Señoras y señores, he disfrutado inmensamente de esta velada. Los actores nos han dado una encantadora versión de una obra deliciosa, y la apreciación de ustedes ha sido en extremo inteligente. Los felicito por el gran éxito de la labor de ustedes como espectadores, lo que me lleva a creer que piensan de la obra casi tan alto como yo".

La insolencia hizo delirar al público y enfureció a los críticos, pero el éxito ya estaba asegurado. Como su gran amiga Sarah Bernhardt, Wilde tenía un especial talento para llamar la atención. El clavel teñido de verde que habitualmente lucía en sus solapas, era lo que él llamaba "un señuelo para cazar bobos". Precisamente en vísperas del estreno de El abanico? , le había encomendado al director y primer actor del Saint James, Graham Robertson: "Mezclarás entre el público a varios jóvenes apuestos que lleven un clavel verde en la solapa: los tiñen en la florería Tal". "¿Para qué?", preguntó Robertson. "Le intrigará al público -respondió Oscar-. En escena habrá un joven actor que llevará un clavel verde, y cuando el público vea a otros en la sala que también lo llevan, pensará que es el símbolo de una secta mística, o algo por el estilo, y se preguntará qué significa". "¿Y qué significa?", inquirió Robertson. "Nada en absoluto -concluyó Wilde-, pero eso es justamente lo que a nadie se le ocurrirá."

Oscar, que era generalmente una persona amable y generosa, no tenía buena relación ni con los actores ni con los críticos. De los primeros, opinaba que eran tan sólo títeres encargados de transmitir su genio al vulgo. "No escribo obras para nadie -afirmaba-, sino para divertirme. Si algunas personas quieren actuar en ellas, a veces les permito que lo hagan". Y en cuanto a los críticos, en una entrevista previa al estreno de El abanico? , preguntado por la posible reacción de éstos, contestó: "Espero que no la entiendan en absoluto".

Por Ernesto Schoo - La nacion 25 jul 10

Por la ruta, siguiendo a la luna.

2010-07-11T08:39:00.000-07:00

Por Nicolás Allegro. Músico y humorista de Ridiculum Vitae

Me encontraba en la ruta con rumbo a Entre Ríos, y si me ha quedado una enseñanza imborrable de ese viaje es que hay que aprender a confiar en ciertos carteles indicadores. Lamentablemente, el conductor y el copiloto, hermanos y cordobeses (el segundo era integrante del grupo), tenían un sentido de la ubicación bastante peculiar, mientras que sus creencias eran todavía más extrañas. En vez de reconocer que estábamos absolutamente perdidos y que el comienzo de nuestra gira corría serio peligro, insistían en mantener como elemento principal de referencia geográfica ¡la ubicación de la luna con respecto al auto! Increíble, pero real. Les juro a los lectores que no miento ni exagero.

Convencidos de la perfección de su método, cada vez que les comentábamos que en los carteles no aparecía la más mínima mención de ninguna ciudad entrerriana, argumentaban: “¿por qué desconfiar de quien utiliza el más antiguo de los métodos de ubicación del hombre? Mientras la luna se encuentre a la derecha de nuestro auto, quiere decir que vamos por el camino correcto”.

Así seguimos un par de horas, dejándonos llevar, casi convencidos ante la tranquilidad del conductor y el copiloto. Pero cuando terminó la rueda de mate y la discusión sobre la torpeza de un delantero de fútbol estaba agotada, el copiloto observó: “Ahora sí estamos en problemas. ¡La luna se corrió a la izquierda!”.

Claudel y Barrault todavía siguen conversando.

2010-07-11T07:59:00.000-07:00

Como todos los veranos desde 1972, el pasado 25 de junio se reanudaron en el castillo de Brangues, en el Delfinado, los Rencontres de Brangues, que conmemoran la vida y la obra de Paul Claudel (1868-1955), el poeta y dramaturgo francés que en esa mansión de campo vivió, murió y fue sepultado. Este año, la celebración está dedicada a evocar la honda amistad que unió a Claudel con su compatriota, el actor Jean-Louis Barrault, cuyo centenario se celebrará el próximo 8 de septiembre. Claudel, recordemos, es autor de La anunciación a María , El zapato de raso y, sobre todo, Partición de m ediodía, que fue un gran triunfo de Barrault como director y actor.

"El estaba por cumplir 69 años, yo tenía 27 -escribió Barrault-. Yo había estrenado Numancia de Cervantes y él me llamó de inmediato, quiso conocerme". Jean-Louis era el niño terrible del teatro francés de los años treinta: debutó como director con una versión de Mientras agonizo , la novela de William Faulkner. "Había un niño que había visto y aprendido mucho, que se encontró frente a un niño que había visto y aprendido mucho." Así describe Claudel aquel primer encuentro, el inicio de una relación que era (lo señala Armelle Hétiot en Le Figaro del 26 de junio último) "una fraternidad, una admiración recíproca, un entendimiento moral y estético".

De aquel primer encuentro se trató precisamente en el comienzo de los Rencontres de este año. Las jornadas fueron creadas por los herederos de Claudel y presididas por Barrault hasta su muerte. Son auspiciadas por la pequeña ciudad de Brangues (honrada con el título de Village de la Littérature ); por el Teatro Nacional Popular de Villeurbanne, por la Escuela Nacional Superior de las Artes y las Técnicas del Teatro, con sede en Lyon, y por France Culture.

Para el joven Barrault, cuyo padre murió en la Primera Guerra Mundial, Claudel no fue el único padre sustituto. También lo fueron Charles Dullin, gran maestro de actores, que le confió las primeras puestas en su teatro del Atelier, y Etienne Decroux, el mimo que enseñó a Barrault esa técnica de actuación. Se ha creado en París una Asociación del Centenario, presidida por el industrial Pierre Bergé, quien donó 50.000 euros. En cambio, el Ministerio de Cultura de Francia no participará de la celebración. Eric Favre, actual presidente de los Encuentros de Brangues, ha declarado: "Es necesario que Brangues se convierta en un Centro Cultural de Encuentros y sea dotado en consecuencia". Casi dan ganas de aconsejarle que se informe acerca de nuestra Villa Ocampo, la cual, además, funciona el año entero.

Por Ernesto Schoo - La Nacion 11 jul 10

Por la ruta, siguiendo a la luna.

2010-07-04T05:30:00.000-07:00

Por Nicolás Allegro. Músico y humorista de Ridiculum Vitae.

Me encontraba en la ruta con rumbo a Entre Ríos, y si me ha quedado una enseñanza imborrable de ese viaje es que hay que aprender a confiar en ciertos carteles indicadores. Lamentablemente, el conductor y el copiloto, hermanos y cordobeses (el segundo era integrante del grupo), tenían un sentido de la ubicación bastante peculiar, mientras que sus creencias eran todavía más extrañas. En vez de reconocer que estábamos absolutamente perdidos y que el comienzo de nuestra gira corría serio peligro, insistían en mantener como elemento principal de referencia geográfica ¡la ubicación de la luna con respecto al auto! Increíble, pero real. Les juro a los lectores que no miento ni exagero.

Convencidos de la perfección de su método, cada vez que les comentábamos que en los carteles no aparecía la más mínima mención de ninguna ciudad entrerriana, argumentaban: “¿por qué desconfiar de quien utiliza el más antiguo de los métodos de ubicación del hombre? Mientras la luna se encuentre a la derecha de nuestro auto, quiere decir que vamos por el camino correcto”.

Así seguimos un par de horas, dejándonos llevar, casi convencidos ante la tranquilidad del conductor y el copiloto. Pero cuando terminó la rueda de mate y la discusión sobre la torpeza de un delantero de fútbol estaba agotada, el copiloto observó: “Ahora sí estamos en problemas. ¡La luna se corrió a la izquierda!”.

Viajes y Turismo Clarin 4 jul 10

A cincuenta años de un gran estreno.

2010-07-04T05:00:00.000-07:00

Este año se cumple medio siglo del estreno de una obra injustamente omitida en los repertorios actuales: Donde la muerte clava sus banderas , de Omar Del Carlo. En el espléndido libro escrito por Cora Roca sobre la tarea de Saulo Benavente como escenógrafo de teatro, cine y ópera, editado por el Fondo Nacional de las Artes y que esta columna comentó el pasado sábado 19 de junio, se ven imágenes de los bocetos y la realización de la ambientación concebida por Saulo para esta obra.

Omar Del Carlo fue un notable personaje de la cultura argentina, entre los años cuarenta y sesenta del siglo anterior. Escritor, dramaturgo importante ( Proserpina y el extranjero, Jardín de ceniza, Donde la muerte... ), se complacía en escandalizar a los apacibles burgueses de entonces con sus epigramas, sus corbatas y su apariencia: era un gigantón, portador de barba cuando casi nadie la usaba. Hombre de vasta cultura, andaría hoy por los noventa años. Aunque tenía ese algo de europeo desterrado que Borges nos atribuye a los argentinos, en cierto momento se marchó definitivamente a los Estados Unidos, donde se casó y murió.

Omar escribió Donde la muerte clava sus banderas en 1959 y al año siguiente la estrenó la Comedia Nacional en el Cervantes, dirigida por Orestes Caviglia. El elenco era impresionante: el actor uruguayo Alberto Candeau interpretaba al protagonista, el caudillo provinciano Dalmiro Soria (la acción transcurre en la estancia de Soria, en el litoral argentino, hacia 1860), y María Luisa Robledo a su contraparte femenina, que responde al portentoso nombre de Astrea de Magalhaes. Ernesto Bianco, Milagros de la Vega, Violeta Antier, Alicia Berdaxagar, Carlos Carella, Idelma Carlo, Marisa Martínez Allende, Jorge Monteagudo y Miguel Narciso Bruse figuraban en el elenco. Cuando Omar Del Carlo dirigió la Comedia Nacional, pocos años después, repuso la obra con otra dirección, otro escenógrafo y otros actores, donde Astrea era Eva Dongé y el personaje estrenado por Bianco estaba a cargo de un excelente actor cordobés, Alfredo Duarte, fallecido muy joven.

En busca de datos sobre Omar y su obra, encontré en Internet una noticia del diario El Colono , de Verónica (provincia de Buenos Aires), fechada el pasado 26 de junio, donde se informa que el sábado anterior, es decir, el mismo día en que esta columna evocaba a Benavente, el Grupo de Teatro Independiente de esa localidad presentaba una versión de Donde la muerte... en el Círculo Católico, dirigida por Horacio Lavecchia, "ante algo más de cien personas".

Por Ernesto Schoo La Nacion 3 jul 10

El secreto de los dos samuráis

2010-06-27T05:29:00.000-07:00

Cada vez que en Occidente hablamos de teatro japonés, de inmediato nos remitimos a las dos variantes más conocidas, el kabuki, o teatro popular, y el noh, o teatro ritual. Y si bien es cierto que esa tradición sigue teniendo un peso notable sobre la dramaturgia del Japón, de vez en cuando se tienen noticias sobre experiencias de vanguardia, o versiones originales, renovadas, a partir del folklore, las leyendas y los mitos que alimentan a la riquísima literatura japonesa.

En el pasado mes de mayo, nos informa una edición del Times Literary Supplement , el escenario del Barbican londinense fue ocupado por una compañía japonesa dirigida por Yukio Ninagawa, considerado uno de los más importantes hombres de teatro de su país: actuaron en su idioma, con traducción al inglés. La obra se titula Musashi y fue escrita por Hisashi Inoue, fallecido en abril último. La trama se parece mucho a una novela corta de Joseph Conrad, Los duelistas , que Ridley Scott llevó al cine años atrás. Aquí se trata de dos samuráis que a comienzos del siglo XVII se encuentran en una playa para batirse a duelo. Uno de ellos, Kojiro, hace rato que ansía y espera el enfrentamiento, pero su rival, Musashi, demora la cita hasta el día y la hora en que el sol del mediodía se encontrará a sus espaldas y enceguecerá a Kojiro. La leyenda termina ahí, pero Inoue imagina lo que habría ocurrido si Kojiro no hubiera muerto, y nos transporta a seis años más tarde.

"Como siempre ocurre con los espectáculos de Ninagawa -escribe la crítica del TLS , Judith Flanders-, la escenografía es tan importante como los actores". El telón de fondo del prólogo reproduce una xilografía de época, con un mar estilizado y un sol inclemente; apenas concluido este episodio, una docena de árboles de suntuoso follaje entran en escena, rodeando un pequeño templo de madera. En él, dos sacerdotes budistas y dos damas acaudaladas se han reunido para un retiro espiritual, cuando irrumpe Kojiro, para desafiar a uno de los sacerdotes, que es Musashi convertido en clérigo, a renovar el duelo. Los demás tratan de disuadirlos, a fin de romper el ciclo del combate eterno. Y aquí ocurre algo insólito (a mi entender) en el ejercicio de la ética profesional: la señora Flanders le advierte al lector que le va a revelar el secreto que determina el final de la historia, y que si se propone ir a verla al Barbican, mejor que abandone la lectura en ese momento. Por mi parte, no seré yo quien transcriba esa revelación, por si algún director local se interesara por Musashi y aspirase, naturalmente, a mantener el misterio.

Por Ernesto Schoo La Nacion 27 jun 10

Un sapucai para celebrar la vida.

2010-06-21T06:35:00.000-07:00

Mis mejores viajes están llenos de música. Hace una pila de años –por el ‘70, creo– cerramos Gotán, el boliche que teníamos con el bandoneonista César Stroscio y el violinista Miguel Praino, nos repartimos cincuenta mangos cada uno y bajamos la persiana. El “Pichi” Ottone –después director de cine– era nuestro “desocupado” mozo. El nos organizó una “gira litoral” a Santa Fe y Resistencia. Y ahí fuimos los tres. Era una gira pobre, rica sólo en música y amigos.

Llegamos a la ciudad de Santa Fe y nos esperaban con un extraordinario surubí a la parrilla; tocamos en el centro cultural “El Galpón” y eso derivó en una fiesta de varios días de milongas, canciones, asados y rica cerveza. Después seguimos viaje y paramos en una pulpería que era posta habitual en la ruta de los camioneros. Espontáneamente se armó un fogón con una veintena de ellos y estuvimos dándole a la música litoraleña y porteña. Les gustó con locura “Eche veinte centavos en la ranura” y seguimos, avivando el fuego y sacándole la ceniza a las brasas, con los versos de González Tuñón y Gelman hasta que llegó la mañana.

La gira continuó en Resistencia, donde el chamamé es como el aire, se respira a cada instante y a uno se le mete el sonido del acordeón y el baile para siempre. Tocamos, y también vivimos, en “El Fogón de los Arrieros” que en ese entonces más que un centro cultural era el corazón de Resistencia.

El sol apretaba al mediodía. Allí, después de almorzar otro surubí extraordinario, entendí eso de “la siesta es sagrada”: todos se fueron a dormir y yo quise dar una caminata por la ciudad. Al cruzar la enorme Plaza 25 de Mayo –no había un alma, hasta los pájaros dormían la siesta– el calor fue un mazazo. Ahí mismo volví, “converso”, a esperar hasta las seis de la tarde para animarme a salir de nuevo. Nunca había sentido tanto calor.

Raúl Cerruti, sabio antropólogo y cantor de chamamé, nos contó la historia de Isidro “el vengador” Velázquez –un Robin Hood chaqueño que robaba a los ricos y ayudaba a los pobres– matado por la policía, que le tendió una emboscada en el paraje Pampa Bandera de Machagai. Dicen que pegó su último sapucai antes de caer junto a un árbol. El lugar se convirtió en sitio de peregrinación popular y la gente se llevaba una ramita o un pedazo de corteza del arbolito como amuleto, hasta que la policía mandó a cortarlo y quemarlo. Fuimos hasta Machagai por un camino polvoriento, los del pueblo dejan flores donde murió porque cuentan que volverá y hay gente que lo espera.

No había puente interprovincial cuando hicimos la gira y cruzamos el Paraná en un lanchón hasta Paso de la Patria para ir a unas playas hermosas; la pesca nos garantizó un manjar en la mesa y aunque yo no pesqué, doy cuenta de eso y no me olvido. Como el Paraná, la música no se detiene y el chamamé enamora. Cuando baja el sol y los sauces se convierten en el lugar indicado para reunirse, entonces, las guitarras y acordeones se juegan el alma y siempre hay un sapucai para celebrar la vida.

* El cuarteto Cedrón se presenta los sábados de julio a las 21 en Espacio Ecléctico, Humberto Primo 730.

Viajes y turismo Clarin 10 jun 10

Al compás del tamboril

2010-06-21T06:27:00.000-07:00

El año pasado tuve la suerte de trabajar a bordo de un crucero, navegando la costa oeste de Africa y conociendo destinos magníficos como Marruecos, Senegal, Togo, Gambia, Ghana, Namibia y Sudáfrica. Por ejemplo, cuando llegamos al puerto de Dakar, en Senegal, tripulantes y pasajeros nos subimos a una van para recorrer la ciudad. Al llegar a la plaza principal nos esperaba una multitud de vendedores ambulantes ofreciendo todo tipo de souvenirs. Aun para quienes tienen experiencia en ser asediado por vendedores callejeros, la insistencia de los de Dakar es altamente superior. Una decena de ellos nos seguía a todas partes, hablándonos en francés, inglés, algo de italiano, español rudimentario y dialectos locales. Yo creía que si repetía “no gracias, no tengo dinero”, terminaría por cansarlos. Pero los vendedores redoblaban sus tácticas y hasta generaban rencillas territoriales entre los más perseverantes y los que se iban sumando. Agotado, dije “I need a talking drum” (“necesito un tambor parlante”, típico de Senegal). Al escuchar la frase, se esfumaron todos para reaparecer al instante con el instrumento en la mano y dar comienzo a las negociaciones. Después de 2 cuadras de regateo, elegí uno y se fueron los acechadores. Pero mi sorpresa no terminó allí. Porque el tambor empezó a funcionar como un imán: hombres, mujeres y niños sonreían al verme pasar, me hacían señas para que tocara y ¡se acercaban cantando!.

Viajes y turismo Clarin 20 jun 10

Saulo Benavente, joven para siempre

2010-06-21T06:05:00.000-07:00

"Indudablemente, fue el creador más sobresaliente de la escenografía argentina del siglo XX y puedo señalar, sin exagerar, que en ella hubo un antes de Saulo y un después". Son las palabras iniciales, firmadas por César López Osornio (director del Museo de Arte Contemporáneo de La Plata), del magnífico libro que Cora Roca dedica a la obra de Saulo Benavente, editado por el Fondo Nacional de las Artes, y compañero de la excelente biografía del gran escenógrafo argentino, también escrita por Roca, y publicada el año pasado por el Instituto Nacional del Teatro.

Ambos libros son un merecido homenaje al gran artista y excepcional ser humano que fue Benavente (1916-1982), cuya contribución a las artes de la representación no se limitó al ámbito nacional sino que lo trascendió: amigo y colaborador de su colega checo Josef Svoboda, de Jean Vilar en el TNP francés y de Jean-Louis Barrault en París y en Buenos Aires -y de muchas otras ilustres figuras de relieve mundial-, presidió el Instituto Internacional del Teatro, de la Unesco, entre 1958 y 1982, y sigue siendo su presidente de honor post mortem. Esas distinciones son apenas un reflejo de su formidable labor, que abarca más de las 530 escenografías, más diseño de luces y de vestuario, que han podido rescatarse de la dispersión y el olvido. Porque esa labor incluía también su generosidad ilimitada, su trato afable, su constante preocupación por el prójimo y la destreza con que sacaba partido de las carencias. Como dice López Osornio, "con una soga hacía el horizonte, con una palangana el sol".

El volumen, con el nivel de calidad habitual en los libros del FNA, es un espléndido álbum de imágenes, en blanco y negro y color, que registra la actividad de Saulo en las variadas disciplinas que abordó, con introducciones de Graciela Galán en teatro, Claudio España en cine (entre otros títulos, Barrio gris , Pampa bárbara , El último perro ) y Marcelo Salvioli en ópera. Tras haber disfrutado durante muchos años de sus magistrales ambientaciones -recuerdo en especial las de Un sombrero de paja de Italia , en el Instituto de Arte Moderno (1951), por la síntesis y la imaginación cómica-, tuve el honor de ser su colega en el escuela de cine de la Universidad de La Plata. Allí conocí al Saulo cotidiano, cordial, siempre despeinado, con sus entonces insólitos pantalones de fajina, los múltiples bolsillos abarrotados de herramientas y de toda clase de chirimbolos que le servían para resolver problemas del momento, seguido por sus alumnos deslumbrados. Así también lo recuerdan los libros de Cora Roca: joven para siempre.

Por Ernesto Schoo - La Nacion 19 jun 10

El sermón del roncador

2010-06-13T06:29:00.000-07:00

Victoria Di Raimondo
Cantante de albertango.

En 2007, en una gira por Chile tuvimos la oportunidad de tocar en las preciosas ciudades de Temuco y Victoria, en la comuna de Ñuñoa y Santiago. Finalmente, paramos en un hotel de Reñaca, en la V Región. Como la fecha coincidía con el cumpleaños de uno de nuestros músicos, le avisamos a algunos amigos de Valparaíso para que fueran a saludarlo y tener una pequeña celebración. Es que s ólo contábamos con un living que antecedía a las habitaciones, donde preparamos un buffet. Pero esos “pocos” amigos invitaron a otros, y la fiesta se nos fue de las manos. Hasta empezaron a llegar músicos de otras delegaciones: un mexicano con un violín, un peruano con un cajón… y se armó una improvisada orquesta. Otros huéspedes empezaron a quejarse por el ruido. Entonces, cada vez que tocaban a la puerta, lo recibíamos muy serios diciendo “se ha equivocado de habitación”, mientras todos hacían silencio. Al otro día, el pasajero de la habitación contigua se metió en la nuestra casi por la fuerza y soltó un sermón sobre el respeto al prójimo mientras se iba tomando lo que quedaba en las botellas que sobraron. Estaba desencajado y, a los 20 minutos, ante nuestra estupefacción, completamente borracho. Tanto, que se sentó en un sillón y se quedó dormido con unos tremendos ronquidos de elefante. En silencio, hicimos nuestras valijas y nos fuimos. Al despertar, debió preguntarse si aquello sucedió o fue un sueño.

Viajes y turismo Clarin 13 jun 10

Un apasionado por Samuel Beckett

2010-06-12T05:04:00.000-07:00

En una edición reciente, The Guardian , de Manchester (uno de los mejores diarios del mundo) publica una nota donde Nick Klegg, viceprimer ministro británico, expone su admiración -su pasión, en realidad- por la obra de Samuel Beckett. Este joven político (43 años) es el líder de los demócratas liberales, un partido pequeño, pero que cobra cada vez más relevancia en Gran Bretaña, definida por él como "un lugar de tolerancia y pluralismo", en tanto él mismo se pinta como "liberal por temperamento, por instinto y por educación". Klegg se casó en 2000 con una española, Miriam González Durantes, y tiene con ella tres hijos, bautizados con nombres en español: Antonio, Alberto y Miguel.

"Siempre leo mucho, casi siempre ficción -así comienza el texto de Klegg-. Pocas son las noches en que me duermo sin antes haberme sumergido en un libro que tenga a mano. Agradezco a aquellos escritores que facilitan el volver a ellos, noche tras noche, año tras año. Son los grandes, y Samuel Beckett es uno de ellos. Mi primer encuentro con Beckett fue cuando yo estudiaba en los Estados Unidos, en Minnesota, y actué en una producción estudiantil de Krapp, o la última cinta . Recuerdo imágenes de Beckett, que me impresionaron tanto como su obra, con su nariz como pico de pájaro, sus ojos fijos en la cámara. Y esa austeridad que lo envuelve, desde muy joven, y que conecta al hombre con sus palabras."
* * *
"Desde entonces, debo de haber leído Esperando a Godot -naturalmente- unas cien veces. Cada vez que vuelvo a Beckett lo encuentro más subversivo y sus palabras me hacen sentir más inquieto. La perturbadora noción, más explícita en Godot, de que la vida es un hábito, una costumbre -nada más que una serie de acciones desprovistas de significado-, me resulta cada vez más inquietante. Es ese empeño de cuestionar aquello que los demás damos por sentado, lo que más admiro en Beckett: el coraje de formular preguntas que son peligrosas, porque si las tradiciones y los significados que nos son tan caros resultan ser falsos, ¿qué deberíamos hacer?

"Pero en la oscuridad también hay humor, y no sorprende que tantos comediantes sean fanáticos de Beckett. Su atractivo está en lo directo: su ascética prosa, no embellecida por la retórica, que vuelve inesperadas sus minuciosas acotaciones escénicas. Te deja con la sensación de que sabes de qué está hablando, aunque después te faltarían las palabras para explicártelo. Directo y perturbador: imposible cansarse de Beckett."

Seamos piadosos, lector: no hagamos compa-raciones?
Por Ernesto Schoo La nacion 12 jun 10

BOLIVIA, entre la tierra y el cielo.

2010-05-31T13:45:00.000-07:00

VALENTINA BASSI
actriz.

Hay viajes que son una alegría certificada. Con Ulises, mi marido, fuimos a Bolivia en enero del 2006, pocos días antes de que asumiera “El Evo” como presidente. Bolivia se quedó sin mar pero a veces parece una ola que te atrapa y te da tantas vueltas que cuando se emerge cuesta saber dónde estás parado. Algo así sucede en el salar de Uyuni, un inmenso desierto de salitre blanco. En una combi conducida por guías anduvimos por el salar hacia el horizonte, poco después nos detuvimos y bajamos en medio de la blancura. Había llovido y una capa de 15 centímetros de agua tibia cubría la superficie formando un cristal que reflejaba el sol y las nubes en un cielo multiplicado. Es como un efecto mágico ese no saber si uno pisa la tierra o el infinito. Todo es espejo; no se parece a nada en el mundo y es de una belleza inverosímil. Al rato reanudamos la marcha, se nubló y volvió a llover. Se borraron las huellas de los senderos conocidos y los cerros que señalan coordenadas naturales no se veían.
El guía, muy sereno, nos anunció que estábamos perdidos y yo apreté con fuerza la botellita de agua mineral que tenía en la mano. No fue desesperación sino estupor la sensación de andar sin rumbo y sin ver a nadie hasta donde alcanzaban los ojos. Apareció una camioneta a lo lejos y le hicimos señas como locos hasta que nos divisó; recién entonces descubrí la inquietud y el alivio.

En el camino de regreso pasamos por el Palacio de Sal, un hotel sorprendente donde todo lo que hay, desde las paredes hasta las camas, son bloques de sal. El paisaje de Uyuni es maravilloso y me queda el sentimiento de haber visitado la dimensión desconocida.
La Paz era una fiesta, pero no al estilo de París. Llegamos para la asunción del primer presidente originario y una enorme multitud de almas felices vestidas con trajes típicos, banderas y ponchos multicolores lucían su orgullo en la Plaza de San Francisco. Escuchamos, casi un himno ya, la canción de Piero “para el pueblo lo que es del pueblo” y la respuesta de la plaza: “Piero, hermano, ya eres boliviano”. Sentí una emoción enorme como la alegría que colmaba el ambiente fraternal. Para esta fecha La Paz hace todos los años la Feria de las Alasitas en honor al Equeko. Puestos callejeros repletos de artesanías en miniatura que representan lo que cada uno quiere conseguir. Hay casas, autos, camiones, bolsas de comida, bebés y todo en tamaño diminuto. Escuché una voz pregonando con insistencia: “un millón de dólares a tres bolivianos” y mucha gente compraba una valijita con billetitos de papel.

En otro puesto, un señor mayor buscaba con insistencia hasta que por fin encontró el autito rojo de sus sueños. Después, en una ceremonia en la explanada de la iglesia varios sacerdotes de sotana blanca que portaban baldes de plástico de colores colmados de “agua bendita” y con unas escobillas salpicaban a los miles de feligreses que llevaban en la mano extendida el objeto de su deseo. Después, sacerdotes de origen aimara hacen lo mismo, pero con alcohol y hojas de coca. Y se comprende: ¡hay que asegurar las ilusiones...!

Viajes y Turismo Clarin 30 may 10

El San Martín también es historia.

2010-05-31T12:59:00.000-07:00

En la euforia de los festejos del Bicentenario y, sobre todo, de la ansiada reapertura del Teatro Colón -su hermano mayor-, pasó inadvertida otra conmemoración histórica: el medio siglo de vida del Teatro San Martín, inaugurado el 25 de mayo de 1960. La fecha encuentra al teatro, uno de los más bellos del mundo, obra maestra del arquitecto Mario Roberto Alvarez y asociados, en plena crisis. Interrumpidas las obras de refacción y reciclado, con un director saliente y numerosas incógnitas sobre el futuro.

* * *
Los porteños -y los argentinos, en general- no hemos asimilado todavía que el San Martín es al teatro de prosa lo que el Colón es al teatro musical. Tampoco entendemos, creo, que el propietario del San Martín no es el gobierno de la ciudad -encargado de gestionarlo, preservarlo y, si es posible, mejorarlo-, sino el ciudadano común, que contribuye con sus impuestos a mantenerlo. Ese gran teatro cumple una función fundamental del Estado: proporcionar acceso a la cultura, con un criterio de excelencia, a precios módicos y abarcando todas las manifestaciones, de lo clásico a lo popular de calidad. De ahí que no sea fácil programar la actividad anual en todos los rubros que el San Martín abarca: los conciertos y recitales de música en el vasto, espléndido hall de entrada, las exposiciones fotográficas, las exhibiciones de cine, el Ballet Contemporáneo, el Grupo de Titiriteros? Hay para todos los gustos y todas las edades, con la intención de hacer de sus recintos, lugares de encuentro solidario (nada como el teatro para suscitar un sentimiento comunitario), de intercambio social y cívico. Un verdadero centro cultural, de una dimensión acaso no suficientemente valorada. Sería injusto no destacar que la gestión de Kive Staiff como director general y artístico, desde 1971 hasta hoy, cuando anuncia su retiro, si bien con interrupciones temporarias, dio al San Martín su sello distintivo, de producciones cuidadas y atención a los detalles. Esto no habría sido posible sin la existencia de un personal capacitado e idóneo, desde los técnicos hasta los acomodadores, con auténtico amor por la institución, como pudimos comprobarlo en nuestro breve paso por la dirección general.

* * *
Si ha sido posible recuperar el Colón, pongamos ahora empeño en preservar al San Martín: su trayectoria, los grandes nombres, incluso internacionales, que lo han frecuentado, merecen el afecto, la solidaridad y la atención de todos.

Por Ernesto Schoo - La Nacion 29 may 10

La ciudad que ama su actividad teatral.

2010-05-23T05:47:00.000-07:00

"En Buenos Aires, se estima que ninguna de las grandes ciudades europeas o americanas presenta un conjunto de expresiones teatrales tan numeroso y variado como la urbe porteña." El párrafo pertenece al ensayo con que Beatriz Seibel cierra la tercera parte del primer volumen de su Historia del teatro argentino. Podría suponerse que está hablando de la actualidad, cuando en verdad se refiere a un siglo atrás. Para ella, como para casi todos los investigadores e historiadores de nuestro teatro, el decenio 1900-1910 marca un apogeo. Las cifras son elocuentes: la estadística municipal consigna que en 1910 en esta capital asistieron al teatro 6,6 millones de espectadores, contra 4,2 millones en 1907. Teniendo en cuenta que Buenos Aires tenía por entonces un millón y medio de habitantes, se deduce cuántas veces al año ocupaba un espectador su butaca. A la vez, la estadística indica también cuál es el enemigo más temible: si en 1907 fueron al cine unas 600.000 personas, en 1910 ya eran tres millones y medio.
* * *
Si se toma como punto de partida de un teatro nacional la famosa innovación, hecha por los Podestá, de dar voz en 1884 a la pantomima original del Juan Moreira de Eduardo Gutiérrez, no cabe duda de que en el lapso de veintiséis años se había adquirido una dramaturgia propia, se comenzaban a trazar los primeros esbozos de una crítica y de una historiografía documentada, y trabajaban actores de notable calidad. Seibel anota que en el primer decenio del siglo XX las compañías nacionales han aumentado de apenas tres en 1900, a ocho, diez años después. "En general, son superadas en cantidad por los elencos extranjeros; su incidencia en la oferta de espectáculos es relativa, considerando además la importante presencia de compañías europeas de ópera y opereta. Pero marca el comienzo de un crecimiento que se expande en los años siguientes."
* * *

Entre los investigadores, Luis Ordaz llamó "época de oro del teatro nacional" al decenio, pero advirtiendo que ya se notaban síntomas de declinación. Raúl Castagnino observa que ese auge no puede considerarse nacional, sino tan sólo porteño. Osvaldo Pelletieri propone un "período de constitución", de 1700 a 1884, y un "subsistema de la emancipación cultural", de 1884 a 1930. Ricardo Rojas lo denomina "tiempo de emancipación escénica". Lo concreto es que, para dar un ejemplo al azar, en ese período Pepe Podestá estrena 249 piezas de autor nacional en el Apolo. Y el 11 de septiembre de 1910 se constituye la primera Sociedad Argentina de Autores Dramáticos y Líricos, presidida por Enrique García Velloso, antecedente de la actual Argentores. Dos tristezas, en 1910: el incendio intencional del circo de Frank Brown en la calle Florida y la muerte, en Milán, el 7 de noviembre, de Florencio Sánchez.

Por Ernesto Schoo
La Nacion 22 may 10